Archivo de la categoría: hunchs

righttothecity

Esto no es más que una intuición. Y probablemente sea una tontería pero cuando tengo una intuición no quiero que se me escape. Y le voy a dar una forma textual, pero no olviden queridos amigos que es una forma bocetesca, osea que voy a tirar barro así a pegotes como quien dice que luego ya le daremos forma al asunto, si lo merece, sino pues se quedará cual está.

Lo primero, adjunto aquí un artículo de David Harvey, “The Right to the City” que es el que me dio la corazonada.

righttothecity

reclaim

El artículo arranca con la Haussmannización de París que fue en torno, o arranco más bien, la década de los años 40 del siglo XIX en lo que, entonces, era la capital cultural del mundo civilizado, París. La Hausmanización parecía dar solución a muchos de los problemas urbanísticos de la ciudad. Expulsó a muchos vecinos de sus lugares para lograr una ciudad grande de inmensas avenidas, casitas con balcón. Genero la imagen del perfecto burgués orgulloso de serlo que pagaba mucho dinero, porque lo tenía, por una vida urbana confortable, socializada, limpia e higiénica. En fin, en principio pareció que Haussmann iba a solucionar los problemas y además iba a cambiar la cara de París para siempre. Lo segundo lo logró claro está, lo primero no.

 

Luego, siguiendo l anarración a borbotones las revoluciones burguesas que marcaron todo el XIX, las llamaremos mejor burguesas utópicas: la del 32 (Los Miserables) y la del 48.

 

Rebelión junio 1832, París

1848_revolution

 

La revuelta del 48 fue el resultado del sur-plus; sur-plus de trabajadores, sur-plus de capital y sur-plus de utopía. Como apunta Harvey en el artículo: “La crisis del 48 afecto de modo particular a París…. como resultado hubo una revolución frustrada de los trabajadores desempleados y aquellos burgueses utópicos que creían que la república sería el antídoto contra la soberbia y la desigualdad capitalista que había caracterizado la monarquía de julio”. El resultado fue que Napoleón Bonaparte se proclamó emperador en el 1853 y las cosas fueron de mal en peor. Napoleón se dedicó a invertir este sur-plus en infraestructuras, entre las cuales se encargó, en una segunda oleada, de la re estructuración de París.

 

Durante 15 años la cosa avanzó, la ciudad cambió y los ciudadanos también, se “inventó” en cierto modo una nueva “persona urbana” (la correcta o previsible). París se hizo el centro del turismo, del consumo, del lujo, del arte, de las grandes exposiciones. Como si toda esta exageración fuera capaz de engullir ese excedente y hacer que la máquina continuase sin fisuras. La espiral de deuda crackeó en el 1868, y la Comuna llegó, con un aire de cierta nostalgia de un París de callejuela y barro que Haussmann había hecho desaparecer. A la Comuna de Paris habríamos de prestar mucha más atención. El mejor recuento de la Comuna, o al menos uno de los mejores, está en el el libro de Raunig, La Revolución Transversal en el largo siglo XX. (adjunto aquí un artículo tradicido por Marcelo Espósito: trad_raunig_revolucionesmoleculares)

 

La Comuna de París inauguró, además, la forma de oposición que hasta hoy se da en la izquierda: por una parte los marxistas, más conformes con cierta burocratización de los procesos, la corriente jacobina más pro centralización, y los otros, los seguidores de Proudhon, con una visión más descentralizada y anarquista. Aquí empezó la gran utopía, la comuna pareció que iba  a conseguir algo de verdad, y el gran drama multiplicado por dos. Porque no solo había desacuerdos irreconciliables en el seno de la izquierda, del gobierno ciudadano autogestionario, sino que el gobierno provisional que regreso tras 60 días no pestañeo en reprimir a la Comuna y tras un mes de asaltos remató la faena con la Semana Sangrienta en la que murieron 30.000 personas.

 

La cuestión es que tenemos un abanico de fechas, desde la renovación urbanística en torno a los 40 hacia la revuelta social en torno a los 70, luego, claro, las vanguardias ya a finales de siglo XIX y arranque del XX.

 

Y llega el siglo XX vuelve el concepto de sur-plus, excedente o superavit. Luego Mosses que recupera la figura de Haussmann. Las décadas aproximadas con un siglo de diferencia, las ciudades, antes París, ahora Nueva York, una ciudad donde todo es prácticidad. Mosses comenzó a pensar a lo grande, como Haussmann, cambio la escala y con la re estructuración de NY y de las demás áreas metropolitanas absorbió el superavit. En este tiempo, además, se liberó el crédito para financiar, a base de deuda, la expansión urbana. Como Harvey nos explica, jugó un papel importante en la estabiblización de la economía tras la segunda guerra mundial.

 

Ahora, como antes, estas transformaciones cambiaron el modo de ser de la gente y también la socialización entre esta misma gente.

 

Aquí merecería la pena recoradrr las “Kitchen Conversations”, pues el final de los 40 y los 50 se caracterizaron por cierto orgullo americano en el diseño de cocinas. también hay que recordar, en este punto, al película Mon Oncle, que creo yo resume a la perfeccción estos dos posibles modelos de vida

 

kitchen conversations

 

Mon Oncle_Cristian Santandreu (3)

 

Con el tiempo comenzó la crisis porque el sistema inventado era demasiado exigente para los espacios y los tiempos, para los procesos de amortización de los productos. Para la rentabilización de las infraestructuras. En suma una vez más la supuesta panacea se vino abajo y de nuevo los movimientos sociales, el civil rights movement, los black panthers, las feministas, los anti belicistas… todos comenzaron a reclamar un cambio. Y fue precisamente al arrancar la década de los 70. Los cambios políticos, los reclamos al menos, y los cambios estéticos. Los artistas que eran activistas y viceversa. además los artistas que siendo activistas podían hacer su arte en ese hacer. Courbet, que trabajo mucho en la comuna no puedo hacer lo mismo… (pero esto es otra historia).

 

EStas revuelats, en el plano urbanístico, abogaban por una urbanidad más a la Jane Jacobs:

 

 

moses_jacobs

 

jane jacobs--muerte y vida de la sciudades

 

Del cuplé (3): tonadillas y tonadilleras

tonadillas y tonadilleras. madrid prensa

Fechado en 1924, en Madrid Prensa Popular catalogado en la Biblioteca Histórica de Madrid del Conde Duque, aparecen estas 28 paginitas que se llaman: “Tonadillas y Tonadilleras”.  A lo largo de las mismas encontramos canciones un poco de todo el mundo, de hecho son tantas las cupletistas que aparecen que a muchas ni tan siquiera encuentro en la web (extraigo alguna frase que me guste especialmente de las cancioncillas):

Pastora Imperio

Pastora Imperio

– PASTORA IMPERIO: No hay tu tía, Campanas de la giralda, Soy de Madrid, esta es mi tierra.
(Que detrás de la vicaría tengo más economía)

Amalia Molina

Amalia Molina

– AMALIA MOLINA: Diego Montes, Sindicalismo, El pañuelo, Embustero …!
(Cada vez que viene a buscarme me promete la sindicación, y le digo que pa sindicarme tiene el cura que hacer esa unión… hay que jorobarse, vaya un arma mía, no quiere sindicarse con la vicaria…)

Amalia de Isaura

Amalia de Isaura

– AMALIA DE ISAURA: El Fox de mi invención, La pequeña bolchevique, La flor de malva.
(A mi no hay uno en casa que me resista porque soy una nena bolcheviquista. Si algún novio me sale me dura poco pues con las cosas mías le vuelvo loco. Y si conquistarme quiere algún fin tiene que decirme !Qué viva Lenin!…)

Pilar Alonso

Pilar Alonso

– PILAR ALONSO: La taza de te, la Berlinesa, La Zamorana, campanas.
(El francés se enardecía y yo me resistía. Fortaleza soy señor, y en patria ser fuerte es lema de honor …)

Casilda Vela

Casilda Vela

– CASILDA VELA: Historia de un alma, La “cañí” de San Feliu, Chispita!, No mienten los ojos.

Maruja Lopetegui

Maruja Lopetegui

– MARUJA LOPETEGUI: Costurera Parisina, El peligro de las rosas, En el cine, Reproches de amor.

Preciosilla

Preciosilla

– LA PRECIOSILLA: La Chancleta, Ilusión y Esperanza, Aniceto, Eterna Canción.
(Yo soy Pura,  “La Chancleta”, que no tiene una peseta, pero se hace la ilusión de que vive mayormente más feliz e independiente que la reina de Japón…)

– ROXANA: El castillo de los besos; El espejo y el Diván; Lo que decimos; Fuente clara

– NENÉ: !Que te quiero Pepe!; Un santo varón; Verveneras; La niña de la bola.

– SALAMBO: La moto, Un anuncio; Quien más mira; Cara de perdía.

Resurreccion Quijano

Resurreccion Quijano

– RESURRECCION QUIJANO: Yo estoy aquí; Sernata de estio; Lo dice la gente; la risa de las mujeres.

– ASUNCIÓN MADRID: Venganza de manola; Quiero ser tu esclava; Rosalia; La hoja de lata.

Pues es muy curioso porque creía yo que este pdf era el mismo que tenían en la biblioteca, y va a ser que no. En el de la biblioteca aparecen:

RAQUEL MELLER
LA GOYA
NINÓN
LUISA VILA
LA CHELITO
GLORIA GIL REY
ADELITA VIU
OFELIA ARAGON
LINA VALERY
ANTONIA DE CACHAVERA
SALUD RUIZ
HERMINIA WOWES (con “serenata bolchevique”)
LA GOYITA
MIREYA
CASILDA VERA
EMILIA PINOL
LA PRECIOSILLA
JULIA OLIVER

 

Del cuplé (2): Maja de Myrurgia y Tórtola Valencia

A mi Tórtola Valencia me sonaba por Antonio de Hoyos y Vinent. Y mi sorpresa, por tanto, ha sido mayúscula al comprobar que “La Maja” del jabón de la casa Myrurgia, estaba inspirado precisamente en Tórtola Valencia. Indagando un poco más en Carmen Tórtola Valencia encuentro este artículo referido a su biografía: “La leyenda de la bailarina Tórtola Valencia renace en una biografía”, publicado en ABC el 4 de diciembre de 2005.

Tórtola Valencia en Triana
Tórtola Valencia en Triana

Así arranca el asunto:

Pilar Queralt la define en su libro, titulado «Tórtola Valencia: una mujer entre sombras», como «inteligente, esnob, cultivada, ególatra y libre»

Perfecta para mis propósitos. Aunque falta un interesante dato que es, precisamente el que hizo que yo supiera de ella, era lesbiana. De algún extraño modo, para cubrir apariencias, y de mutuo acuerdo, Hoyos y Vinent, el dandy homosexual aristócrata crapulesco, concertó una suerte de matrimonio para el escaparate con nuestra Tórtola, precisamente porque a ella los hombres no le interesaban ni lo más mínimo. Tampoco las mujeres a Vinent, tal y como uno puede aprender en el magnífico libro de pepitas de calabaza, titulado “El monstruo”.

Sea como fuere, fascinada me quedo ante semejante inspiración. Tórtola era de todo menos maja, o, al menos, eso parece en sus retratos y en los testimonios de sus contemporáneos. Aunque bien podría ser, precisamente, una Maja actualizada a los avatares de la historia española.

Tortola Valencia

Tórtola será como sus contemporáneas dandyficas europeas y americanas, un invento de si misma. Se educará en Londres y debutará también en Londres diciéndose sobrina de Goya e hija de un aristócrata español, un maravilloso invento fundamental para una vida de libertad. Luego basó su propio mito en un estudio concienzudo que incluirá  “documentarse sobre culturas exóticas, en frecuentar el teatro como espectadora, tanto Isadora Duncan, como Ana Pavlova o Maud Allan” para crear su sello personal a la española, como dice su biógrafa.

Es curioso que en este país olvidemos a las mujeres más avanzadas y que luego se queden el protagonismo rancias  que con los años se ensiliconan y pierden la compostura. Resulta además curioso que estas olvidadas, a las que habríamos de añadir a Raquel Meller, fueran mujeres internacionales, cosmopolitas de mentes y referencias infinitamente vanguardistas. Resulta curioso porque tenemos tan cortas miras que pareciera que una puede cantar y actuar como le ronde pero luego, en su vida privada, debe ser intachable de cara  a la palestra. Una pena porque una vida convencional da para más bien poco a la hora de generar discurso y obra poderosa. Una mujer que se inspiró en Nijinsky, y en Sarah Berhard, una mujer que fue amiga de Rubén Darío, Pío Baroja, Benavente, Federico García Sanchiz, que la presentó en 1913 en el Ateneo madrileño; de Zuloaga, de Valle-Inclán, de  D´Annunzio y de  Granados, que le dedicó «La gitana», olvidada creo yo por vivir con una mujer a la que hubo de adoptar (si, si, adoptar pues se llevaban 14 años), para evitar habladurías.

jabon maja myrurgia

Así pues, para finalizar emplearé el poema que Ruben Darío le dedicase:

 

«la bailarina de los pies desnudos»

Iba en un paso rítmico y felino
a avances dulces,
ágiles o rudos,
con algo de animal y de felino…

La bailarina de los pies desnudos
Su falda era la falda de las rosas,
en sus pechos había dos escudos…
constelada de casos y de cosas…

La bailarina de los pies desnudos.
Bajaban mil deleites de los senos
hacia la perla hundida del ombligo,
e iniciaban propósitos obscenos
azúcar de fresa y miel de higo.

A un lado de la silla gestatoria
estaban mis bufones y mis mudos…
¡Y era toda Selene y Anactoria
la bailarina de los pies desnudos!

 

Creo que hoy comienzo a recuperar a todas nuestras olvidadas mujeres del varieté. Creo que voy a insertarlas en el cuento de Europa, porque a finales del XIX y primeros años del siglo XX  había algo más que escritores e intelectuales con un pie en Europa. Deben volver todas esas que fueron tachadas de practicantes del género ínfimo (más allá de chico) y que sin embargo trajeron aires de manifiesto, aires de Josephine Baker, aires de la mujer eléctrica, de todos los expatriados parisinos, de los parisinos mismos, de los escenarios underground del Londres más canalla… en fin, personalidades que viajaron y trajeron aires de novedad y vida amplificada, de dandysmo y de sensualidad.

 

 

Del cuplé (1): Majas y Petimetres

Indago algo sobre el cuplé y me fascina descubrir que: ” La historia del cuplé en España, en su sentido de canción corta o copla, es larga y antigua: desde el siglo XVII está documentada la inclusión de canciones o tonadillas en las obras teatrales, aunque seguramente sea anterior a dicho siglo. Lo que sí se sabe es que en el XVIII esta costumbre escénica estaba ya en pleno apogeo y los mismos actores serios no tenían empacho alguno en cantar tonadillas de contenido popular, aunque generalmente eran los actores cómicos, caracterizados de majas o petimetres, los que le ofrecían tal entretenimiento al público”.

Esto está escrito en un blog que se llama “Consuelito y otras Bellas del Cuplé”, como suele ocurrir cuando uno descubre algo así su cabeza se dispara dependiendo de lo que ande una indagando en ese exacto momento. Si, estoy muy interesada en el cuplé, pero como se sabe mi trabajo hasta ahora giraba en torno al dandysmo y el contragénero, más bien al dandysmo y la mujer sin querer hablar de la mujer. El hecho de que sean precisamente “petimetres”, esto es, protodandys, y majas, esto es proto dandys también y proto cupletistas, me hace cuestionarme algunos asuntos que podrían ser una nueva tesis de trabajo.

Buscando la etimología de maja encuentro, mucho antes, la de “majo”: Según el Diccionario de Terreros, en 1787 ´majo` sería: “guapo, balandrón, fanfarrón, garboso, petimetre”.  Será un producto típico de los barrios más castizos de Madrid, Lavapies, el Rastro y Maravillas. De majo pronto se paso a maja, pero da la sensación que la maja era algo más grosera descarada, gritona y perfectamente identificable. Su traje, a decir de los expertos, se componía de: ” chaquetilla; basquiña (nombre que se le daba a la falda exterior femenina, siempre de color negro) hasta el tobillo que podía ir adornada con encajes, galones o volantes; medias blancas, que se podían entrever por la basquiña; y zapatos de tacón o bailarinas adornados. En cuanto a la decoración de la cabeza, solían llevar redecilla, cofia con cintas y a menudo velo o mantilla, una prenda de fuerte identidad española, y sugerente, al dejar entrever el rostro”. Este atuendo plebeyo se verá revalorizado con las invasiones napoleónicas y entrará a formar parte de la indumentaria de las clases más altas hasta ser símbolo identificador nacional, sobretodo la mantilla.

maja

maja

No obstante lo que llama la atención es, y volviendo la cuplé, que sean los actores cómicos los que tengan licencia para tratar asuntos picantes y normalmente no aceptados por, o en, los convencionalismos sociales. Y llama la atención también que, y siempre según el diccionario, los que cantaban las tonadillas no eran “majos” sino “petimetres” a secas. Un término que da mucha más amplitud a la posible indumentaria. Según la wiki un petimetre es:  “un personaje tipo que aparece de vez en cuando en obras de ficción. Es una persona que suele, fastidiosamente, vestir excesivamente elegante y darse aires, aspirando a que lo vean como un aristócrata.”

Es obvio que los petimetres son los abuelitos de los dandys, con mis reservas y todo, creo que así es. Entonces podríamos afirmar que las majas son las abuelitas de las dandys, y un escalón entre mis dandys de los años 20 (creo que ya expuestas ampliamente en la tesis) y estas majas, podrían ser las cupletistas, pues al fin y al cabo tendrán ellas ciertas licencias, que aprovecharán sobradamente, para hablar de cierta libertad sexual, de cierta manera diferente de vivir, de cierta teatralidad descarada, de cierta mascarada y de cierto permanente estado de alerta y estética de la negatividad.

Incluso podríamos afirmar, ya descabelladamente, que estas majas podrían haber sido, en manos de un Diderot, perfectas excusas para decir lo que uno le daba la gana de todos los asuntos que el gran philosophe trataba. Entre ellos, por supuesto, la erótica, las pasiones, el deseo y la libertad de los individuos. Además no olvidemos que Diderot, tal y como lo retrata  Philipp Blob, en “Gente Peligrosa” será, junto a su círculo, un feminista de pro ya que abogaba por la educación de las mujeres en oposición directa a su amigo perdido para siempre Rousseau, Entonces, y dado que a Diderot le encantaba el teatro y escribía teatro, y dado que no pudo publicar muchísimas cosas, que sí escribió, debido a la férrea censura de su tiempo y el peligro evidente de quedarte sin pescuezo (o sin alguna parte preciada de tu cuerpo) si osabas decir muchas cosas que la iglesia consideraba perniciosas y peligrosas, podría ser que él hiciese que sus personajes petrimetescos (que no majos claro que aun estamos en París) dijeran así entre broma y no broma, todas las cosas que él realmente pensaba.

petimetre

petimetre

Sin duda será la mar de inspirador. Un camino más o menos libre y supuestamente políticamente ineficaz, que permitiera una libertad de expresión sin antecedentes. Más o menos lo que harán las cupletistas, en canciones y en vida, y lo que luego harán las artistas, en obras, poemas, cuadros y, sobretodo, en sus mismas vidas hechas obras de arte.

Me da a mi que en España es mucho más interesante indagar un posible hilo de dandysmo femenino en el mundo de las cupletistas (el asunto copla, que también interesa se complejiza grandemente) que buscar artistas del pincel… mejor quedarnos con esos cafés cantantes que tanto frecuentarán los pintores y escritores del momento, cafés cantantes en los que las artistas serán siempre ellas….

 

CONTINUARÁ

La Buena Vida y la mala prensa

En la página web , o archivo digital, de Carlos Motta, La Buena Vida, en la entrada de textos hay un artículo muy interesante de una tal Eva Díaz, una conversación con Carlos Motta en la que la entrevista versa sobre la entrevista.

Me interesa mucho porque trata el asunto del artista como antropólogo y me interesa también porque la respuesta del artista, que no antropólogo es usar las entrevistas, su trabajo de campo, no para hacer un análisis sino para hacer un archivo. En fin respetar las voces de todos, y ponerlas así en crudo:

Sin embargo, pronto me quedó claro que no haría una película sino que solamente utilizaría el formato de entrevista para resaltar y rebatir su potencial para la adquisición de conocimiento e información.  Mientras que la entrevista es, comúnmente, sólo una de las facetas del film documental (junto con la narración por medio de una voz en off, etc.), para mí la entrevista fue el medio y el fin. Por lo tanto, busqué una forma de organizar estos cientos de entrevistas de un modo “democrático”, lo que derivó en la creación de un archivo en Internet.

En cuanto a la metodología empleada para las entrevistas (en busca de una opinión pública) dice Motta:

Elegí un enfoque diferente para La Buena Vida. No me interesaba revelar los mecanismos responsables de la construcción de la noción de “opinión pública”, sino más bien invitar a los entrevistados a reflexionar cuidadosamente y tomarse tiempo para comentar sobre las preguntas que les planteaba. Para lograr este propósito, nunca me acerqué a transeúntes que pasaran caminando sino solamente a individuos o grupos sentados en parques, esperando en la esquina de alguna calle o pasando el tiempo en algún otro espacio público. Los invitaba a contestar las preguntas luego de explicarles quién era yo, qué quería, dónde se presentaría el material y quién me financiaba. La idea era darles la mayor cantidad de información sobre mi intención para que nosotros pudiésemos sentirnos más inclinados a  mantener un diálogo. En otras palabras, y para contestar tu pregunta en forma más directa, sí y no. La mayor parte del tiempo, “mis” sujetos captaban “la forma de agencia de medios” que planteaba principalmente porque yo se los informaba. Algunas personas eligieron comprometerse realmente con las preguntas y entonces me veían más como un investigador que como un periodista. ¡Pero otros se decepcionaban al descubrir que yo era artista y no un periodista que les garantizaría un lugar en la televisión!

Recorren los referentes, tanto del cine activista latinoamericano del los 50 y 60, como el cinema verité, y las ciencias sociales, y, claro, el linaje que arrancaría Hans Hacke con sus entrevistas de los años 70. Sin embargo lo que ha arrancado este hunch es el hincapié en la corporativización de los medios, esto es, lo manipulables que son, lo poco veraces, lo distorsionados… Me tre a la cabeza el programa que ayer vi de la tuerKa en torno a la película de “Una mosca en la botella de coca-cola”

Bueno y finalizo con la frase que más me gusta de Motta, pues La Buena Vida está inspirada en Aristóteles, anda menos, y en esa responsabilidad que los ciudadanos habrían de asumir para el tratamiento de asuntos públicos, en fin, que la libertad tiene mucho de responsailidad, agencia y autonomía… asuntos estos por los que hay que seguir peleando.

El concepto de “la buena vida” al que hago referencia en el título de mi proyecto está tomado de La política de Aristóteles.Se refiere a las responsabilidades del ciudadano dentro del funcionamiento político de la ciudad-estado. En su opinión, los ciudadanos deberían ser participantes activos en la construcción de una democracia por medio de tomar parte en actividades sociales que con frecuencia se basan en discusiones entre ellos. Esta clase de interacción social “democrática” es el marco que quise reproducir en La Buena Vida. Para encender estas discusiones, elegí la entrevista (actualmente asociada en gran medida y ambiguamente a la democracia) para tratar y combatir su empleo por parte de los medios, los filmes documentales y la sociología, el conjunto de problemas que plantea para la adquisición de conocimientos y, por supuesto, las complejas contradicciones del acto mismo de entrevistar.

Aunque estos puntos críticos son muy importantes, su consideración es productiva para mí solamente en la medida en que me proporcionen formas alternativas de implementar un sistema de diálogo que pueda ayudarme a descubrir las opiniones reales de la gente con relación a las preguntas que se les plantean.

Y finaliza reconociendo:

Estuve allí demasiado prematuramente. Menciono esto para sugerir de qué forma el proyecto es sólo una instantánea que puede revelar patrones históricos relacionados con los problemas planteados. En ese sentido, su futuro es precisamente el de cualquier archivo.

Su presencia en Internet es muy importante principalmente porque, en potencia,  proporciona acceso a los entrevistados y a otras personas de las ciudades donde trabajé. No quiero sonar ingenuo en cuanto a esto, pero acostumbrado como estoy a las audiencias selectivas de los museos y galerías de arte, ¡Internet parece una plataforma inagotable para la distribución! Mi objetivo es distribuir esta dirección url por intermedio de las bibliotecas públicas e instituciones culturales en América Latina y Estados Unidos.

Soy un firme creyente en el poder de las formas alternativas de difundir (contra) información; es una faceta esencial de la democracia. En ese sentido Internet está, ciertamente, a la altura de lo que se espera de ella y está explotando a pleno su potencial para hacerlo. Actualmente tenemos acceso a múltiples narraciones y eso nos permite vivir e imaginar un mundo descentralizado, inclusivo, libre y democrático, aún si se trata solamente de una ilusión virtual.

del arte de la conversación

este artículo lo escribí hace tiempo. pero querría publicarlo acá, se que de algun modo no se publico, aunque no supe nunca bien porqué. es igual. aquí va. lo he desempolvado porque estoy contribuyendo con un parrafito en torno a la conversación en un trabajo de Veronica Gerber en el MUAC, Museo de Arte Contemporáneo de la UNAM, en México DF.

gGd-del arte de conversar en el espacio público

Madame de Stael

Madame de Stael

LTBC

GRAN FURY, ACT UP Y OWS

si todo va bien en breves saldrá este artículo, lo registro ya para no olvidar

y añado unas fotografías para orientar de que va la cosa

GF_VenicePenis

gran fury.pope. the catholic churche

Y una cita del libro THANKS ANARCHY, que es del autor de La Prueba de Dios…

Y también autor, que por cierto fui a ver, y de ahí la inquietud, THANKS ANARCHY, que nado leyendo y ya reportaré:

Prácticas discursivas

Parece que nos cueste arrancar a escribir. Y es perfectamente lógico. Si uno quiere escribir en el ámbito académico que tenga claro que siempre ha habido alguien, filósofo, antropólogo, sociólogo, o de cualquier otra disciplina que ya ha formulado lo que uno pretende escribir, pero delimitado y bien argumentado. Ese alguien, además, ha acuñado un término que dibuja la intuición a las mil maravillas. Y por eso al final nos cuesta escribir, porque nos da agobio sentirnos ignorantes. Yo antes escribí una de mis corazonadas arrebatada y resulta que ya Foucault, nada menos que Foucault, había definido el acontecimiento, que no es más que lo que hace que un dispositivo (con toda la amplitud de la misma foulcatiana definición implica), un dispositivo digo se active. Y así va la cosa, acontecimiento, dispositivo, nuevo acontecimiento nuevo dispositivo.

A mi que me gusta darle drama a todo y que siempre encuentro las cosas estas después me parece que, pese a todo, y dado que ando en mi pequeño sector de corazonadas, me puedo permitir ciertos lujos, aunque peque de patana. Y eso me los permito aquí y ahora. Como el curso de filosofía que estoy siguiendo y que recomiendo encarecidamente, se llama así: FILOSOFÍA AQUÍ Y AHORA, Y y me encanta porque te explica las cosas, además de con un magnífico diseño gráfico, un poco así, como para patanes, y eso, la verdad, dado mi patanismo congenito, me gusta.

Bueno intento aglutinar todas mis derivas mentales del día de hoy, un lluvioso día de septiembre en el que decidí, muy sabiamente, retirarme del mundanal ruido y dedicarme a mis asuntos. Asuntos estos que, como suele ser habitual me han dado que pensar. Ando intentando articular lo que habré de contar el 11 de octubre en el Universidad de California la Merced, con el sugerente título de (lo españolizo): TXP, procesos metropolitanos en código abierto. Por una parte arranco con cierta cita de Okui Enzawor (que por cierto está en este libro fundamental y abierto: Collectivism After Modernism: The Art of Social Imagination after 1945)

collectivism after modernism

El artículo que pueden leer si descargan el libro, cuyo PDF era tan pesado que no pude incluir como me hubiera gustado, se llama: “La producción del Espacio Social como Obra de Arte …”. Okui dice lo que muchos hemos pensado, pero lo dice bien. Afirma que todas las revueltas sociales han sido la antesala de cambios estéticos de alto calado. De ahí saltaríamos a la conceptualización de Nuevo Genero de Arte Público, y tras ella a las derivas de Miwon Kwon en su libro One Place After Another, que también está en pdf en la red.

Cuando ya tenemos todo armado y el marco conceptual habremos de, no obstante, definir dispositivo, y participación, y colaboración, y agencialidad, y muchos otros término que, avanzando, van a emplear los integrantes de Praxis para describirse a si mismos. No obstante, y aquí me cabe la duda, al cabo, el público serán estudiantes de los primeros cursos, y no se si nos compensa cargar tanto de tanta teoría. Así pues tras MIWON, podríamos ir directamente a hablar de los cuatros FRENTES de guerrilla que tienen lo praxis, y con estas palabras dar, a lo mejor, alguna pincelada más de táctica, estrategia y operacional, y así, en lugar de acartonarnos envueltos y enredados en terminología perfectamente definida, nos aventuramos en una contienda mucho más sugerente.

Los cuatro frentes de los Praxis son: Vacíos Urbanos Autogestionados; Acupuntura Urbana; Dispositivos Móviles; Visibilizaciones. La lista de términos que he ido haciendo mientras los escuchaba en la entrevista que, si ellos me dejan, colgare aquí es la siguiente:

Generar autonomía y emancipación
Lo simbólico
TAZ – Ocupaciones Temporales
Reciclaje
Recuperación
Revitalización
Somo arquitectos, muchos, por desgracia
Afinidades con otros colectivos
Afiliaciones
Hackear la Academia
Bien Colectivo
Obra que fluya
Creative Commons– Licencias Libres- Código Abierto
Código Abierto
Empoderamiento
Diálogo
Herramientas Autogestionarias
Vírico
Contagio
Trabajar en Red
Arquitectura Móvil
Para el Ambiente metropolitanos
Para el desarrollo de actividades sociales y Culturales
Ocupación temporal del Espacio Público
Génesis de Estructuras Adaptables a la Ciudadanía
Experimentar Usos Comunitarios
Ciudadanía
Agencialidad
Autonomía
Empoderamiento
Manuales

Lo más importante, la pregunta final:

¿SEREMOS CAPACES DE SOSTENER LA VISIÓN CRÍTICA UNA VEZ PASADA LA CRISIS?

Pregunta que me servirá para, antes de entrar a desenmarañar todos los términos que están, por otra parte muy bien relacionados, me servirá, digo, para volver al punto desde el que partíamos… pero ha habido algún momento histórico sin ACONTECIMIENTO, esto es, sin cambio, osea sin CRISIS???

Mira que bien se me ha cerrado el asunto y no tenia idea alguna que lo fuera a hacer. Vila Matas siempre tiene razón, Que bien.

Bueno tras estas derivas y asumiendo que tengo otro artículo en el tintero que le debo a José Luis Anta Félez de la RAE, Revista de Antropología Experimental, debo confesar que mi cabeza anda parcelada entre un lugar y el otro, lo que, creo yo, no está del todo mal. Por que de algún modo se van gestando los asuntos muchas de las veces por encuentros casuales. Hoy ha tenido lugar uno, dos , tres magníficos encuentros casuales de los que he ido dando buena cuanta en las entradas de está página web mía desestructurada, osea, en mi blog. El artículo versará sobre el nuevo prurito enloquecido en torno al arte de la conversación y sus múltiples derivas. Claro que las derivas retóricas de tan excelso arte tan grandemente perdido son variadas, y al margen de la mesa ciudadana, de la que ya me encargaré y de las infinitos foros de debate más o menos expertizado, que se dan en Madrid, hoy en mis encuentros casuales me han interesado tres: un encuentro relacionado con la diatriba del arte público o el arte para el interés público, la propuesta newyorkina para pensar la ciudad, Open Summit, y la más importante, y digo la más, porque es el paso de una artista, nuestra querida Suzanne Lacy, para poner a gente corriente y moliente a hablar, quizá el intento más peliagudo y farragoso, porque al cabo toda esta expertización en procesos metropolitanos es muy molona y da gusto escucharla pero es minoritaria, se mire por donde se mire, tener la osadía y el coraje de juntar a más de 300 personas y ponerlas a charlar, eso si que es un avance estético en toda regla. No se si acabará como aquella vez que en la playa de La Joya de California la misma Lacy junto a un montón de abuelitas a susurrarse unas a otras al oído, con el viento y la solas: Whispers, wind and waves, se llamó el asunto. Esta vez como la cosa se hará en Brooklyn, en el Museo de Brooklyn, la cosa se llamará “De la Puerta a la Calle”, y, al menos como intento, promete.

Veo pues como hemos recreado los salones del XVII, que han ido elaborando quizá sin apenas darse cuenta, sus código comportamentales, se conoce el tono, como uno debe moverse, que debe saber y que ha de traer preparado de casa. Se enarbola la retórica del libre fluir de las palabras y del diálogo abierto, de la escucha y tal. Pero a mi me da la sensación de que somos auto complacientes, que nos movemos en nichos de conocidos con muy buenas intenciones pero que, o espabilamos en ir variando los códigos en nuestro auto generado arte de la conversación, o la cosa se ira acartonando (como me gusta esta palabra), y quizá, de vez en vez, habríamos de volver la oreja a la gente más común y corriente e invitarla a hablar con la delicadeza y el respeto y el tiempo que requiere quien debe aprender a hablar cuando esto se le pide. ¿No es al cabo el fin último del noble arte de la conversación? Que todo hijo de vecino lo aprenda, y como el arte picassinao, este también hay que aprenderlo. TAMBIÉN!!

the art of conversation in three parts

Soliviantarse y Teorizar

greece-riots-feb-10

Every political and social crisis force reappraisals of conditions of production, reevaluation of the nature of artistic work, and reconfiguration of the position of the artist in relation to economic, social and political institutions, as Okwui Enwezor puts it (Enwezor, 2007). William Morris was involved in syndicalist politics during the XIX century England and founded the Arts and Crafts movement, the XX century avant‐gardes were directly influenced by the Russian and Mexican Revolutions and the dramatic expansion of experimental tendencies happened to be precisely during the political upheavals of the 1960´s and 70´s (Kester, 2011, 5)

 

Esto es incontestable pero da que pensar. Por una parte da que pensar porque la historia de la civilización occidental es una historia de disturbios, guerras y situaciones injustas que han de ser combatidas. Luego hay sangre y revueltas. Luego vuelve a haberlas. Obvio que todo los avances en la historia del arte han ido asociados a un cambio, o a unos cambios, en la situación social y política de un determinado contexto. Hay luchas en las calles, las gentes se unen para buscar cambios pero luego cuando todo parece entrar en calma el ciclo debe volver a comenzar.

Al final de la entrevista que realicé el día doce del mes doce, diciembre, del dos mil doce, los TODO POR LA PRAXIS, representados en ese momento y con sus palabras por Diego y Massi, me dijeron o remataron la narración de si mismos, haciendo referencia  a lo que realmente quería. Y lo que realmente querían era que las mejoras, la emancipación, agencialidad, poder instituyente y autonomía que buscaban en cada una de sus propuestas para el ciudadano común, se mantuviese. Que de algún modo no fuera la excusa de la crisis la que hiciera que la gente, por fin, tomase las riendas de su propia vida y de su entorno, reivindicasen sus derechos y se pusieran manos a la obra. Que si esta crisis pasa, los madrileños no vuelvan a una situación de pasmo edulcorado. Osea, que no se vuelvan conformistas, parados y gastones. Que decidan, que dejen oír su voz pública, que arranquen procesos colectivos que lleven al mejoramiento de las condiciones de vida de todos, sean estos todos quienes sean y estén en la situación que estén.

Luego, uno se queda pensativo, y echando la vista atrás ve la lucha obrera enviada lejos cuando a los trabajadores se les empeoran las condiciones laborales sin siquiera comunicárselo, cuando recortan los presupuestos ne educación y en seguridad social, las pensiones y todo lo que hemos venido en llamar estado del bienestar. Parece que si, que no les importa que vayamos a las plazas y hablemos, que diseñemos dispositivos para tener un lugar donde guarecernos si nos da por lanzarnos a las calles, parece que podemos hacer fiestas dentro de determinados parámetros, eso si, siempre y cuando no nos decidamos a paralizar el país, o como reza la foto que ilustra estas apresuradas palabras, entrar ne un guerra civil global que sería, parece, un todos contra todos.

Cuando más aprendo de la historia del hombre menos esperanza me cabe de las buenas intenciones de cualquier avance estético. La lucha no puede parar y esta abocada al fracaso, gran paradoja sobre la que hemos de navegar de aquí hasta que se acabe el planeta sumido en esa hipotética guerra civil global o en el más oscuro de los hastíos.

…………………………………………………………………………………………..

(la cita inicial es un fragmento de un texto que Elena Tóxica y yo hemos realizado para una propuesta a Suzanne Lacy que se llama: FROM UPHEAVAL TO PUBLIC ART. THE FAR WEST OF OPPORTUNITIES)

ARTICLES
ENWEZOR, Okwui. “The Production of Social Space as Artwork: Protocols of Community in the Work of Le Group Amos and Huit Facettes”. In Collectivism After Modernism: The Art of Social Imagination After 1945, edited by Blake Smitson and Gregory Sholette. Minneapolis: University of Minnesota Press, 2007.
BOOKS
LACY, Suzanne, Ed. Mapping the terrain. Bay Press. Seattle, Washington. 1995
KESTER, Grant H. The One and the Many, Contemporary Collaborative Art in a Global Context. Duke University Press, Durham and London, 2011.

Begoña Huertas: DB vs. ‘Pontifex’

barnes and co.

Esto me lo enseñó Rafael, feat Djuna Barnes, pecado original

Cuando bajas la foto pone, “pecado en la red”, que queda como mucho más sugerente. Está bien el artículo y al final linkea con mi tesis, cosa esta que me emociona y me fascina por las derivas mentales, altamente sugerentes, que le llevan hasta allá. Pero está claro que “El bosque de la noche” es un libro fascinante, y lo es mucho más si una consigue la edición con todas las partes censuradas, eso si que es un joya.

“Así que allí estaba yo en la iglesia casi vacía, con todas las penas de la gente parpadeando alrededor”.
Djuna Barnes, El bosque de la noche

Barnes_Nightwood_1950

De Beuys a Sloterdijk

Andaba yo entre dos aguas – por una parte completando el texto de BIG MAC, un compendio de voces a las que preguntamos una cosa un tanto rimosa pero cargada de sentido: ¿Retórica, Realidad o Regicidio? (más información en BIG MAC, la maqueta), por otra parte, armando el discurso para nuestros ingenios (más información en Ingenios para trocar la vida, en eventos y artículos)- cuando cayó en mis manos con curiosa puntualidad un textito de Adolfo Vásquez Rocca sobre Beuys… lo ando leyendo justo ahora, pero esta cita me ha llamado la atención, más por el modo en el que se dice que por lo que se dice, o quizá por que lo que se dice es lo que yo pienso pero está muy bien dicho:

Ante la ambigüedad, inmediatez y sensualidad de la producción artística el curador —el administrador de la «conciencia del arte»— ejerce la función de hermeneuta y editor de la obra expuesta, produciendo el texto para un catálogo, una cartografía de la exposición, un texto para la prensa, un acta para un jurado, uno para la institución, otro para la pedagogía y la sociología del gusto, finalmente un texto para autentificar una obra; en suma, una estrategia de mercadeo a través de una amplia gama de producciones textuales —en un comercio de frases— cuyo objetivo tácito es el de publicitar: hacer publico y formar un público para lo obra.  

     Como lo señala Sloterdijk en El arte se repliega en sí mismo: «Los museos, bienales y galerías son las instituciones actuales para la producción de visibilidad estética, y la misma producción estética se haya irremisiblemente colonizada museística y galerísticamente. Allí donde hay una galería, hacia ella fluye “el arte”» [14].

Un comercio de frases para formar un público, fascinantemente ajustado a la verdad.

Y continua:

El negocio del arte tiene como conflicto su hacerse visible. El negocio del arte es así un sistema de celos y exhibicionismo. En él, el deseo de las obras consiste en convertirse en objetos de deseo. El mercado los hace sensuales, el hambre de deseo los hace bellos, la obligación de llamar la atención genera lo interesante [16].

Lo mejor del asunto es que esto está dentro de un artículo que habla de Beuys, y va de l aaun utópica visión del chaman dandyficado Neuys a la imposibilidad tal vez, o incluso, de l amisma idea de utopía, sino lean la frase final del filósofo al salir de una sala de Kassel:

«Pronto saldremos también de esta sala —señala Sloterdijk en la introducción a una Exposición particular en Kassel—; y ninguna distancia habla ebria de una futura gran felicidad. Pero lo visto es lo visto. ¿Qué es visibilidad? Quizás la cotidianeidad de la revelación. ¿Qué es entonces revelación? Que algo nos ilumine con su visibilidad. Cuando estamos al aire libre. Cuando estamos tan afuera que el mundo se muestra»[20].

Y me viene ese cuento del hombre justo, o el que quería ser el hombre má sjusto ya cabó viviendo con los perros del rey por propia voluntad comunicándose tan solo con ellos. ¿Swift?, no me acuerdo.

[2] «Arte ampliado»: La auténtica obra de arte reside en la transformación de la conciencia del espectador para activar la realidad y el pensamiento.
[3]
BEUYS, Joseph, BODENMANN-RITTER Clara, Joseph Beuys: cada hombre, un artista: conversaciones en Documenta 5-1972, Editorial Visor, Madrid, 1995.
[5] VALENCIA CARDONA, Mario A., Los orígenes del arte crítico: La metáfora Rothko, En Revista de Ciencias Humanas, UTP, 2005.
[9] LAMARHE-VADEL, BERNARD, Joseph Beuys. Ed. Siruela. Madrid, 1994.
[
12] GARDNER, James, ¿Cultura o Basura?, Acento Editorial, Madrid, 1996, p. .24
[
13] FAJARDO, Carlos. Arte de mediocre convivencia, En: Magazín, El Espectador, Santafé de Bogotá, abril de 1999.
[14]
SLOTERDIJK, Peter, El arte se repliega en sí mismo, Documenta XI. Kassel, En Revista Observaciones Filosóficas, Sección Estética, 2007.

[15]
SLOTERDIJK, Peter, El arte se repliega en sí mismo, Documenta XI. Kassel, En Revista Observaciones Filosóficas, Sección Estética, 2007.

[16]
VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo,  ¡El Arte abandona la galería! ¿A dónde va?, (Reedición) En Revista Almiar, MARGEN CERO, MADRID, Nº 37 – diciembre de 2007 – Margen Cero © , Fundadora de la Asociación de Revistas Culturales de España, ISSN 1695-4807.

EOT y VIA

LO ESTRATÉGICO
LO OPERACIONAL
LO TÁCTICO

EOT
VIA

1. CONATUS- ESTRATÉGICO

Sense Conservandi
La tendencia a la auto preservación: ESTRATÉGICO
Spinoza emplea conatos para describir la inclinación de las cosas a incrementar su poder, más que simplemente continuar su existencia estática mente. Todos los seres deben conducirse hacia la perfección.
ARETE: En su sentido más básico, significa la excelencia de cualquier tipo. En su temprana aparición en Grecia, esta noción de excelencia estaba unida a la noción del completamiento del propósito o de la función: el acto de vivir completamente hacia el cine por cien del total potencial de cada cual. La Areté en la antigua Grecia era el coraje, y la fuerza, enfrente de la adversidad y era a lo que todo el mundo aspiraba.
DE ARETE A ARISTOCRACIA=VIRTUD, ¿conatus?
FELICIDAD

2. AFECTOS-TÁCTICO

Quizá enmarcamos así a los aristócratas del espíritu más individualistas, desde Teognis hasta, que se yo, Duchamp mismo… luego lo matamos claro, o no, mejor no, mejor lo reinterpretamos….

3. INGENIUM-OPERACIONAL

Pierre Machery
El individuo, o el sujeto, no existe por sí mismo en la simplicidad irreductible de su ser único y eterno, sino que está compuesto por el encuentro de seres singulares que coyunturalmente, concuerdan con él (1979, 216).
Si dos individuos que poseen completamente la misma naturaleza se combinan, componen un individuo doblemente poderoso que cada uno de ellos tomado separadamente (EIV, prop. 18, esc.).

La concordancia coyuntural de elementos complejos que define el “carácter” específico o disposición de un individuo (INGENIUM) se encuentra a una escala mayor en las formas colectivas de existencia humana: parejas, masas, naciones, todas tienen un INGENIUM específico que les hace ser lo que son y no otra cosa (Moreau, 1994, 427-65)
SALONES
ALEGRÍA
INGENIOS: MODOS DE RELACIÓN

tertulias, pombo y ángela

IMG_1829

Esto es algo que descubrí esta mañana. Esta mañana arranqué mi serie “visitas guiadas”, me dispongo a recorrerme varios Centros de Arte de Madrid, todos los que pueda, siguiendo, callada cual tumba, las “guiadas visitas” que estos tengan a bien ofertar. Hoy comencé, y lo hice en el MNCARS, esto es, el Museo Nacional y Centro de Arte Reina Sofía, con una recorrido transversal a la colección permanente que se llama “Feminismo”.

La visita, que ellos llaman Itinerarios Guiados, pretenden (corto y pego): proponer nuevas miradas a la Colección que desafían las interpretaciones tradicionales y revelan la riqueza de implicaciones históricas, sociales, y políticas del hecho artístico.

El guía se llamaba Esteban, y era muy bueno, aunque, con las prisas, no he podido llegar hasta el final en el que podíamos comentar, con un tono de crítica constructiva, si nos parecía bien, o no nos parecía bien, todo este itinerario comentado. A mi me ha parecido muy bien, aunque echaba en falta a todas las chicas “sin sombrero” y  muchas otras dandyficadas criaturas de los años 20 de las vanguardia europea y americana. Pero, pese a ello, he disfrutado el asunto que ha arrancado con la extraña escena de los hermanos Lumiere de la salida de los obreros de la fábrica, curiosidad en la que jamás había reparado, de la fábrica salen solo, o casi solo, mujeres embellecidas para un paseo de domingo, con sombrero elegantón y todo. Después hemos pasado a una femme fatale, un retrato de Anglada Camarasa, de una bella aristócrata que a mi me parecía más una serpentesca Lilith que una dulce y sensual Eva, pero en fin, ya digo que prefiero guardarme mis exóticos comentarios para otros lugares, el chico, la verdad, lo hacía increíblemente bien instándonos, por otra parte, a hablar y participar constantemente. Luego pasamos a otros retratos de gitanas, confieso no haberme enterado del autor y haberme sorprendido con la potencia de unas obras que de no habérmelo dicho nadie jamás habrían llamado mi atención. Luego el retrato de Picasso de una prostituta vestida de gran dama y luego lo mejor.

Y lo mejor ha sido una breve parada en la famosa Tertulia en el café Pombo, de Gutiérrez Solana, tertulia que también se conserva en fotografía. Yo no comprendía pararnos ahí, aunque claro que cierta sospecha podría haber tratándose de un cuadro, y de una tertulia claro, en la que solo había, y esta vez “solamente”, hombres.

Luego pasamos a Louise Fuller, “la dama eléctrica” a la que los hermanos Lumiere también dedicaron un metrajito, y junto a Louise un Sonia Delaunay y un discurso en torno al orfismo (hubiera disfrutado mucho de haber habido fotografías de Sonia y sus modelos) y luego llego mi sorpresa.

Confieso que en todas mis investigaciones jamás me había cruzado con esta mujer, y lo digo avergonzada porque el cuadro de Ángeles Santos Torroella, La Tertulia de 1929, me ha dejado en el sitio. He querido hacer un damero con sus personajes para ilustrar el artículo, de esos que me gustan hacer, para poner énfasis en las figuras que componen el claustrofóbico cuadro, pero me ha sido imposible dadas mis torpezas telemáticas.

Las figuras que hubieran debido conformar mi damero son cuatro, las cuatro tertulianas que parecen hacer cualquier cosa menos hablar. Las cuatro aparecen como atrapadas en un lugar cerrado y lento, como densificado, en donde el tiempo se detiene y en donde hay ciertos atisbos de una libertad agobiante pese a si misma. Eso es lo que más me ha fascinado, luego por supuesto el nombre, “LA TERTULIA”, también la falta de interés en el posible espectador, sobretodo y además, la solipsista actitud de todas y finalmente lo extremo de todas las actitudes. Una lee un libro, otra fuma un cigarrillo, otra parece clamar al cielo con un manuscrito entre sus manos y la última, la única que parece prestar algo de atención, tiene una postura descaradamente laxa, tirada con conciencia de sí, sin llegar al espatarramiento. Podríamos ser cualquiera en una escena muy íntima y privada en la que nos desdoblamos dejando ese personaje público de corrección aun decimonónica, corrección esta que se le pedía a toda mujer. Son mujeres robustas y adolescentes, pese a ser retratadas como maduras, y están fuera del tiempo, fuera de la luz natural, fuera de todo.

Fascinada me quedé sobretodo porque me parece desgarrador. No hay soberbia en el posar, no hay interlocución, ni siquiera deberíamos estarlas mirando y pese a ello llama al asunto “Tertulia”, con tan solo 18 años. No se si es claudicación o batalla, no acabo de leer claras las intenciones aunque el guía las vea tan obvias.

A  Ángeles Santos Torroella la descubrió Ramón Gómez de la Serna y con 18 años se la llevo y la plantó en una silla en el Café Pombó. Imagino la cara de Ángeles sintiéndose como un pastel de fresa, imagino la cara de adolescente genial y también su vuelta a casa y su rabia pulida con una impecable técnica pictórica que nadie sabe de donde sacó.

Es extraño, hacía tiempo que no me emocionaba tanto sintiendo la misma rabia que ella debió sentir y las eternas horas de soledad igualmente rabiosa que pasaría hasta rematar esta obra.