Archivo por años: 2014

Black arts Movement Coference

Aquí el link a la conferencia en la que mi abstract ha sido aceptado

Conference to Explore Black Arts Movement, Influences

Hablaré de Adrian Piper:

ADRIAN PIPER: Por si no se había dado cuenta, soy negra.

“Querido amigo, Soy negra”. Así comenzaba la pequeña octavilla que Adrian Piper (b.1948) regalaba a todo aquel que hubiera realizado un comentario teñido de racismo. Y continuaba, “Estoy segura de que no se dio cuenta de este hecho cuando usted hizo ese comentario racista”, para finalizar con esta frase: “Siento cualquier desasosiego que le pueda estar provocando así como estoy segura de que usted se arrepentirá del desasosiego que su racismo provoca en mí”.

Desde finales de los años 60 Adrian Piper explorará nuevos lenguajes y nuevas vías públicas para realizar sus propuestas artísticas, unas propuestas que tratan el problema del racismo y quieren ser provocadoras y hacer reaccionar al posible público ampliado. En “Embody” escribirá: I embody all that you must hate and fear. Exploraremos su figura desde el contexto del Black Arts Movement hasta el nuevo centro de investigación, Research Archive Foundation, de Berlín.

Piper in the Black Arts Movement Conference

El próximo marzo, el primero de marzo, tendrá lugar en UCM, University of California Merced, aquí donde me hallo, una conferencia sobre THE BLACK ARTS MOVEMENT AND ITS INFLUENCE. 50 YERAS ON

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en la que presentaré esto

piper. I am black

ADRIAN PIPER: Por si no se había dado cuenta, soy negra.

“Querido amigo, Soy negra”. Así comenzaba la pequeña octavilla que Adrian Piper (b.1948) regalaba a todo aquel que hubiera realizado un comentario teñido de racismo. Y continuaba, “Estoy segura de que no se dio cuenta de este hecho cuando usted hizo ese comentario racista”, para finalizar con esta frase: “Siento cualquier desasosiego que le pueda estar provocando así como estoy segura de que usted se arrepentirá del desasosiego que su racismo provoca en mí”.

Desde finales de los años 60 Adrian Piper explorará nuevos lenguajes y nuevas vías públicas para realizar sus propuestas artísticas, unas propuestas que tratan el problema del racismo y quieren ser provocadoras y hacer reaccionar al posible público ampliado. En “Embody” escribirá: I embody all that you must hate and fear. Exploraremos su figura desde el contexto del Black Arts Movement hasta el nuevo centro de investigación, Research Archive Foundation, de Berlín.

I embody

BUENOOOOOO

podría contar lo que allí viví, hay algo, poco, en la etiqueta CONFERENCIAS… en general, eso, buen paradójico y contradictorio ambiente. Yo lo pase en grande la verdad pero no me integre, también es verdad. Aunque claro eran muchas viejas glorias….. El discurso de las nuevas generaciones de hip hoperos (me apunte la taller por supuesto) me gustó un montón; admiré a los abuelitos haciendo poemas sonoros casi dadaístas, admiré  a otra poeta que recitó con un baterista increíble, admiré  a cuatro abuelitas en sillas de rueda que tocaban unos marcianísimos instrumentos que me llegaron la corazón… a todos los admiré, pero ni a uno me acerqué a charlar, hubiera de haberlo hecho, lo se, pero no lo hice. IT´S A FACT!.

Vila-Matas on Elsa

Ha pasado ya un tiempo desde que Vila-Matas escribiera una pequeña gran reseña sobre mi querida Baronesa, y no he escrito en mi página la referencia porque me pareció un gesto tan bonito que quise tenerlo en la más secreta y feliz intimidad.

Baronesa Elsa von Freytag-Loringhoven

Baronesa Elsa von Freytag-Loringhoven

Obvio que nada que escriba Vila-Matas tiene esa característica porque muchos son los que le siguen y muchos más los que le leen a diario.

Sea como fuere quería, antes o después dejar registro de este gran EVENTO, grande entre los pasados y tal vez futuros….

Aquí el link, ELLA FUE DADÁ

Aquí el texto:

Preguntaba Sergio Chejfec en su novela La experiencia dramática si “actuar la vida” era la única forma de vivirla y si esta era menos verdadera cuando uno la representaba. Creí siempre entender sus inquietudes, hasta que hace unos segundos me he preguntado si la expresión “actuar la vida” insinuaba realmente la idea de hacerse pasar por alguien que uno no es. Y la respuesta ha sido que, en efecto, la insinuaba, pero haría bien ya en aclarar que, nada más iniciar este artículo, he inventado una voz —como un ventrílocuo cualquiera— para fingir que no entendía el significado de “actuar la vida”.

Pido disculpas por esa voz efímera. Me he dejado llevar por mi vieja fascinación por los ventrílocuos, acerca de los cuales Philip Roth dijo que, si no fuera por nuestra línea de visión, no encontraríamos placer alguno en su trabajo, pues su arte consiste en estar presentes y ausentes: “De hecho, el ventrílocuo es más él mismo cuando está simultáneamente siendo otro; ninguno de los dos es él una vez baja el telón”.

Entonces, ¿quién es ese tercer hombre que se queda solo, distinto de los dos del escenario? Esa es la cuestión. ¿No podría ser el reflejo del sueño de una omnipresente y alegre desquiciada que usted y yo estaríamos ahora persiguiendo, como si buscáramos a Dios, por un callejón oscuro del Nueva York de hace muchos años? Esa mujer se llamó Elsa Greve y solo para mejorar de apellido se casó con alguien a quien no amaba, el barón Leopold Karl Friedrich von Freytag-Loringhoven. Su vida y obra las ha analizado Gloria G. Durán en Baronesa Dandy, Reina Dadá (Díaz & Pons editores), un libro que nos permite seguir a Elsa en sus sobreactuaciones por el callejón peligroso de su mundo.

Man Ray y Marcel Duchamp jamás dudaron acerca de la condición puramente dadá de esta extraña artista —inventora de la performance callejera y antecedente glorioso de Sophie Calle—, gran provocadora que se alzó contra las lógicas de su tiempo y, al “representar sin cesar su vida”, encarnó a fondo los vanguardismos de primera hora y presagió —setenta años antes— lo punk.

Pocos la han superado a la hora de enloquecer. De la llamada Baronesa Dadá llegó a decirse que al caminar su sombra mostraba “una intensidad inmóvil de ciprés”. Al final de sus días, cubría sus vestidos con trozos de periódico. “Podría leerte”, le dijo Duchamp.

“Deseo —escribe Luis Antonio de Villena en su prólogo— que el libro de Gloria. G. Durán sobre la magnífica baronesa Elsa von Freytag-Loringhoven sirva como acicate de sabiduría y transgresión en la belleza y el escándalo en un mundo que hoy precisa de ambas cosas”.

Creía la falsa baronesa —hoy la enjaularían como a su amigo Pound— que todas las mujeres deberían “caminar con música”, quizás por eso se adornaba con cascabeles. Y fue muchas voces y personas y parece que nunca ella. Fue, en todo caso, la más Dadá de todas. Al final, joven todavía, abrió en París la llave del gas con la certeza de no haber sabido nunca quien fue o pudo ser. “Quizás soy”, había dicho, “la que pisa fuerte en el callejón oscuro”.

Febrero en San Francisco

Estoy sentada en la biblioteca de la Universidad de California Merced, en el pueblo de Merced, donde resido desde hace ya un mes. Es un lugar algo apartado, algo curioso, lleno de personajes, puramente americano. Es muy horizontal, plano, enorme, sobredimensionado. La gente es muy individualista, algunos son como zombies, otros tienen su gracia. Conseguí escaparme el miércoles en un tren que tarda 3 horitas a San Francisco, que tiene wifi, que tiene baño, que es barato. Curioso porque está bastante despoblado. O no tan curioso porque aquí todo el mundo tiene coche. Debo se de las pocas que no tienen coche.
Aquí no sucede nada, o casi nada, bueno, habrá una conferencia ne la que participaré, el fin de semana, sobre THE BLACK ARTS MOVEMENT, hablaré de Adrian Piper. Aun no termine mi preparación. Pero bueno, no va mal. Lo contaré todo en Eventos…

Aquí quería hacer un registro de las cosas que me han interesado y a las que he atendido en San Francisco:

Una conferencia dentro de los programas públicos del SFAI, de Julio Morales.  Me resultó muy interesante verlo, no tenía idea quien era. Es un curador, ex estudiante del SFAI que llevó una sala en la ciudad de SF. La sala, organizada por artistas, se llamaba Queen Nails, ahora mismo, como podéis observar está cerrada, pero fue muy curioso oírlo hablar. Por lo visto a finales de los años 90 había mucho espacios organizados por artistas en la ciudad, luego, todos, fueron desapareciendo. NO se sabe muy bien porqué sucedió, pero sucedió. En este, Queen Nails Gallery, expusieron Mary Kelly, Manuel O´Campo, Pedro Reyes (Group Therapy Workshop), Artigram… E imagino que muchos más, un montón, porque habló de más de 100 exposiciones. La más interesante fue la de Claire Fontaine, de la que ese hablo mucho. Esto reza el artículo al respecto: “Una Artista trata de Quemar la galería”.

En fin, muy curioso. Claro no es lo mismo quemar un mapa en un museo europeo que en una galería autogestionada en una ciudad hecha de madera. Puedo imaginar lo ensordecedor de las alarmas de los bomberos, que aquí o hacen todo a lo burro. Y también me parece fascinante la multa de 5000 dólares por que el jefe de los bomberos estaba “pissoff”, osea, le había dado realmente por saco tener que sacar a su cuadrilla para llegar al lugar y que todo estuviese bajo control. Interesante propuesta artística la verdad. O como los artistas rozan a alegalidad sin llegar a sucumbir nunca  a ella. Tema de tesis.

Luego hablo de su trabajo durante 5 años con Suzanne Lacy en el proyecto CODE 33, que como todo le mundo sabe es de mis predilectos de Lacy. Y ahora Julio Morales está como curador en un museo de Arizona, en el Museo de la State University of Arizona. La más grande del país ye n el contexto más ultra conservador del país. ESta gestión museística se merece un apartado aparte así que ya lo escribiré. Solo decir que el salón de conferencias del SFAI es increíble y que desde la terraza de su sede en l acalle Chestnut de SF, en el 800, se ve toda la bahía y Alcatráz…. Una auténtica belleza, y magnífico lugar para estudiar arte claro está.

Más cositas:

Yerba Buena Center for the Arts: PUBLIC INTIMACY, ART AND OTHER ORDINARY ACTS.

GLOBITOS, public intimacy

Más, HIDDEN CITY, at SOMArts, sobre otros modos de mirar la ciudad de SF.

Hidden Cities, curated by Pireeni Sundaralingam, features 26 moving and still images and interactive, site-specific installations that rethink urban space in San Francisco. In Hidden Cities, the second of three SOMArts Commons Curatorial Residency exhibitions in 2014, exhibiting urban activist-artists, including architects and social interventionists, reveal the overlooked within the city, make visible the invisible, give voice to the unheard and encourage the gallery visitor to physically explore urban social and spatial structures in new ways.

Más….

La presentación del libro: Thank You, Anarchy. Notes from the Occupy Apocalypse. Esto me ha dado mucho que pensar, compré el libro, aun no se bien porqué, y ando haciendo cierta reflexión al respecto para una aportación que me han pedido en una revista sobre Arte Público, Activismo y Orientación Sexual. Parece que no tiene nada que ver pero si tiene, y mucho. El autor de este agradecimiento a la anarquía era muy curil, muy joven, venía de estudios teológicos y se adhirió, en el ocuppy, al grupo de acción cristiana. Todo muy WEIRD, como dicen acá. La gente que asistió  a la presentación eran, a excepción de dos personas, completamente blancos y muy mayores, típicos utopistas de los 60. NO había  nadie joven, bueno si, dos hombres que parecían pareja pero eran seminaristas. Y bueno, algo inquietante el asunto. Ya veremos que me depara el apocalipsos  este…

Más…

En breves un simposium sobre VISUAL ACTIVISM, como el museo de arte contemporáneo local, el MOMA, está en reformas, el congresete se desarrollará en otros lugares, exactamente en el Brava Theater, en plena Mission. Muy práctico. Al ladito de casa de Vene.

Art can take the form of political and social activism, and activism often takes on specific, and sometimes surprising, visual forms. How is our broader visual culture shaped by activist practices that circulate in public space? How can we better understand forms of communication that take place under threat of war, revolution, or repression? What strategies can be deployed to transform our engagement with the built environment and broader ecologies? How do embedded social hegemonies, such as racism, figure in the larger efforts to engage with activism visually?

Adrian Piper: Por si no se había dado cuenta, soy negra

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Durante todo este fin de semana, desde el 28 de febrero hasta el 2 de marzo, ha tenido lugar aquí en la ciudad de Merced, en el valle central de California, una CONFERENCE, como llaman acá, un simposio vamos, sobre THE BLACK ARTS MOVEMENT AND ITS INFLUENCE, 50 YEARS ON.

Por si alguien no lo tiene claro, el Black Arts Movement era, en cierta medida, la rama cultural del movimiento Black Power y de las Panteras Negras. Han desfilado por este pueblo republicano y conservador la plana mayor de los héroes de los años 70 del movimiento pantera. Y lo mas fascinante es que, pese a que no acababa de entender muy bien su poetizado ingles y sus ritmos rapidísimos, la sensación general, estando allá sentada rodeada por todas partes de sus miembros, o seguidores, era, la verdad, muy muy placentera.

Es curioso, y quizá Paco tenga razón, los afro americanos es quizá lo mejor que tiene este inmenso país pero son, también, los mas olvidados. En la Universidad en la que estoy no hay casi afros, y de los faculty vinieron muy pocos, y de los alumnos ninguno. Me comentaba un tipo sevillano que lleva aquí ya mucho años que en este hostil contexto conseguir hacer una cosa así, una conferencia ne honor al movimiento negro, es algo inaudito y ha costado muchísimo de hacer. Pero se hizo.

Tuve, he tenido la fortuna, de poder participar en la conferencia en un panel que se armo en español. He de confesar que, dada la aun militancia de muchos de los allá presentes agradecí mucho que ninguno hablase castellano y también que hubiera muchos paneles simultáneos al mio y sobretodo que ninguna de las leyendas vivas se parase a escucharme. Reconozco que el discurso de Piper, muy acorde con lo que yo pienso, no concordaba mucho con el concepto de “diaspora” afro. Para mi, y para Piper, las etiquetas no son mas que cortapisas y estructuras que hay que eliminar, las señas de identidad fijas e inmutables son inútiles y claustrofóbicas. Yo me preguntaba, escuchándolos. ¿como reivindicar unas características  tan definitorias de “ellos”?… Luego me apaciguaba por que, todo hay que decir, en la lucha y resistencia se suma, a nivel discursivo claro, la comunidad chicana, a la que se nombro una y otra vez. Otra cosa es el grado de aislamiento de ambas comunidades, ambas dejadas de la mano de dios en este lugar y ambas bastante segregadas una de la otra.

ap.SELF PORTRAIT

Bueno, como estoy en la etiqueta de conferencias, no me enrollo mas. Cuelgo el BOCETO de lo que fue mi intervención que luego sera un articulo en ingles que se publicará en Journal of PAN African Studies,  y sobretodo cuelgo el Power Point, 140301-ADRIAN PIPER.black arts movement.UCM

Ah!, y el programa. BAM 2014 Program-15-4

GRAN FURY, ACT UP Y OWS

si todo va bien en breves saldrá este artículo, lo registro ya para no olvidar

y añado unas fotografías para orientar de que va la cosa

GF_VenicePenis

gran fury.pope. the catholic churche

Y una cita del libro THANKS ANARCHY, que es del autor de La Prueba de Dios…

Y también autor, que por cierto fui a ver, y de ahí la inquietud, THANKS ANARCHY, que nado leyendo y ya reportaré:

Derivas Posibles: Arte, Disidencia y Contradicción

DERIVAS ARTÍSTICAS POSIBLES:
ARTE DISIDENCIA Y CONTRADICCIÓN EN UNA CIUDAD CONVULSA

 

He decidido, como ejercicio personal y para intentar hacerme entender, escribir esto
que aquí sigue así a “chorro plomo”, es decir, hacer un ejercicio de escritura a la Vila
Matas quien siempre dice que no tiene idea lo que va a escribir hasta que no se pone
a ello. Así pues y dado que mis líneas de trabajo son variadas y mi deriva final, y su
consecuente resultado (ósea, un libro), aun no se como se van a materializar, me
gustaría, con todos vosotros, intentar aclararme y aclararos y así, quizá, definir el
sprint final. Se que es poco o nada ortodoxo pero al cabo, para que mentir, he ido
aprendiendo a la marcha y este campo, la antropología, se me aparece fascinante, a
veces, rigidizante, otras, así que inventé mi propio camino, que se ha construido como
diría Serrat, al caminar y ahora, al volver la vista atrás, solo veo una senda que, me
guste o no, si debo volver a pisar.

Dice Sarah Thorton en sus “7 días en el mundo del arte”, que este termino tan
manido, arte, es cuanto menos escurridizo y cuanto más, inasible. Ella soluciona este
problema de una forma rápida. El arte no es lo mismo para un profesor de una
escuela californiana mítica especializado en conceptual, que para el director de la
revista Art Forum, que para el dueño de una casa de subastas, que para un galerista,
que para un artista (ganador de los Turner), que para Murakami, otro artista
catapultado en el éxito comercial internacional, que para el director de uno de los más
prestigiosos museos de arte contemporáneo del mundo. No es lo mismo para cada
agente que conforma la tupida trama de “el arte”. Esto es obvio y esto, bajo esta
perspectiva, podría solucionarse así. Se narra, se parcela, y se adentra uno en la
realidad concreta de cada posible acercamiento en siete capítulos que conforman el
libro. Muy interesante y muy bien escrito pero, me temo, demasiado cerrado al
campo del arte, que si, quizá allá muerto como tal, como “campo”, pero no cabe
duda que tiene teniendo sus estructuras, sistemas, movimientos y fronteras. Ese
sistema, el de “el arte”, no es exactamente el que me preocupa.

En Madrid, la otra noche, el viernes, hubo una convocatoria de agentes culturales, no
de artistas, ni de gentes enredadas en el “arte” sino en, y aquí la cosa se me complica,
“la cultura”. No pude evitar, mientras escuchaba la asamblea del grupito al que me
adherí, la de los “disidentes”, la de aquello que no tenían claro como definirse, no
pude evitar digo, marearme con las derivas en torno a la posible definición de este
término, “cultura”. Uno decía una cosa, otro otra, el siguiente una mezcla de ambas.
Tenía la sensación de estar en un deja vu, eso ya lo había oído, igual ya había estado
sentada en esa mismísima plaza hacía ya mucho tiempo. Luego me acordaba del
performance de Los Torreznos, “La cultura, la cultura, la cultura…. (unos 5800
veces)”. Me daba la sensación que el sector cultural de esta ciudad estaba paralizado
en una acción verborreica y poco eficaz, me daba la sensación pero claro, podía estar
equivocada.

En esa reunión estaban presentes directores de departamentos de Museos, al menos
del buque insignia del arte contemporáneo, mediadores culturales de los centros de
arte más significativos (MediaLab, Intermediae, Matadero, Casa Encendida), había
agentes independientes muy activos en el panorama, había artistas, filósofos,
directores de espacios… en fin, de algún modo allá estábamos todos, y digo estábamos
porque aunque yo sea un agente un tanto extraño y de difícil calificación de algún
modo estoy en el paisaje, sea este el que sea y se dedique al arte, a la cultura, a una
mezcla, o se dedique a la ciudadanía, a la hibridación de lo uno con lo otro o al
hackeo permanente de todo lo anterior. Osea, me da la sensación que esta ciudad está
convulsa, además de por la crisis, porque vivimos el tiempo del prototipo, del
experimento, del ensayo error, de la prueba y la práctica. De la reinvención de todo y
de todos, hasta de nosotros mismos.

El otro día Jordi Claramonte acabó su clase de netartivismo (el módulo que damos
juntos en el máster de Victor Sampedro, CCCD), con una deriva en torno a la
estética. Hablaba de lo efectivo, lo que hay, de lo posible, lo que es de una manera
pero podría ser de otra, y lo necesario, lo que es pero no podría ser de ninguna otra
manera. Lo efectivo, sería lo cultural, el paisaje, que tendrá como contraparte lo
inefectivo. Lo posible sería lo estético, cuya contraparte sería lo imposible. Y lo
necesario, lo que no podría ser de otro modo sería el arte cuya contraparte andaría en
la contingencia.

Parece pues que vivimos un tiempo de posibilidad, porque vivimos en la santificación
del experimento, al más puro estilo primera vanguardia. Los museos viven de
experimentos porque no tenemos repertorios, no hay complejidad, y no hay
autonomía. Nuestra cultura es “disposicional”: “es como un gozoso sempiterno juego
de posibilidad y de experimento… carecemos de una cultura de conflicto”.
Aunque aun esté por asimilar completamente este asunto, si diré que intentar hacer
una visión panorámica de este terreno experimental, que deriva en su obsesión por
diseccionarse, que se junta y se separa, que se mueve acompasado a veces y
desacompasado otras, un terreno en el que, además, subyacen los más comunes
modos de relacionarse a la castiza, con todo lo que de “espumoso” tiene el asunto, me
obliga a decidir que camino recuperar de entre unos tantos.

Esos tantos vienen a ser mis DERIVAS ARTÍSTICAS POSIBLES:
ARTE DISIDENCIA Y CONTRADICCIÓN EN UNA CIUDAD CONVULSA:

POSIBLE DERIVA 1
Colectivos independientes. Jóvenes de muy diversa procedencia, siempre muy bien
preparados, con varios idiomas, capital social amplio, etc. que se juntan, quizá de
modo casi orgánico, quizá no, y que acaba conformando asociaciones que mueven “la
cultura” (sea esto lo que sea). Hacen conciertos, exposiciones, debates, charlas,
convocatorias, escriben artículos, editan revistas, van a inauguraciones… conforman
en suma el tejido cultural madrileño más comedidamente disidente. Abogan por una
cultura libre y participativa. Quieren una ciudadanía activa y suelen circunvalar,
antes o después, la trama de galerías de la ciudad. En fin son muchos, tienen variados
nombres pero de algún modo podría seguírseles la pista dentro de similares, sino
idénticos, contextos. Hago una lista que conformaría el índice de un posible libro para
nuestra editorial Esto no es Berlin, sería un recopilatorio, sin muchas pretensiones.
Diré que en principio hablábamos de llamarlo RIP (Rest in peace), pues son proyectos de corta
duración, unos tardan un año en nacer y morir, otros 3, otros tantos aguantan un
poco más… tienen algo de resplandores, una vez más, en un tiempo convulso:
Aperitivo Cultural, Liquidación Total, Mediodía Chica, No Estudio, Off Limits, ¡JA!,
Calipsofacto Curators, C.A.S.I.T.A., Colectivo Catenaria, Cruce, Daños Colaterales,
Derivart, El Intercambiador, Entresijos, Espacio 8, Epacio F, Espacio Islandia,
Espacio Menosuno, Espacio Trapezio, Fast Gallery, Felipa Manuela, Gato con
Moscas, Gremio, Hablar en Arte, Hambre, La Casa Franca, La Más Bella, La
Pandemonio, Left Hand Rotation, Luzinterruptus, Negocios Raros, NOWWWH,
Paisaje Tranversal, PKMN, Rampa, Se Alquila, Sofá Underground, Taller de
Casquería, Transito, Todo por la Praxis, Zuloark… Y seguro que hay muchos más,
aunque digamos que aquí además de estar los más representativos, son colectivos en
cuyas filas pululan “agentes” a los que llamo “fundamentales”.

POSIBLE DERIVA 2
Durante el arranque de este año hemos asistido al proceso que pretendía terminar en
el Plan Estratégico de Cultura del Ayntamiento de Madrid, PECAM. Durante
muchos días y en muchas sedes, aunque fundamentalmente en el inquietante nuevo
buque municipal, CENTRO_CENTRO, han tenido lugar una suerte de reuniones,
mesas de debate, puestas en común… etc., que pretendían generar las líneas de
actuación para “la cultura” en la ciudad de Madrid durante el 2013, 2014 y 2015.
Corto y pego aquí la retórica institucional para llamar a la participación:
Las Jornadas de reflexión La cultura de Madrid a debate, organizadas en el marco del
proceso de elaboración del Plan Estratégico de Cultura del Ayuntamiento de Madrid
(PECAM), abren un foro para la participación activa y el diálogo, propiciando un ejercicio
colectivo de análisis y reflexión conjunta para estudiar posibles modelos y planteamientos en la
gestión pública de la cultura.

Durante el proceso, que ha sido amplio y ha tocado a muchos sectores, yo me interesé
por una de las mesas. Se llamó: “Mesa de Ciudadanía y Gestión de lo Público”. Esta
mesa se reunió durante las jornadas establecidas por el ayuntamiento, con sus fechas
fijas, lugares y horario pre-establecido, y luego, cuando acabó el marco estrictamente
institucional, se siguió reuniendo, casi siempre en Intermediae. En esta mesa hay
representantes tanto de la academia, como del ayuntamiento, como de centros
ocupados, de otros cedidos, y sobretodo, al margen de algún que otro ciudadano a
secas, hay miembros de los colectivos arquitectónico-artísticos que están operando de
un modo más activo en el terrenos de “lo público”. Estos colectivos, y esta mesa, han
focalizado otro de mis ámbitos de interés. Digamos que, y para no largarme mucho
(esto lo conversamos largo el viernes), aúnan la práctica, la táctica, la acción, con la
estrategia, la conversación, el debate, el diálogo, los textos informes, citas… etc. Son:
PKMN; Paisaje Transversal, Derivart, TXP, Basurama, Zuloark, Taller de casquería,
Arquitecturas Colectivas… También y en otro ámbito,  participan gentes de muy
variados colectivos más cercanos al activismo ciudadano, las gentes de huertos
urbanos, de bici crítica, de pedalibre… La idea de esta mesa es generar un lugar de
aprendizaje en el que técnicos de ayuntamiento de Madrid se acerquen a los
“experimentos” ciudadanos que han conseguido, de modo siempre algo
rocambolesco, una cesión para poder, libremente, hacer “cultura”. El objetivo
(estratégico) es pues generar, juntas, unas nuevas vías para que cualquier hijo de
vecino pueda, en un momento dado, convertir un solar abandonado, un edificio sin
uso o un local vacío en un centro de cultura”. Para ello se ha arrancado a hablar con
casos como “La Plaza de la Cebada”, los de “Monta Marta”, los de “Esto es un
Plaza”, y “La Tabacalera” (aunque debo decir que a la tabacalera no se le hace
mucha caso, porque la tabacalera es del Ministerio y no del ayuntamiento, y digamos,
siempre es “otra cosa”).

POSIBLE DERIVA 3
Agentes culturales independientes, los que si saben lo que hay.
Me planteo muy a menudo que tal vez el modo en el que mi etnografía es más
eficiente es cuando, y precisamente, creo que no estoy “haciendo etnografía”. Mis
amigos, si me paro a pensar creo que “todos”, están implicados en la gestión de “la
cultura” de la ciudad, son agentes activos y digamos dedican casi casi casi las 24 horas
de su tiempo a esto, además se enteran de todos los entresijos, porque no están en
puestos de poder, cuando hablas con gentes en puestos de poder las palabras que
recibes no son tan veraces como habrían de ser. En cambio si estas tomando algo con
una amigo y te empieza  a contar… bueno, en fin, esto de “que quede entre tu y yo” te
desvela mucho más de lo que nombra. Nur que además de ser responsable de “Se
Alquila” ha trabajado en Caixa Forum y ahora es mediadora del MNCARS; Vanesa,
responsable de “El Ranchito”, del Escarabox (la terraza del Matadero Madrid), y
ex miembro de TXP, hoy volcada en InCreasis; Tomaso, Intermediae; Tina Paterson,
mediador y dinamizador  en Medialab Prado; Alejandro Simon, extensión Universitaria de
Bellas Artes; Rafa, agente independiente pero con un pie en las calles (en “la lucha”
como el dice) y otro en muchas propuestas institucionales, “y por que no dejamos de
ser artistas”, “campoadentro”… me interesa porque reflexiona mucho en torno a qué
es el arte y qué es la política, una reflexión, por otra parte que está apareciendo de
modo recurrente en las revistas más especializadas mostrando una clara
“contradicción”, esto es, se habla de arte útil en un número, y se habla de la clara
diferenciación entre ambos (arte y política) en el siguiente (hablo de la revista del
colectivo Democracia, Noles Volens)… Luego estarían los agentes que nada tienen
que ver con la institución, que aunque son pocos, también los hay, en particular me
interesa el colectivo GILA (Toque a Bankia, Lola Flores… etc.)
Esta tercera deriva requeriría una incursión mucho más profunda en un campo en el
que ya me muevo bien.

POSIBLE DERIVA 4
Y mi cuarta posible deriva era la que desde un principio pensaba hacer, aunque no se
yo si, ahora visto lo visto y vivido lo vivido, se quedaría un poquito corta. Esta deriva
pretendía hacer unos retratos. Al modo de “Antología del Humor Negro” de André
Bretón, quería hacer una suerte de “caleidoscopio” de agentes madrileños. Las
entrevistas que llevo hechas han sido orientadas a esta idea. La cuestión sería que
cada retrato se compusiera de un “monologo” del personaje, cada cual hablando de si
mismo, hablando de la ciudad, hablando del tiempo convulso que les toco vivir desde
su experiencia. La metodología, dejarles hablar largo y tendido y una vez transcrito
arrancar una correspondencia vía mail, claro está, en la que “a cuatro manos”,
fuésemos puliendo el texto de cada cual. Sería un poco como las memorias que
Altoaguirre hizo de su abuela Concha Méndez, “Memoria Habladas, Memoria
armadas”. La grabación de Concha Méndez recuperando su propia vida trabajadas
entre ambas y “armadas” para terminar en un Libro. No he descartado aun está idea
que, de algún modo, me permitiría trabajar con muchos personajes que en mis
derivas han aparecido y que siempre tienen un role marginal cuando habrían de tener
mucha más visibilidad.

Este caleidoscopio tendría una introducción de mi puño y letra para cada personaje,
en ella incluiría asuntos más al uso en teoría del arte, derivas historiográficas, marcos
conceptuales… ejemplos pasados, etc…

Ala. Y eso es todo amiguitos.
¿Cómo  lo ven?

Global justice movement and OWS

Ayer estuve en la presentación de Jackie Smith, del Department of Sociology, Stony Brook University, State University of New York. El título de su presentación: Social Movements and Political Movements, Global Justice Movement and Occupy Wall Street.

Lo primero que hizo, fue presentarse. Es editora de la revista JOURNAL OF WORLD-SYSTEMS RESEARCH, y tiene publicados unos tantos libros: Social Movements in the World-System The Politics of Crisis and Transformation. Tenéis la introducción en el link, el libro gira en torno al World Social Forum, del que ella fue participe. Sus derivas, su creación y sus movimientos transnacionales:

In this book, therefore, we draw from theories of social movements, world culture or polity, and world-systems to uncover the ways institutions mediate between political actors and world-systemic dynamics to define the opportunities and  constraints social movements face. We show how in this process social  movements introduce ideas  and models of action that help transform both the actors in this system as well as the system itself.

SmithWiestFinalCover

También es una de las organizadoras de una conferencia que se llamó, REAL UTOPIAS, que podría quedar bien resumido en este párrafo:

They suggest innovative avenues for thinking about “utopias” and understanding the kinds of conceptual and social innovation necessary to move us from a world system based in exploitation of people and the environment to one that is in harmony with the earth. They draw from ancient yet marginalized wisdom to suggest concepts such as buen vivir (living well), filoxenia (hospitality and generosity), and kerasma (gift-giving) that can orient  non-capitalist social orders and sow the seeds of system transformation.

Recuperando el arte del buen vivir!!!, real utopias, va en la línea de nuestros ingenios, localizando nuevas vías de hacer las cosas… de vivir vaya. También tiene un manual: Handbook on World Social Forum Activism y Social Movements for Global Democracy

Y tras presentarse comenzó a hablar, y en resumen dijo que el social forum empezó en Puerto Alegre, que esperaban pocos y llegaron miles, que en encuentro paso de ser anual a ser bienal porque es demasiado trabajo, dijo que estos años pasados se ha celebrado en Tunez, y dijo que los nuevos movimientos no son los que eran y que ahora se basa todo en lo relacional, en relaciones vaya, pero que las relaciones se establezcan con gente que quizá tan solo has visto un día en años, pero con la que tienes confianza por tu contacto en red. Pero como el público eran undergraduate de sociology en UCM, el foco de atención era la necesaria transformación de las metodologías de la disciplina. Más en cuanto a toma de datos, observación participante e implicación real en la “lucha”, que en cuanto la modo de presentar tales datos. Las preguntas que Smith se hacía eran tipo: ¿Cuales son las destrezas que podemos aportar a la lucha? ¿No seremos necesarios para contra lo que pasa, tomar registro de un movimiento que arranca con la conversación? ¿Cómo sociólogos, dónde nos ponemos?

Y en cuanto al OWS, me da a mi que muy claro no lo tenía: ¿En las Asamblea General de OWS, dónde estaban los negros, dónde la clase trabajadora?.

Hablo de un tal Jeffrey Juris, (del que acabo de descubrir la publicación Mobilization), … y siguió preguntando… CONTINUARÁ

La Ley de Arte

El arte en cuestión y la ley del arte, los acabo de descubrir en este hilo de encuentros casuales.

Rafael, mi Rafael nombra a Vicente Jarque, busco referncias suyas y llego a este artículo, de el blog EL ESCALPELO CRÍTICA  A LA CRÍTICA, donde se crítica la crítica que Viecnte Jarque hiciera hace ya unos años a la exposición que en la sala parpalló de Valencia tuvieran Isidoro Valcarcel Media, Daniel BAdujar y Rogelio López CUenca, osea, segun mi criterio, de los mejorcitos de este país. Esta crítica le da un tirón de oreja a Jarque, y le recomiendo haber entrado enel blog del proyecto, LAS HERRAMIENTAS DEL ARTE:

 

“El origen de esta publicación se encuentra en el proyecto expositivo Herramientas del arte. Relecturas, presentado en la Sala Parpalló de la Diputación de Valencia entre el 24 de junio y el 30 de septiembre de 2008. La intención inicial era realizar un proyecto artístico que incluyera dentro de sí varias partes, a modo de niveles o capas de actuación, que retrataran la versatilidad de medios y agentes que implica el arte contemporáneo, entendido aquí como una práctica poliédrica que refleja situaciones y comportamientos socioculturales complejos. En este sentido, el concepto de herramientas venía a indicar la ductilidad del medio artístico como contenedor de ideas, teorías, propuestas, acciones y reflexiones salpicadas –cuando no surgidas directamente– de otros campos teórico-prácticos. La elección de los artistas Isidoro Valcárcel Medina, Rogelio López Cuenca y Daniel G. Andújar, en cierta forma representantes de momentos diferentes del arte español aunque plenamente coetáneos, venía a abundar en la idea polimorfa (técnicamente hablando) y polisémica (conceptualmente) del proyecto. Al mismo tiempo, y de forma implícita, se buscaba generar un enfrentamiento entre la institución arte –con sus políticas y su gestión, sus presupuestos y sus espacios canónigos destinados a exponerse y exponer el arte– y las prácticas realizadas desde planteamientos radicales; en resumen, se promovía un cara a cara entre quienes piensan el arte como función y quienes lo gestionan como parte integrante de su producción exhibidora.”

La publicación incluye textos de Marina Garcés, Belén Gopegui, Daniel G. Andújar, Rogelio López Cuenca, Miguel Morey, Antonio Orihuela, Virginia Villaplana, Valentín Roma, Nacho Paría y Álvaro de los Ángeles, así como la “Ley del arte” de Isidoro Valcárcel Medina.

 

Y al hilo de esto encontre a Isidoro: isisdoro valcarcel-medina

Y a su LEY DEL ARTE:

Las leyes del estado que se ocupan de temas artísticos los conciben siempre con una visión ajena a la creativa. Es así como se tratan asuntos de “patrimonio” (en la ley 13/1985), o de “propiedad” (en la ley 22/ 1987), o de “mecenazgo” (en estudio actualmente). Es, sin embargo, incuestionable la importancia que para la formación, riqueza y amplitud de los espíritus tiene un adecuado reconocimiento del papel de la creación.

……

Si en un estado democrático prima el interés de la colectividad, si para tal fin se dictan normas que facilitan la promoción del individuo e impiden exclusividades indignas, si, en una palabra, el dicho estado democrático ha de vigilar exquisitamente el acceso de sus ciudadanos a la libertad más exigente, ¿de qué modo mejor que con la expansión omnipresente de la cultura podrá lograr ese fin, y qué otro camino más claro y seguro que aquel que concede al hombre cauce para expresar su creatividad y amplias oportunidades para gozar de la de los demás?

…….

Esta ley trata de poner en marcha, legitimar, recordar (si preciso fuera) la digna tarea que compete al ciudadano de, dando salida a sus inquietudes, enriquecer al conjunto social y, como no podría ser menos, a la entidad que constituye el Estado español, ya que difícilmente habrá materia o lenguaje más universal que el del arte, ni sustancia que más aporte a la categoría y reconocimiento de una nación; y ése resultaría el caso al actuar España como pionera entre los estados incluyendo en su ordenamiento legal lo concerniente a esta trascendental faceta.

Esta visión del arte justifica la orientación que, en el párrafo segundo de este preámbulo, se asigna a la ley, calificándola no sólo de reguladora (cosa común a cualquier ley), sino de promotora, concepto en el que radica su principal calidad y su intrínseca función.

……

Queda clara la intención del Estado de apoyar el acceso al profesionalismo de aquellos ciudadanos que sientan esta llamada; pero también que, por encima de todo, el Estado viene obligado a respaldar en todo momento el derecho constitucional de expresión y por ende, a primar el ejercicio no especializado del arte.

 

BUENO SEGUIREMOS CON ISIDORO VALCARCEL MEDINA, CUANTO MÁS LEO MÁS ME GUSTA

 

Badiou sobre Arte Contemporáneo

Las condiciones del arte contemporáneo
Alain Badiou[1]

 

Comenzaré diciendo algunas palabras sobre la expresión “arte contemporáneo”. Si por “contemporáneo” entendemos simplemente “de hoy” podríamos decir que todo arte es contemporáneo, dado que todo arte es de su tiempo. Por lo que, sin duda, queremos decir otra cosa o algo más cuando decimos “arte contemporáneo”.

En realidad, la expresión “arte contemporáneo” se entiende a partir de la expresión “arte moderno”: el arte contemporáneo es lo que viene después del arte moderno. De modo que, para entender bien el arte contemporáneo, tenemos que volver al arte moderno. El problema está en saber si existe una ruptura entre lo moderno y lo contemporáneo.

¿Qué es el arte moderno? Creo que se trata de un arte que no es ni clásico ni romántico. O, más precisamente, el arte moderno es un arte que supera lo clásico sin   llegar a ser romántico.

¿Qué es el romanticismo en el arte y más allá del arte? Con respecto a lo clásico, el arte romántico afirma la novedad de las formas, el movimiento creador, la existencia del “genio” artístico. No se queda, pues, en la imitación del modelo antiguo, tal y como hacía el gran arte clásico. En ese sentido, el romanticismo sale del clasicismo pero conserva la idea de que lo bello está ligado a una infinitud trascendente, conserva la idea de que lo bello nos hace comunicarnos con el infinito, de que hay algo sagrado en la obra de arte. La fórmula filosófica más clara es la de Hegel, cuando dice que “lo bello es la forma sensible de la Idea”. Para el romanticismo, la belleza artística es una representación finita de lo infinito y, en ese sentido, sigue siendo eterna.

Por lo tanto, el arte moderno va a conservar del romanticismo la idea de la novedad de las formas, la idea del movimiento creador, la idea de que existe una verdadera Historia del Arte y no sólo la repetición de formas antiguas, pero va a abandonar la trascendencia y lo sagrado. Así, podríamos decir que el arte moderno es un testigo terrestre de lo real obtenido por el movimiento de las formas.

Podemos observar que, en el arte moderno, a partir de la segundad mitad del siglo XIX, tenemos un doble movimiento artístico que es, a la vez, una búsqueda de  la simplicidad de las formas. Por ejemplo, los colores puros, los dibujos simplificados, una construcción más geométrica… Entonces, tenemos una simplificación de las formas pero, también, una complejidad de las formas, una suerte de abstracción simple y compleja al mismo tiempo. En este sentido, el arte moderno supera al arte romántico, lo instala en una temporalidad terrestre pero conserva la idea de la eternidad de la obra, la idea de obra como realización finita del arte.

Creo que podríamos decir que el arte contemporáneo va a combatir la noción misma de obra, va a ir más allá de lo moderno en su crítica del romanticismo y del clasicismo. En el fondo, el arte contemporáneo es una crítica del arte mismo, una crítica artística del arte. Y, esta crítica artística del arte, critica ante todo la noción finita de la obra. Así, la noción de lo contemporáneo va a estar sometida a dos normas.

Primero, a la posibilidad de repetición. Un motivo introducido y desarrollado por W. Benjamín mediante la idea de la reproductibilidad de la obra de arte, la idea de que la obra de arte puede dar lugar a series con el modelo de la producción industrial. Se trata del primer ataque contra la noción de Obra, porque la obra en el clasicismo y en el romanticismo era por excelencia algo único. Esta unicidad de la obra era la traducción de la relación del artista con la Idea, era como una firma única de esta empresa espiritual. Entonces, la repetición, la reproducción y la serialización son procedimientos para destruir la idea misma de obra única.

En segundo lugar, va a haber un ataque contra el artista o, más bien, contra la figura del artista. En el romanticismo, el artista es una figura sagrada, es el garante de la unicidad de la obra y es el que hace comunicar lo infinito con lo finito. Podríamos hablar del Artista-Rey, después del Filosofo-Rey de Platón. Se ha dicho que, en el siglo XIX, existía el Artista-Rey, pero en el arte contemporáneo se producen ataques contra esta figura del artista mediante la idea de que, de alguna manera, cualquiera puede ser artista, es decir, mediante la idea de que el gesto artístico no sólo puede ser reproducido sino que, también, puede ser producido de manera anónima, la idea de que la obra de arte puede no tener firma y de que, quizás, no es otra cosa que la elección de un objeto.          Aquí tendríamos, evidentemente, la revolución propuesta por M. Duchamp, quien pensaba que, por ejemplo, instalar un objeto era un gesto artístico y que todo el mundo era capaz de realizar este gesto, revolución que también partía de la idea de que el arte no es una técnica particular sino que es una elección de medios que no está determinada de antemano.

Ésta es una idea muy importante. En el período anterior, había artes precisas y definidas: estaba la pintura, la escultura, la música, la poesía, etc. Lo contemporáneo va a combatir, también, esta separación de géneros. Va a decir que el gesto artístico no está determinado por sus medios: podemos pintar y cantar al mismo tiempo, sin que se pueda decidir que es lo más importante. Asimismo, se pueden mezclar varias técnicas conjuntamente y hacer desaparecer las fronteras artísticas. De ahí que la figura del artista desaparezca: puesto que, precisamente, el artista ya no es un técnico superior, ya no es un virtuoso, no habrá razones para que el artista constituya una aristocracia. Entonces, en lo contemporáneo, se ataca la noción romántica del “genio” del artista. Y esa sería la segunda crítica de lo contemporáneo contra lo moderno. Y LA PRIMERA????

Inmediatamente encontramos una tercera crítica: renunciar a la permanencia de la obra y proponer, por el contrario, una obra frágil, momentánea, que va a desaparecer. Lo cual va en contra de una gran tradición, como es la tradición de la eternidad del arte: el arte era lo que se elevaba por encima de la desaparición sensible. Por ejemplo, el color de una hoja en otoño esta condenado a la desaparición, sin embargo, el color de una hoja en un cuadro es permanente. De ahí la idea de que la pintura es capaz de crear un otoño eterno y es capaz de detener el movimiento de las estaciones.

Lo contemporáneo va a criticar esa visión y va a decir que, por el contrario, el arte debe mostrar la fragilidad de lo que existe, el paso del tiempo. También debe compartir la muerte, en lugar de pretender estar por encima de la propia muerte. Filosóficamente, diremos que el arte contemporáneo acepta la finitud y, en este sentido, se opone al arte moderno, que abandonó a Dios pero conservó la idea de Eternidad.

Esto nos daría tres criterios de lo contemporáneo:
la posibilidad de la repetición, de la reproducción y de la serie,
la posibilidad del anonimato (resumiéndose, así, todo lo que atañe a la figura del artista) y,
en tercer lugar, la critica de la eternidad y la voluntad de compartir la finitud.

El conjunto de esta filosofía creo que, en realidad, es una filosofía de la vida.

Y lo es porque la vida también se repite y se reproduce, la vida es una suerte de fuerza anónima, la vida también es frágil y está habitada por la muerte.

Así pues, podríamos decir que una ambición de lo contemporáneo es crear “arte viviente”, en sentido estricto, es decir, reemplazar la inmovilidad de la obra por el movimiento de la vida.       

 

¿En qué sentido eso es arte?

Justamente ese es el debate contemporáneo:

si el arte debe compartir la vida, ¿cuál es su función propia? El arte va dejar de ser algo que uno contempla, porque lo que había que contemplar era justamente lo que detenía la vida, lo que iba más allá del tiempo. En cambio, si la obra comparte la vida, la relación con la obra de arte ya no podrá ser una relación de contemplación. El arte contemporáneo va a tomar, entonces, otra dirección, que estará ligada a los efectos que produce: el arte no será un espectáculo, ni una detención del tiempo, más bien será lo que compromete en el tiempo mismo y produce efectos en el tiempo.

 

Se podría incluso decir que el arte clásico es una instrucción para el sujeto, una lección para el sujeto y, en cambio, la obra contemporánea apunta hacia una acción que cuestiona y transforma al sujeto. Lo cual le va a aportar, todavía, una característica más: la ambición política del arte contemporáneo.

¿Por qué va a tener necesariamente una ambición política?

Justamente porque intenta producir una transformación subjetiva, al mismo tiempo que es un testimonio vivo sobre la vida.

Por estas razones, el arte contemporáneo no se va a preocupar por la duración y, en cambio, sí que se va a preocupar por lo inmediato. Va a ser un arte que estará presente en el presente, justamente por que no apunta a la contemplación sino a la transformación.

 

Tendremos, así, dos formas de arte características de lo contemporáneo:

la Performance y la Instalación.

La performance, puesto que sólo existe en el instante, es lo que se muestra en un momento dado. Finalmente, se relaciona con el teatro. Aunque se trata más bien de un teatro sin texto, un teatro que es, en sí mismo, su propia presentación y que puede incluir momentos visuales o plásticos, puede incluir la danza (la danza, para mí, es muy importante en lo contemporáneo, también la música, etc).

Entonces, la performance es un lugar de encuentro de las artes, es el paso de la emoción artística y no su detención.

 

En cuanto a las instalaciones, cumplen en el espacio lo que la performance cumple en el tiempo y disponen en el espacio un conjunto de elementos, de colores, de objetos que es efímero, que está instalado y que va a estar también desinstalado, apoderándose del lugar del espacio por un momento, exactamente igual que la performance se apodera por un momento del tiempo y, después, desaparece.

Lo que tenemos es un arte satisfecho con su propia desaparición, un arte que muestra su capacidad de desaparecer.

Todo lo contrario al arte contemplativo, porque lo que se contempla es lo que no desaparece. En cambio, el arte contemporáneo muestra su desaparición: no sobrevivirá.

De esta manera podemos entender los problemas del arte contemporáneo y la palabra contemporáneo. Contemporáneo quiere decir todo esto y, en detalle, van a resultar una cantidad de proyectos diferentes que van a utilizar todas las técnicas y medios. Por ejemplo, en este tipo de arte la imagen artificial, el vídeo, etc., juegan un papel muy importante porque también es un arte de la imagen en movimiento.

Después de todo lo anterior, quisiera hacer una incursión en la crítica del arte contemporáneo. Haciendo virtud de mi oficio de filósofo. Con respecto a lo contemporáneo siempre será cuestión de formular una pregunta. Con lo cual lo que haré aquí serán críticas virtuales, si se quiere, críticas que uno podría hacer y que yo voy a hacer para demostrar que, precisamente, se pueden hacer.

Pienso que pueden hacerse tres críticas posibles:

una critica ontológica,
una critica estética
y una critica política.

Esas críticas conciernen a formas extremas del arte contemporáneo, y no tanto a la tentativa del arte contemporáneo mismo.

Creo haber demostrado que el arte contemporáneo es fuerte e interesante.

En cuanto a la crítica ontológica, es la siguiente:
creo que la filosofía del arte contemporáneo es una filosofía de la finitud pero también es una filosofía del tránsito y la desaparición. Ahora bien, no es seguro que ello esté completamente justificado. Puede suceder que, el ser mismo, acepte lo infinito y, también, puede suceder que el tránsito y la movilidad no sean más que apariencias. Podríamos decir que el arte contemporáneo toma posición en el gran conflicto entre Parménides y Heráclito, sólo que 3000 años después. Sabemos, aunque sólo sea a nivel escolar, que Parménides declaraba que el Ser es uno, eterno e inmóvil y que Heráclito declaraba que el Ser es móvil, pasajero y múltiple. Toda una parte del arte contemporáneo está del lado de Heráclito, eso es innegable. Es una elección, pero hay que saber que es una elección y que el arte contemporáneo está sostenido por esta elección filosófica. Y aquí podría haber una primera discusión sobre este punto, una primera crítica virtual posible.

La crítica estética seria la siguiente:
gran parte del arte contemporáneo rechaza la diferencia entre la forma y lo informe. Conocemos la existencia de un arte del desecho, un arte de lo que aparece como informe, conocemos esa tendencia artística que aspira a deformar toda forma, a exhibir como gesto artístico la deformación y no, simplemente, la invención de una forma. También existe un arte del horror y de lo desagradable, un arte de cadáveres en formol, un arte Trash. Son tentativas justificadas pero pienso que, estéticamente, esta equivalencia entre la forma y lo informe es también una trascendencia escondida, porque recuerda una dialéctica muy importante en el arte romántico entre lo sublime y lo abyecto. Esta dialéctica de lo abyecto y lo sublime, el hecho de que lo inferior también pueda ser superior es, en realidad, una dialéctica romántica y, quizás, buena parte del arte contemporáneo sea un romanticismo escondido, precisamente por lo que respecta a esta figura de la dialéctica entre lo abyecto y lo sublime. Por lo demás, se sabe que esta dialéctica siempre ha formado parte del cristianismo, donde los monjes debían vivir de manera abyecta, en la pobreza y en la suciedad, para que su pensamiento estuviera dirigido a Dios y, entonces, se produjera un momento donde lo abyecto se transformara en sublime. En buena parte del arte contemporáneo siento esto, siento este cristianismo estético y, en el fondo, sospecho de esos artistas que quieren ser santos para restablecer e inscribir en lo abyecto, en lo informe, la aspiración escondida a lo sublime y lo santo. Esta sería una crítica también estética a una parte del arte contemporáneo.

Y, finalmente, la crítica política es la siguiente. En nuestro mundo, ¿cuál es el gran modelo de lo que es inmediato, de lo que circula, de lo que sucede, de lo que muere en cuanto aparece, lo que debe ser consumido y después debe desaparecer? El modelo de todo esto es la mercancía.

Hay que ver claro que la ideología de la finitud, de la equivalencia de las cosas, de su inmediatez, la idea de que el propio arte debe estar en la circulación anónima, el hecho de que nada debe ser contemplado, pero que todo debe ser consumido, es la ideología de la mercancía y, quizás, encontremos ahí el secreto de esto que es muy evidente: la existencia del mercado del arte, especialmente del mercado del  arte contemporáneo, en donde la valorización no genera ningún problema pues obedece a las mismas leyes de la oferta y la demanda, leyes que regulan la circulación de las mercancías. En el fondo, podríamos decir que en el arte clásico y moderno la obra de arte es un tesoro, se basa en el modelo del tesoro. Un tesoro es aquello que podemos guardar en nuestro sótano, aquello que vamos a contemplar, lo que vamos a poseer como un objeto. Por otro lado, los museos exponen tesoros. Es justo criticar esta visión del arte, esta identidad de la obra de arte y el tesoro. Pero es de temer que, después de haber sido un tesoro, el arte, ahora, no sea más que una moneda, que allí donde estuvo guardada se abstendrá de circular y allí donde debería quedarse va a desaparecer.

El arte contemporáneo es, por tanto, el arte de la época financiera del capitalismo, admitiendo que el arte clásico era el arte de la época del tesoro. El arte contemporáneo es, realmente, el arte de nuestro tiempo, pero, quizás, es tanto su ilustración como su crítica, existiendo, en todo caso, una ambivalencia entre ambas, así como en otras épocas el arte era, al mismo tiempo, esplendor crítico y, también, un tesoro. Las formas del arte contemporáneo no nos permiten salir de esta ambivalencia.

¿Qué hacer? Creo que el arte debería transformarse en algo más afirmativo que, más que criticar el estado del mundo y criticar el arte mismo, debería buscar los recursos secretos del mundo, las cosas positivas pero escondidas, los elementos de liberación que aún están a punto de nacer, que están naciendo. Y ello manteniendo sus orientaciones contemporáneas, y su importante violencia crítica. El arte debería ser, también, una promesa, debería prometernos algo dentro de su capacidad subversiva. Hay que desconfiar de la consolación, pues el arte no ha de ser consolador y no está para mecernos, aliviarnos o protegernos. Pero prometer es otra cosa.

Pienso que estamos en un tiempo en el que es esencial recordar lo que es el mundo a través de la propia fuerza del arte, a través de su nueva fuerza contemporánea. Pero, asimismo, el arte tendría que decirnos lo que podría ser, como reverso del propio arte. También es una función del arte tener una visión de futuro. No siempre hay que anunciar el desastre, aunque haya razones para hacerlo. Creo, más bien, que el arte debe decir que el desastre es posible, que quizás es más que probable, pero que podemos evitarlo. Tiene que decir, también, que algo en todo ello depende de nosotros, a eso es a lo que yo llamo una promesa.

Entonces, diré, simplemente, que el arte contemporáneo despliega todas sus funciones multiformes y sin forma, pero que también tiene la capacidad de recordarnos todo aquello de lo que somos capaces.

Alain Badiou

Buenos Aires, 11 de mayo de 2013

Trascripción y corrección de la traducción directa: Brumaria



[1] Ojo descubierto en el blog de Tomás: COMENTARIOS A ALAIN BADIOU
http://antimuseo.blogspot.com/search?updated-min=2013-01-01T00:00:00%2B01:00&updated-max=2014-01-01T00:00:00%2B01:00&max-results=11

AQUI ADJUNTO UN DOC CON TODO MAQUEADO, Alain Badiou-sobre arte contemporáneo

Documenta X, Catherine David

RECUPERO ESTAS PALABRAS DE CATHERINE DAVID DE LA DOCUMENTA X DE 1997 PORQUE CREO QUE SON MUY ÚTILES PARA COMPRENDER MUCHAS DERIVAS. CUANDO SE QUIEREN HACER COSAS SE PUEDEN HACER MUCHAS COSAS

Introduction by Catherine David in the Short Guide

Finally, in the framework of the »100 Days – 100 Guests« program we have invited artists and cultural figures from the world over -architects, urbanists, economists, philosophers, scientists, writers, filmmakers, stage directors, musicians- to Kassel in order to debate, according to their fields of specialization and their orders of urgency, the great ethical and aesthetic questions of the century’s close: the urban realm, territory, identity, new forms of citizenship, the national social state and its aftermath, racism and the state, the globalization of markets and national policy, universalism and culturalism, poetics and politics. These daily interventions will take place in the auditorium of the documenta Halle, specially configured as a space of information and debate; they will be typed out and transmitted over the Internet, recorded on cassettes made available to the public by Bund Media, and broadcast daily in abridged form by Arte, in collaboration with HR, WDR, SWF, and the Goethe-Institut.

Throughout the »100 Days« there will also be screenings of the seven films produced by documenta, Sony, and several TV channels, and a three-night theatrical marathon presenting the »sketches« proposed by ten directors who have been invited to explore the minimal conditions of a contemporary dramatic situation.

Other artists´ projects circulate in Kassel and far beyond: images posted on the billboard spaces of Deutsche Staedte-Reklame and radio plays produced and broadcast by Hessischer Rundfunk. In conclusion, I would like to thank all the partners who accompanied us with great confidence and generosity during the often difficult work of preparation. And of course, I would like to extend my warmest thanks to all the participants in documenta X, who each in their own way have helped make this project lively, diverse, and exciting for everyone.