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Fluxtour por la web

Esto lo pone en Paisaje Transversal y merece la pena leerlo, luego yo voy a buscar algo específico de Larry Miller y su fluxtour por espacios de arte sin hablar para nada de arte, me gusta mucho la idea y no la había oído antes.

Pero como los FluxTours eran recorridos hacia puertas cerradas, espacios vacíos, lugares sombríos, y esquinas dudosas, pasillos macilentos y macetas purulentas, he decidido, que ya que no encuentro algo específico de Larry Miller y de ese FluxTour suyo de instituciones artísticas voy a dejarme llevar por la web y por supuesto respetar los desvarios y delirios por los que uno transita cada vez que se pone manos a la obra en un periplo internaútico. Claro está que a nadie l e contamos lo que encontramos pero tal vez y en memoria de los fluxtours y ya que no hay modo de recuperarlos, me olvidare de todo y haré lo que toca en este sector, un verdadero dietario, hoy, itinerante.

1. Primero a la galería Grey de NY, la cosa es extraña porque el archivo de la galería se llama “imaginando la paz” y no tiene desperdicio el arranque, pero luego l acosa se pone interesante pues es una expo fluxus (en una galería si, leen correctamente una galería) que se llama, nada más y nada menos que: “El grupo Fluxus y las cuestiones esenciales de la vida”, esto es, o estas son, las cuestiones en particular: ¿Quien soy yo?; ¿La felicidad?; ¿La salud?; ¿La libertas?; “¿El peligro?.

Habrá Fluxkits, esto es, el arte-como-un-juego-en-una-caja, que te puedes comprar muy baratitos en una orden postal o bien en alguno de las tiendas que llevan los propios artistas. Y los eventos fluxus podrán ser llevados a término por cualquiera en cualquier lugar y en cualquier momento.

(está muy bien recomiendo su lectura es larga pero está muy bien, si m esiento inspirada algun día de estos lo traduciré)

2. Un documento sobre Larry Miller, que arranca con una cita de Breton: (del 2008)

It is Dada and Dada alone whose ability is the marvelous faculty of attaining two widely separate realities without departing from the realm of our experience, of bringing them together and drawing a spark from their contact, of gathering within reach of our senses abstract figures endowed with the same intensity, the same relief as other figures; and of disorienting us in our own memory by depriving us of a frame of reference.

André Breton [1]

cronologías arte otro 96-2000

Nos quedamos en el año 96. En torno a ese año gentes como Tomás y como Santiago Sierra empiezan a pensar en irse, es más Santiago en avanzadilla, se va a la ciudad de Méjico DF donde permanecerá largo tiempo. Tomás va arreglando asuntillos y tras una intentona de re abrir el ojo atómico en un garaje del barrio de Salamanca,que yo conocí pero que Tomás no me recordó en la entrevista, y tras lo que para ellos fue un fracaso, deciden irse. La asociación Cruce sigue activa, se empieza a barrunatr la idea del Círculo Interior Bruto y creo que los aun El Perro (actual Democracia) comienzan a comisariar exposiciones en la Nave Neomudejar de Atocha-Renfe. (1996: El mal de la actividad. Nave neomudéjar de Atocha-Renfe, Madrid.1994: Enseña tus heridas. Nave neomudéjar de Atocha-Renfe, Madrid./El Perro en los juzgados. Juzgados de Primera Instancia e Instrucción de Plaza de Castilla, Madrid.). Hoy esa misma nave es el el ART HOUSE, cuya web reza así: Art House Madrid es la promotora del Centro de Artes de Vanguardia y Residencia Artística Internacional de Madrid. Tras meses de trabajo intenso logra su objetivo obteniendo un acuerdo en regimen de alquiler con ADIF de la           antigua nave de Renfe conocida como “La Neomudejar”. Garaje Pemasatodavía no ha comenzado.   1997: Nieves Correa, Santi Salvador y Fernando Baena organizan Merienda de Negros, en la Asociación Cultural Cruce de Madrid. En Prácticas Artísticas y Políticas Culturales, el libro de J.A. Sánchez, hay alguna referencia a esto, el libro es2003 pero es recomendable. (link pdf)   La Fiambrera Obrera arranca, desde Valencia y con Jordi Claramonte (de que tenemos una extensísima entrevista) surgirá el colectivo que luego se hará Barroca o Garrofera según actúe en Madrid, en Sevilla, o en Valencia. Este grupo será clave pues aunará la acción directa y la desobediencia civil con el arte. Serán más combativos y callejeros, menos dados a los contextos más artísticos.   Empieza el Laboratorio 1. Una ocupación en una antigua escuela de veterinaria en el número 68 de la calle embajadores. Allí comenzarán a converger los movimientos sociales de base, las herramientas de participación ciudadana de los diversos colectivos implicados en la génesis de barrio, de ciudad y de cultura con diversas formas de modelos de arte, que por entonces ya se llamaba nuevo género de arte público, preocupado principalmente en tener calado social y ampliar audiencias. Para Madrid Los Laboratorios serán de obligada referencia a la hora de entender el actual panorama. y la acción de La Fiambrera Obrera y del Lobby Feroz también. Jaime Vallaure y Rafa Lamata abren  La Zona de Acción Temporal (ZAT), heredera del Círculo Interior Bruto (CIB. Era un espacio en el barrio de Lavapiés en el que “pasaban cosas”. las gentes del Laboratorio y del ZAT convergían muy a menudo.   1998. re HABI(li)TAR Lavapiés. Jornadas de arte y acción social que significaron un vuelco conceptual en la práctica artística de un buen número de artistas. Constitución del colectivo El Lobby Feroz, que trabaja con criterios artísticos de intervención social. En este Lobby están los Fiambres, Jordi Claramonte, Tina Paterson y otros (ambos en las entrevistas), quienes le dan un toque artístico, con Saeta incluida, al triunfo para lograr que el Parque de la Cornisa quedase para los vecinos. Como dirá Jesús Carrillo fueron tiempos en los que se creyó que arte y acción política real podían ir de la mano. LAboratorio 1. Taller Arte y Okupación en el Centro Social Okupado El Laboratorio de Lavapiés.   1999. Presentación del Manifiesto Mini Media (MMM) en Madrid. Como apuntaría Nelo Vilar en su fundamental: “Marginales y Criptoartistas: Arte Paralelo y Arte de Acción en el Estado Español en los 90”: (El manifiesto MMM), redactado por destacados colectivos de Madrid y Barcelona y que ha hallado en la pobreza de medios tecnológicos “un” lugar común de su acción…   El Lobby Feroz colabora con los movimientos sociales del barrio de Lavapiés y forma parate del Cosl-art 99 con el proyecto Ecología Existencial Doméstica (confieso no tener mucha información sobre esta iniciativa)   Circo Interior Bruto (CIB) es de nuevo una programación estable que tiene una duración de un año (1999-2000) y en el que doce personas trabajan en una suerte de circo-performance colectiva que incluye números individuales y de grupo.   2000: Tomás regresa a España y arranca el siglo XXI en el que Liquidación Total, el Nuevo Ojo Atómico, Off Limits, La Enana Marrón, La Más Bella… y otros tantos comenzarán a  hacer sus propuestas. Tras unos noventa que pasaron del esplendor del principio a la debilidad ya  la fusión al final pasamos a unos dos miles en los que ese encuentro feliz entre movimientos sociales y artistas comenzará a solidificarse en la institución con MediaLab, matadero, Intermediae, Casa Encendida… en fin… hasta llegar a nuestros días. UN camino extraño de Luces y Sombras donde, como no podía ser de otro modo, y pese a todo, las políticas culturales han tenido muchos detractores, las amplias corrupetelas de los gobernantes han salpicado a los presupuestos culturales, y el tejido de independientes se ha ido desmantelando al correr la primera década para, llegados al cenit de la crisis, resurgir de las más variadas formas, algunas más puras otras más sospechosas… en un tiempo que no te queda otra que reinventar tu propio trabajo la autogestión de ti y tus propuestas está a la orden del día (y no solo en el arte y aledaños)

cronologías arte otro 90-96

Ando transcribiendo la extensa charla que durante varios días mantuve con Tomás Ruíz Rivas. Tomás es amigo desde el año 92. Por eso he pensado que es ese año, el 92, el año de la documenta de Kassel y del festival de performances de Minuesa, un buen año para comenzar a pensar. Además ese fue el año que comencé mi carrera de Bellas Artes, y el año en el que, por eso mismo, me introduje en el ambiente artístico de Madrid. Intento recordar como fue mi aterrizaje porque la tiempo que recuerdo desfilan personajes que aun a día de hoy, 13 de octubre de 2014, siguen trabajando en la escena, o mejor dicho, haciendo la escena porque sin ellos no habría escena alguna.

Recuerdo con claridad este mismo mes de octubre y con esta misma lluvia en el 92 el segundo festival internacional de performances de la ciudad de Madrid. Los impulsores fueron, como no, Tomás Ruóz-Rivas y Nieves Correa. Al buscar información sobre la fecha concreta del festival encuentro este documento: datos para cronologia arte paralelo, un documento muy interesante que abarca toda España. Al revisarlo me viene a la cabeza los asiduos a esos festivales que era, básicamente, graniadinos y valencianos, luego el asturiano claro, como figura mítica y marginal.

Voy a referir aquí los acontecimiento artísticos y culturales de lo que entonces se llamaba escena alternativa que han sido claves para la configuración del actual estado de cosas. Son acontecimientos que me han sido referidos por mis entrevistados a lo largo de esta investigación pero, antes de pasar al collage de transcripciones que ahora me dispongo a realizar para hacer un libro, voy a tratar de ordenar esta cronología como guía para el lector y para mi misma. Comienzo en el 90 porque, aunque yo no estaba, pasaron unas cositas muy importantes en un Madrid que aun se desperezaba de 40 años de letargo: (destaco de antemano que así como la facultad de Bellas Artes de Valencia si introdujo la performance en su currículo en el año 90 gracias a Bartolome Ferrando, Ángeles Marco, David Pérez y, aunque no lo diga el documento, Miguel Molina Alarcón, no sucederá lo mismo en Madrid.

Cuenca y Salamanca también dieron paso a nuevos aires. Madrid no. En Madrid la escuela de hiperrealistas, la escuela de Madrid, cuajo con tanto calado que poco o nada se tenían ne cuenta los nuevos avances estéticos que de manera internacional se andaban produciendo. Señalo que el primer happening, o performance, se le atribuye a Allan Kaprow en el 1958. Calculen, del 58 al 93 la cantidad de cosas que andaban pasando. Madrid, la facultad de Bellas Artes de Madrid seguí su rígido rumbo como si no fuera con ellos… )

1990: Taller de Arte Actual de Isidoro Valcárcel Medina, Madrid (Círculo de Bellas Artes). Este taller fue calve, en el estuvieron Nieves Correa, Rafa La Mata y Jaime Vallaure (Los Torreznos), y muchos otros que conformaran la escena desde ese año hasta hoy. Exposición Madrid Minimixer. Una exposición organizada y gestionada por los propios artistas en la Nave de Patatas del Centro Cultural de Arganzuela, lo que hoy es el matadero. Se programan instalaciones, intervenciones y performances. Me hablo de esta exposición Nieves Correa, ella fue una de sus promotoras. Galería Valgamedios: Tomás Ruíz Rivas inaugura una galería alternativa en el centro de Madrid, en la calle Valgame Dios.

Allí se gesta el primer Festival de Performances de Madrid que no llegará a realizarse en la galería, sino que se traslada al Espacio P de Pedro Grahel.(consultar el artículo aparecido en torno a los festivales de performances de Madrid en la página del antimuseo: “Madrid 1991-1993. FESTIVALES DE PERFORMANCE”)

1991. I Festival de Performances de Madrid en las instalaciones de Espacio P, un espacio independiente activo en la calle Nuñez del Arce, al lado de la plaza de Santa Ana sobretodo durante los años 80. Organizado por Nieves Correa y Tomás Ruíz Rivas. (Todo esto queda bien referido en el artículo del antimuseo y en la entrevista de Tomás que cuenta anécdotas interesantes)

1992. II Festival de Performances de Madrid en el Centro Social Autogestionado Okupado Minuesa, de caràcter internacional. Durante todo un año Tomás y Nieves asistieron a las asambleas del centro okupado MInuesa. Así lograron encajar en su programación un fetival de 3 días que fue increíble (de eso si puedo dar fe que limpié las inmensas naves de la imprenta abandonada donde se celebro, una escenografía digna de Mad Max donde de algun modo se gestó la idea de “UN PÚBLICO” para el arte contemporáneo en esta ciudad, ampliándose el espectro de interesados. Todo queda bien referido en la entrevista de Tomás)

1993. El Ojo Atómico abre sus puertas con la exposición una Documentos para una Historia de la Heterodoxia en el Arte. El Ojo Atómico era una antigua envasadora de pollos. Pertenecía a un grupo de varios matrimonios. Había sido ocupada y alguno de los propietarios se les ocurrió, para evitar a punkys de pro, llamar a artistas  pensando que quizá les interesaría como estudio mientras le daban salida a su inversión. Llamaron a Javier Seco quien rechazó el ofrecimiento pues en ese momento él ya tenía su estudio en un pueblo alicantino, El Pilar de la Horadada, y su casa en una urbanización también Alicantina, La Dehesa de Campoamor. No obstante conocía a Tomás pues había expuesto en Valgame Dios.

Así pues paso el contacto a Tomás quien si decidió abrir un espacio alternativo para el arte. SE responsabilizo con su nombre y datos de todo lo que allí podría suceder y se puso manos a la obra sin saber, ni él ni ninguno de los que allí pululábamos, que diantres era eso de un espacio alternativo. Toda la información al respecto ha sido elaborada ya por Tomás en su página antimuseo, por favor seguid los links. En el Círculo de Bellas Artes de Madrid, convocatoria Cultura-Crisis-Cultura. Cuatro semanas de convocatoria abierta a intelectuales y creadores. Encuentro de acciones, exposiciones, instalaciones y conciertos que supone una fractura con la dinámica artística habitual. 400 proyectos y un número de participantes mucho mayor. Caben destacar dos cosas importantes: una como se gestó el círculo, se fundó en abril de 1880 gracias a los esfuerzos de un reducido grupo de artistas, cosa que no hemos de olvidar, fue una iniciativa privada; y segundo, creo que merece la pena rescatar a su director D. Pedro García-Ramos Sánchez, durante los años en los que él fue director la labor del círculo fue importantísima para apoyar la escena independiente capitalina.

1994. Joan Casellas y Nieves Correa organizan la primera edición de ArcoAcción. Acciones organizadas en la Feria Internacional Arco de Madrid, de forma completamente independiente y con carácter de infiltración. (El link de Arco Acción nos lo proporciona la página heterogénesis, en la que Joan Casellas escribe su imprescindible, “Yo y ese otro asunto: Como reinventamos la acción en los 90″… y recojo del texto: “En Madrid la accesibilidad y buena predisposición de artistas como Isidoro Valcarcel Medina o Pedro Garhel con su Espacio P o los cursillos de Esther Ferrer o Antoni Muntadas en el Círculo de Bellas Artes de Madrid eran decisivos”.) Primera edición de la Revista Hablada de Madrid. Rafa la Mata me hablo de esto. El ABC de la performance (espectáculo y video). Rafa Lamata, Jaime Vallaure y Daniela Musico.(más información en la entrevista de Rafa la Mata) 1995. Nieves Correa y Jaime Vallaure organizan la Semana de la Acción y/o la performance en la Facultad de Bellas Artes de Madrid, evento realizado durante los años 96, 97 y 98.  (en la entrevista de Nieves más información, a Jaime aún no he podido entrevistarle

1996. Public-Art organiza con Aire el evento Arte Algo. Un encuentro de arte paralelo en un pequeño pueblo de los alrededores de Madrid. continuará   bck up.

Fernando Baena, “Historias de Madrid”

madrid destino

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Ha Fernando Baena le han cerrado la exposición “Historias de Madrid” durante tres días. Se confunden una vez más acá, en nuestra ciudad, el ocio, el turismo, el deporte y el arte. Tutton revoltum. Esto escribió Fernando:

Como algunos de vosotros sabéis durante estos días estoy mostrando en Intermediae de Matadero Madrid una obra titulada “Historias de Madrid”, que estará visitable hasta el 20 de abril. Hoy me han comunicado que durante los días 7, 8 y 9 la exposición permanecerá cerrada. El motivo es el siguiente: Una empresa de moda ha alquilado el espacio para hacer una presentación de sus productos. 
Mediante esta actuación, Madrid Destino, la empresa creada desde el Ayuntamiento de Madrid para privatizar la cultura y que, según sus cometidos, sólo se dedica a la gestión económica, interfiere burdamente en la programación cultural de Matadero. (…)
 

En archivo adjunto un texto con los “cometidos” de la empresa.

CREO QUE ES DE SUMA IMPORTANCIA QUE SE SEPA
(adjunto catálogo de “Historias de MAdrid” que me parece un trabajo excepcional, Catálogo Histórias de Madrid

Visual Activism, SFMOMA

Un simposio que explora la relación entre la “cultura visual ” y las “práctica activistas”. dicho así queda raro la verdad. El activismo toma formas “inusitadas” y “sorprendentes”, y el arte (que ya no la cultura visual que es otra cosa), puede tomar la forma de activismo político. Aunque, la final, exceptuando a Nelo Vilar con su in sumisión como obra de arte, creo, que como dice Cirujeda, a ningún artista al final le meten en la cárcel, porque es artista. No obstante este tema me interesa grandemente. Me viene  a la cabeza una frase de Jesús Carrillo en su entrevista, me dijo, “creímos, durante unos años que esa unión (artistas-activistas) se podía hacer, con la Fiambrera y gente así”. Y también recuerdo otra de Tina Paterson, que se refería a Paloma Blanco cuando decía: “Los artistas son muy suyos, muy artistas, pero no olvidemos que los activistas también son muy suyos, muy activistas”. Y como no a mi querido Rafael, diciendo eso de su postura bastarda: “.. y en la política soy bastardo porque soy artistas, y entre los artistas soy bastardo porque no expongo en galerías ni vendo obra…”.

Visual Activism Revisado.

Visual Activism Revisado.

Y, perdón por llevarme la cosa  a casa. Continuo. sigue el texto: ¿Cómo está conformada nuestra cultura visual (en un más amplio sentido) por las prácticas activistas que circulan en el espacio público? (inquietante pregunta), y sigue; ¿Cómo podemos aprender a comprender mejor los modos de comunicación que tienen lugar bajo la amenaza de una guerra, de una revolución o de la represión? (más inquietante aun), y sigue; ¿Qué nuevas estrategias podemos indagar para transformar nuestro compromiso con la construcción de más amplias ecologías? (ok, aquí esta algo mal traducido pero se em entiende, este tema es interesante); ¿Como trabajar temas de hegemonía social, como el racismo, para llevar a termino más grandes esfuerzos de Activismo visual? (bueno cada vez peor traducido, lo se, el original está en el link)

En conclusión, un cierto batiburrillo de temas que no hacen del simposio algo poco interesante sino muy interesante. Prque no solo queda claro que hay una fricción extraña entre la palabra arte y activismo y otra extraña pero diferente entre la palabra activismo y la cultura visual y otra aun más raruna, pero igualmente fascinante, que es el título del asunto, visual activism. La verdad que si me llega alguien en una fiesta y me dice, al serle preguntado, que es un “activista visual” obviamente me pediré otra cerveza y seguiré disfrutando de esta maravillosa y performera ciudad de San Francisco que, nunca lo perdamos de vista, no dejan de ser los Estados Unidos de América.

Programa Visual Activism.
La organización que lo promueve: International Asociation for Visual Culture
De donde viene la foto, de otro simposio del año pasado: Visual Activism (September 2013)

Badiou sobre Arte Contemporáneo

Las condiciones del arte contemporáneo
Alain Badiou[1]

 

Comenzaré diciendo algunas palabras sobre la expresión “arte contemporáneo”. Si por “contemporáneo” entendemos simplemente “de hoy” podríamos decir que todo arte es contemporáneo, dado que todo arte es de su tiempo. Por lo que, sin duda, queremos decir otra cosa o algo más cuando decimos “arte contemporáneo”.

En realidad, la expresión “arte contemporáneo” se entiende a partir de la expresión “arte moderno”: el arte contemporáneo es lo que viene después del arte moderno. De modo que, para entender bien el arte contemporáneo, tenemos que volver al arte moderno. El problema está en saber si existe una ruptura entre lo moderno y lo contemporáneo.

¿Qué es el arte moderno? Creo que se trata de un arte que no es ni clásico ni romántico. O, más precisamente, el arte moderno es un arte que supera lo clásico sin   llegar a ser romántico.

¿Qué es el romanticismo en el arte y más allá del arte? Con respecto a lo clásico, el arte romántico afirma la novedad de las formas, el movimiento creador, la existencia del “genio” artístico. No se queda, pues, en la imitación del modelo antiguo, tal y como hacía el gran arte clásico. En ese sentido, el romanticismo sale del clasicismo pero conserva la idea de que lo bello está ligado a una infinitud trascendente, conserva la idea de que lo bello nos hace comunicarnos con el infinito, de que hay algo sagrado en la obra de arte. La fórmula filosófica más clara es la de Hegel, cuando dice que “lo bello es la forma sensible de la Idea”. Para el romanticismo, la belleza artística es una representación finita de lo infinito y, en ese sentido, sigue siendo eterna.

Por lo tanto, el arte moderno va a conservar del romanticismo la idea de la novedad de las formas, la idea del movimiento creador, la idea de que existe una verdadera Historia del Arte y no sólo la repetición de formas antiguas, pero va a abandonar la trascendencia y lo sagrado. Así, podríamos decir que el arte moderno es un testigo terrestre de lo real obtenido por el movimiento de las formas.

Podemos observar que, en el arte moderno, a partir de la segundad mitad del siglo XIX, tenemos un doble movimiento artístico que es, a la vez, una búsqueda de  la simplicidad de las formas. Por ejemplo, los colores puros, los dibujos simplificados, una construcción más geométrica… Entonces, tenemos una simplificación de las formas pero, también, una complejidad de las formas, una suerte de abstracción simple y compleja al mismo tiempo. En este sentido, el arte moderno supera al arte romántico, lo instala en una temporalidad terrestre pero conserva la idea de la eternidad de la obra, la idea de obra como realización finita del arte.

Creo que podríamos decir que el arte contemporáneo va a combatir la noción misma de obra, va a ir más allá de lo moderno en su crítica del romanticismo y del clasicismo. En el fondo, el arte contemporáneo es una crítica del arte mismo, una crítica artística del arte. Y, esta crítica artística del arte, critica ante todo la noción finita de la obra. Así, la noción de lo contemporáneo va a estar sometida a dos normas.

Primero, a la posibilidad de repetición. Un motivo introducido y desarrollado por W. Benjamín mediante la idea de la reproductibilidad de la obra de arte, la idea de que la obra de arte puede dar lugar a series con el modelo de la producción industrial. Se trata del primer ataque contra la noción de Obra, porque la obra en el clasicismo y en el romanticismo era por excelencia algo único. Esta unicidad de la obra era la traducción de la relación del artista con la Idea, era como una firma única de esta empresa espiritual. Entonces, la repetición, la reproducción y la serialización son procedimientos para destruir la idea misma de obra única.

En segundo lugar, va a haber un ataque contra el artista o, más bien, contra la figura del artista. En el romanticismo, el artista es una figura sagrada, es el garante de la unicidad de la obra y es el que hace comunicar lo infinito con lo finito. Podríamos hablar del Artista-Rey, después del Filosofo-Rey de Platón. Se ha dicho que, en el siglo XIX, existía el Artista-Rey, pero en el arte contemporáneo se producen ataques contra esta figura del artista mediante la idea de que, de alguna manera, cualquiera puede ser artista, es decir, mediante la idea de que el gesto artístico no sólo puede ser reproducido sino que, también, puede ser producido de manera anónima, la idea de que la obra de arte puede no tener firma y de que, quizás, no es otra cosa que la elección de un objeto.          Aquí tendríamos, evidentemente, la revolución propuesta por M. Duchamp, quien pensaba que, por ejemplo, instalar un objeto era un gesto artístico y que todo el mundo era capaz de realizar este gesto, revolución que también partía de la idea de que el arte no es una técnica particular sino que es una elección de medios que no está determinada de antemano.

Ésta es una idea muy importante. En el período anterior, había artes precisas y definidas: estaba la pintura, la escultura, la música, la poesía, etc. Lo contemporáneo va a combatir, también, esta separación de géneros. Va a decir que el gesto artístico no está determinado por sus medios: podemos pintar y cantar al mismo tiempo, sin que se pueda decidir que es lo más importante. Asimismo, se pueden mezclar varias técnicas conjuntamente y hacer desaparecer las fronteras artísticas. De ahí que la figura del artista desaparezca: puesto que, precisamente, el artista ya no es un técnico superior, ya no es un virtuoso, no habrá razones para que el artista constituya una aristocracia. Entonces, en lo contemporáneo, se ataca la noción romántica del “genio” del artista. Y esa sería la segunda crítica de lo contemporáneo contra lo moderno. Y LA PRIMERA????

Inmediatamente encontramos una tercera crítica: renunciar a la permanencia de la obra y proponer, por el contrario, una obra frágil, momentánea, que va a desaparecer. Lo cual va en contra de una gran tradición, como es la tradición de la eternidad del arte: el arte era lo que se elevaba por encima de la desaparición sensible. Por ejemplo, el color de una hoja en otoño esta condenado a la desaparición, sin embargo, el color de una hoja en un cuadro es permanente. De ahí la idea de que la pintura es capaz de crear un otoño eterno y es capaz de detener el movimiento de las estaciones.

Lo contemporáneo va a criticar esa visión y va a decir que, por el contrario, el arte debe mostrar la fragilidad de lo que existe, el paso del tiempo. También debe compartir la muerte, en lugar de pretender estar por encima de la propia muerte. Filosóficamente, diremos que el arte contemporáneo acepta la finitud y, en este sentido, se opone al arte moderno, que abandonó a Dios pero conservó la idea de Eternidad.

Esto nos daría tres criterios de lo contemporáneo:
la posibilidad de la repetición, de la reproducción y de la serie,
la posibilidad del anonimato (resumiéndose, así, todo lo que atañe a la figura del artista) y,
en tercer lugar, la critica de la eternidad y la voluntad de compartir la finitud.

El conjunto de esta filosofía creo que, en realidad, es una filosofía de la vida.

Y lo es porque la vida también se repite y se reproduce, la vida es una suerte de fuerza anónima, la vida también es frágil y está habitada por la muerte.

Así pues, podríamos decir que una ambición de lo contemporáneo es crear “arte viviente”, en sentido estricto, es decir, reemplazar la inmovilidad de la obra por el movimiento de la vida.       

 

¿En qué sentido eso es arte?

Justamente ese es el debate contemporáneo:

si el arte debe compartir la vida, ¿cuál es su función propia? El arte va dejar de ser algo que uno contempla, porque lo que había que contemplar era justamente lo que detenía la vida, lo que iba más allá del tiempo. En cambio, si la obra comparte la vida, la relación con la obra de arte ya no podrá ser una relación de contemplación. El arte contemporáneo va a tomar, entonces, otra dirección, que estará ligada a los efectos que produce: el arte no será un espectáculo, ni una detención del tiempo, más bien será lo que compromete en el tiempo mismo y produce efectos en el tiempo.

 

Se podría incluso decir que el arte clásico es una instrucción para el sujeto, una lección para el sujeto y, en cambio, la obra contemporánea apunta hacia una acción que cuestiona y transforma al sujeto. Lo cual le va a aportar, todavía, una característica más: la ambición política del arte contemporáneo.

¿Por qué va a tener necesariamente una ambición política?

Justamente porque intenta producir una transformación subjetiva, al mismo tiempo que es un testimonio vivo sobre la vida.

Por estas razones, el arte contemporáneo no se va a preocupar por la duración y, en cambio, sí que se va a preocupar por lo inmediato. Va a ser un arte que estará presente en el presente, justamente por que no apunta a la contemplación sino a la transformación.

 

Tendremos, así, dos formas de arte características de lo contemporáneo:

la Performance y la Instalación.

La performance, puesto que sólo existe en el instante, es lo que se muestra en un momento dado. Finalmente, se relaciona con el teatro. Aunque se trata más bien de un teatro sin texto, un teatro que es, en sí mismo, su propia presentación y que puede incluir momentos visuales o plásticos, puede incluir la danza (la danza, para mí, es muy importante en lo contemporáneo, también la música, etc).

Entonces, la performance es un lugar de encuentro de las artes, es el paso de la emoción artística y no su detención.

 

En cuanto a las instalaciones, cumplen en el espacio lo que la performance cumple en el tiempo y disponen en el espacio un conjunto de elementos, de colores, de objetos que es efímero, que está instalado y que va a estar también desinstalado, apoderándose del lugar del espacio por un momento, exactamente igual que la performance se apodera por un momento del tiempo y, después, desaparece.

Lo que tenemos es un arte satisfecho con su propia desaparición, un arte que muestra su capacidad de desaparecer.

Todo lo contrario al arte contemplativo, porque lo que se contempla es lo que no desaparece. En cambio, el arte contemporáneo muestra su desaparición: no sobrevivirá.

De esta manera podemos entender los problemas del arte contemporáneo y la palabra contemporáneo. Contemporáneo quiere decir todo esto y, en detalle, van a resultar una cantidad de proyectos diferentes que van a utilizar todas las técnicas y medios. Por ejemplo, en este tipo de arte la imagen artificial, el vídeo, etc., juegan un papel muy importante porque también es un arte de la imagen en movimiento.

Después de todo lo anterior, quisiera hacer una incursión en la crítica del arte contemporáneo. Haciendo virtud de mi oficio de filósofo. Con respecto a lo contemporáneo siempre será cuestión de formular una pregunta. Con lo cual lo que haré aquí serán críticas virtuales, si se quiere, críticas que uno podría hacer y que yo voy a hacer para demostrar que, precisamente, se pueden hacer.

Pienso que pueden hacerse tres críticas posibles:

una critica ontológica,
una critica estética
y una critica política.

Esas críticas conciernen a formas extremas del arte contemporáneo, y no tanto a la tentativa del arte contemporáneo mismo.

Creo haber demostrado que el arte contemporáneo es fuerte e interesante.

En cuanto a la crítica ontológica, es la siguiente:
creo que la filosofía del arte contemporáneo es una filosofía de la finitud pero también es una filosofía del tránsito y la desaparición. Ahora bien, no es seguro que ello esté completamente justificado. Puede suceder que, el ser mismo, acepte lo infinito y, también, puede suceder que el tránsito y la movilidad no sean más que apariencias. Podríamos decir que el arte contemporáneo toma posición en el gran conflicto entre Parménides y Heráclito, sólo que 3000 años después. Sabemos, aunque sólo sea a nivel escolar, que Parménides declaraba que el Ser es uno, eterno e inmóvil y que Heráclito declaraba que el Ser es móvil, pasajero y múltiple. Toda una parte del arte contemporáneo está del lado de Heráclito, eso es innegable. Es una elección, pero hay que saber que es una elección y que el arte contemporáneo está sostenido por esta elección filosófica. Y aquí podría haber una primera discusión sobre este punto, una primera crítica virtual posible.

La crítica estética seria la siguiente:
gran parte del arte contemporáneo rechaza la diferencia entre la forma y lo informe. Conocemos la existencia de un arte del desecho, un arte de lo que aparece como informe, conocemos esa tendencia artística que aspira a deformar toda forma, a exhibir como gesto artístico la deformación y no, simplemente, la invención de una forma. También existe un arte del horror y de lo desagradable, un arte de cadáveres en formol, un arte Trash. Son tentativas justificadas pero pienso que, estéticamente, esta equivalencia entre la forma y lo informe es también una trascendencia escondida, porque recuerda una dialéctica muy importante en el arte romántico entre lo sublime y lo abyecto. Esta dialéctica de lo abyecto y lo sublime, el hecho de que lo inferior también pueda ser superior es, en realidad, una dialéctica romántica y, quizás, buena parte del arte contemporáneo sea un romanticismo escondido, precisamente por lo que respecta a esta figura de la dialéctica entre lo abyecto y lo sublime. Por lo demás, se sabe que esta dialéctica siempre ha formado parte del cristianismo, donde los monjes debían vivir de manera abyecta, en la pobreza y en la suciedad, para que su pensamiento estuviera dirigido a Dios y, entonces, se produjera un momento donde lo abyecto se transformara en sublime. En buena parte del arte contemporáneo siento esto, siento este cristianismo estético y, en el fondo, sospecho de esos artistas que quieren ser santos para restablecer e inscribir en lo abyecto, en lo informe, la aspiración escondida a lo sublime y lo santo. Esta sería una crítica también estética a una parte del arte contemporáneo.

Y, finalmente, la crítica política es la siguiente. En nuestro mundo, ¿cuál es el gran modelo de lo que es inmediato, de lo que circula, de lo que sucede, de lo que muere en cuanto aparece, lo que debe ser consumido y después debe desaparecer? El modelo de todo esto es la mercancía.

Hay que ver claro que la ideología de la finitud, de la equivalencia de las cosas, de su inmediatez, la idea de que el propio arte debe estar en la circulación anónima, el hecho de que nada debe ser contemplado, pero que todo debe ser consumido, es la ideología de la mercancía y, quizás, encontremos ahí el secreto de esto que es muy evidente: la existencia del mercado del arte, especialmente del mercado del  arte contemporáneo, en donde la valorización no genera ningún problema pues obedece a las mismas leyes de la oferta y la demanda, leyes que regulan la circulación de las mercancías. En el fondo, podríamos decir que en el arte clásico y moderno la obra de arte es un tesoro, se basa en el modelo del tesoro. Un tesoro es aquello que podemos guardar en nuestro sótano, aquello que vamos a contemplar, lo que vamos a poseer como un objeto. Por otro lado, los museos exponen tesoros. Es justo criticar esta visión del arte, esta identidad de la obra de arte y el tesoro. Pero es de temer que, después de haber sido un tesoro, el arte, ahora, no sea más que una moneda, que allí donde estuvo guardada se abstendrá de circular y allí donde debería quedarse va a desaparecer.

El arte contemporáneo es, por tanto, el arte de la época financiera del capitalismo, admitiendo que el arte clásico era el arte de la época del tesoro. El arte contemporáneo es, realmente, el arte de nuestro tiempo, pero, quizás, es tanto su ilustración como su crítica, existiendo, en todo caso, una ambivalencia entre ambas, así como en otras épocas el arte era, al mismo tiempo, esplendor crítico y, también, un tesoro. Las formas del arte contemporáneo no nos permiten salir de esta ambivalencia.

¿Qué hacer? Creo que el arte debería transformarse en algo más afirmativo que, más que criticar el estado del mundo y criticar el arte mismo, debería buscar los recursos secretos del mundo, las cosas positivas pero escondidas, los elementos de liberación que aún están a punto de nacer, que están naciendo. Y ello manteniendo sus orientaciones contemporáneas, y su importante violencia crítica. El arte debería ser, también, una promesa, debería prometernos algo dentro de su capacidad subversiva. Hay que desconfiar de la consolación, pues el arte no ha de ser consolador y no está para mecernos, aliviarnos o protegernos. Pero prometer es otra cosa.

Pienso que estamos en un tiempo en el que es esencial recordar lo que es el mundo a través de la propia fuerza del arte, a través de su nueva fuerza contemporánea. Pero, asimismo, el arte tendría que decirnos lo que podría ser, como reverso del propio arte. También es una función del arte tener una visión de futuro. No siempre hay que anunciar el desastre, aunque haya razones para hacerlo. Creo, más bien, que el arte debe decir que el desastre es posible, que quizás es más que probable, pero que podemos evitarlo. Tiene que decir, también, que algo en todo ello depende de nosotros, a eso es a lo que yo llamo una promesa.

Entonces, diré, simplemente, que el arte contemporáneo despliega todas sus funciones multiformes y sin forma, pero que también tiene la capacidad de recordarnos todo aquello de lo que somos capaces.

Alain Badiou

Buenos Aires, 11 de mayo de 2013

Trascripción y corrección de la traducción directa: Brumaria



[1] Ojo descubierto en el blog de Tomás: COMENTARIOS A ALAIN BADIOU
http://antimuseo.blogspot.com/search?updated-min=2013-01-01T00:00:00%2B01:00&updated-max=2014-01-01T00:00:00%2B01:00&max-results=11

AQUI ADJUNTO UN DOC CON TODO MAQUEADO, Alain Badiou-sobre arte contemporáneo

La Ley de Arte

El arte en cuestión y la ley del arte, los acabo de descubrir en este hilo de encuentros casuales.

Rafael, mi Rafael nombra a Vicente Jarque, busco referncias suyas y llego a este artículo, de el blog EL ESCALPELO CRÍTICA  A LA CRÍTICA, donde se crítica la crítica que Viecnte Jarque hiciera hace ya unos años a la exposición que en la sala parpalló de Valencia tuvieran Isidoro Valcarcel Media, Daniel BAdujar y Rogelio López CUenca, osea, segun mi criterio, de los mejorcitos de este país. Esta crítica le da un tirón de oreja a Jarque, y le recomiendo haber entrado enel blog del proyecto, LAS HERRAMIENTAS DEL ARTE:

 

“El origen de esta publicación se encuentra en el proyecto expositivo Herramientas del arte. Relecturas, presentado en la Sala Parpalló de la Diputación de Valencia entre el 24 de junio y el 30 de septiembre de 2008. La intención inicial era realizar un proyecto artístico que incluyera dentro de sí varias partes, a modo de niveles o capas de actuación, que retrataran la versatilidad de medios y agentes que implica el arte contemporáneo, entendido aquí como una práctica poliédrica que refleja situaciones y comportamientos socioculturales complejos. En este sentido, el concepto de herramientas venía a indicar la ductilidad del medio artístico como contenedor de ideas, teorías, propuestas, acciones y reflexiones salpicadas –cuando no surgidas directamente– de otros campos teórico-prácticos. La elección de los artistas Isidoro Valcárcel Medina, Rogelio López Cuenca y Daniel G. Andújar, en cierta forma representantes de momentos diferentes del arte español aunque plenamente coetáneos, venía a abundar en la idea polimorfa (técnicamente hablando) y polisémica (conceptualmente) del proyecto. Al mismo tiempo, y de forma implícita, se buscaba generar un enfrentamiento entre la institución arte –con sus políticas y su gestión, sus presupuestos y sus espacios canónigos destinados a exponerse y exponer el arte– y las prácticas realizadas desde planteamientos radicales; en resumen, se promovía un cara a cara entre quienes piensan el arte como función y quienes lo gestionan como parte integrante de su producción exhibidora.”

La publicación incluye textos de Marina Garcés, Belén Gopegui, Daniel G. Andújar, Rogelio López Cuenca, Miguel Morey, Antonio Orihuela, Virginia Villaplana, Valentín Roma, Nacho Paría y Álvaro de los Ángeles, así como la “Ley del arte” de Isidoro Valcárcel Medina.

 

Y al hilo de esto encontre a Isidoro: isisdoro valcarcel-medina

Y a su LEY DEL ARTE:

Las leyes del estado que se ocupan de temas artísticos los conciben siempre con una visión ajena a la creativa. Es así como se tratan asuntos de “patrimonio” (en la ley 13/1985), o de “propiedad” (en la ley 22/ 1987), o de “mecenazgo” (en estudio actualmente). Es, sin embargo, incuestionable la importancia que para la formación, riqueza y amplitud de los espíritus tiene un adecuado reconocimiento del papel de la creación.

……

Si en un estado democrático prima el interés de la colectividad, si para tal fin se dictan normas que facilitan la promoción del individuo e impiden exclusividades indignas, si, en una palabra, el dicho estado democrático ha de vigilar exquisitamente el acceso de sus ciudadanos a la libertad más exigente, ¿de qué modo mejor que con la expansión omnipresente de la cultura podrá lograr ese fin, y qué otro camino más claro y seguro que aquel que concede al hombre cauce para expresar su creatividad y amplias oportunidades para gozar de la de los demás?

…….

Esta ley trata de poner en marcha, legitimar, recordar (si preciso fuera) la digna tarea que compete al ciudadano de, dando salida a sus inquietudes, enriquecer al conjunto social y, como no podría ser menos, a la entidad que constituye el Estado español, ya que difícilmente habrá materia o lenguaje más universal que el del arte, ni sustancia que más aporte a la categoría y reconocimiento de una nación; y ése resultaría el caso al actuar España como pionera entre los estados incluyendo en su ordenamiento legal lo concerniente a esta trascendental faceta.

Esta visión del arte justifica la orientación que, en el párrafo segundo de este preámbulo, se asigna a la ley, calificándola no sólo de reguladora (cosa común a cualquier ley), sino de promotora, concepto en el que radica su principal calidad y su intrínseca función.

……

Queda clara la intención del Estado de apoyar el acceso al profesionalismo de aquellos ciudadanos que sientan esta llamada; pero también que, por encima de todo, el Estado viene obligado a respaldar en todo momento el derecho constitucional de expresión y por ende, a primar el ejercicio no especializado del arte.

 

BUENO SEGUIREMOS CON ISIDORO VALCARCEL MEDINA, CUANTO MÁS LEO MÁS ME GUSTA

 

Global justice movement and OWS

Ayer estuve en la presentación de Jackie Smith, del Department of Sociology, Stony Brook University, State University of New York. El título de su presentación: Social Movements and Political Movements, Global Justice Movement and Occupy Wall Street.

Lo primero que hizo, fue presentarse. Es editora de la revista JOURNAL OF WORLD-SYSTEMS RESEARCH, y tiene publicados unos tantos libros: Social Movements in the World-System The Politics of Crisis and Transformation. Tenéis la introducción en el link, el libro gira en torno al World Social Forum, del que ella fue participe. Sus derivas, su creación y sus movimientos transnacionales:

In this book, therefore, we draw from theories of social movements, world culture or polity, and world-systems to uncover the ways institutions mediate between political actors and world-systemic dynamics to define the opportunities and  constraints social movements face. We show how in this process social  movements introduce ideas  and models of action that help transform both the actors in this system as well as the system itself.

SmithWiestFinalCover

También es una de las organizadoras de una conferencia que se llamó, REAL UTOPIAS, que podría quedar bien resumido en este párrafo:

They suggest innovative avenues for thinking about “utopias” and understanding the kinds of conceptual and social innovation necessary to move us from a world system based in exploitation of people and the environment to one that is in harmony with the earth. They draw from ancient yet marginalized wisdom to suggest concepts such as buen vivir (living well), filoxenia (hospitality and generosity), and kerasma (gift-giving) that can orient  non-capitalist social orders and sow the seeds of system transformation.

Recuperando el arte del buen vivir!!!, real utopias, va en la línea de nuestros ingenios, localizando nuevas vías de hacer las cosas… de vivir vaya. También tiene un manual: Handbook on World Social Forum Activism y Social Movements for Global Democracy

Y tras presentarse comenzó a hablar, y en resumen dijo que el social forum empezó en Puerto Alegre, que esperaban pocos y llegaron miles, que en encuentro paso de ser anual a ser bienal porque es demasiado trabajo, dijo que estos años pasados se ha celebrado en Tunez, y dijo que los nuevos movimientos no son los que eran y que ahora se basa todo en lo relacional, en relaciones vaya, pero que las relaciones se establezcan con gente que quizá tan solo has visto un día en años, pero con la que tienes confianza por tu contacto en red. Pero como el público eran undergraduate de sociology en UCM, el foco de atención era la necesaria transformación de las metodologías de la disciplina. Más en cuanto a toma de datos, observación participante e implicación real en la “lucha”, que en cuanto la modo de presentar tales datos. Las preguntas que Smith se hacía eran tipo: ¿Cuales son las destrezas que podemos aportar a la lucha? ¿No seremos necesarios para contra lo que pasa, tomar registro de un movimiento que arranca con la conversación? ¿Cómo sociólogos, dónde nos ponemos?

Y en cuanto al OWS, me da a mi que muy claro no lo tenía: ¿En las Asamblea General de OWS, dónde estaban los negros, dónde la clase trabajadora?.

Hablo de un tal Jeffrey Juris, (del que acabo de descubrir la publicación Mobilization), … y siguió preguntando… CONTINUARÁ

Derivas Posibles: Arte, Disidencia y Contradicción

DERIVAS ARTÍSTICAS POSIBLES:
ARTE DISIDENCIA Y CONTRADICCIÓN EN UNA CIUDAD CONVULSA

 

He decidido, como ejercicio personal y para intentar hacerme entender, escribir esto
que aquí sigue así a “chorro plomo”, es decir, hacer un ejercicio de escritura a la Vila
Matas quien siempre dice que no tiene idea lo que va a escribir hasta que no se pone
a ello. Así pues y dado que mis líneas de trabajo son variadas y mi deriva final, y su
consecuente resultado (ósea, un libro), aun no se como se van a materializar, me
gustaría, con todos vosotros, intentar aclararme y aclararos y así, quizá, definir el
sprint final. Se que es poco o nada ortodoxo pero al cabo, para que mentir, he ido
aprendiendo a la marcha y este campo, la antropología, se me aparece fascinante, a
veces, rigidizante, otras, así que inventé mi propio camino, que se ha construido como
diría Serrat, al caminar y ahora, al volver la vista atrás, solo veo una senda que, me
guste o no, si debo volver a pisar.

Dice Sarah Thorton en sus “7 días en el mundo del arte”, que este termino tan
manido, arte, es cuanto menos escurridizo y cuanto más, inasible. Ella soluciona este
problema de una forma rápida. El arte no es lo mismo para un profesor de una
escuela californiana mítica especializado en conceptual, que para el director de la
revista Art Forum, que para el dueño de una casa de subastas, que para un galerista,
que para un artista (ganador de los Turner), que para Murakami, otro artista
catapultado en el éxito comercial internacional, que para el director de uno de los más
prestigiosos museos de arte contemporáneo del mundo. No es lo mismo para cada
agente que conforma la tupida trama de “el arte”. Esto es obvio y esto, bajo esta
perspectiva, podría solucionarse así. Se narra, se parcela, y se adentra uno en la
realidad concreta de cada posible acercamiento en siete capítulos que conforman el
libro. Muy interesante y muy bien escrito pero, me temo, demasiado cerrado al
campo del arte, que si, quizá allá muerto como tal, como “campo”, pero no cabe
duda que tiene teniendo sus estructuras, sistemas, movimientos y fronteras. Ese
sistema, el de “el arte”, no es exactamente el que me preocupa.

En Madrid, la otra noche, el viernes, hubo una convocatoria de agentes culturales, no
de artistas, ni de gentes enredadas en el “arte” sino en, y aquí la cosa se me complica,
“la cultura”. No pude evitar, mientras escuchaba la asamblea del grupito al que me
adherí, la de los “disidentes”, la de aquello que no tenían claro como definirse, no
pude evitar digo, marearme con las derivas en torno a la posible definición de este
término, “cultura”. Uno decía una cosa, otro otra, el siguiente una mezcla de ambas.
Tenía la sensación de estar en un deja vu, eso ya lo había oído, igual ya había estado
sentada en esa mismísima plaza hacía ya mucho tiempo. Luego me acordaba del
performance de Los Torreznos, “La cultura, la cultura, la cultura…. (unos 5800
veces)”. Me daba la sensación que el sector cultural de esta ciudad estaba paralizado
en una acción verborreica y poco eficaz, me daba la sensación pero claro, podía estar
equivocada.

En esa reunión estaban presentes directores de departamentos de Museos, al menos
del buque insignia del arte contemporáneo, mediadores culturales de los centros de
arte más significativos (MediaLab, Intermediae, Matadero, Casa Encendida), había
agentes independientes muy activos en el panorama, había artistas, filósofos,
directores de espacios… en fin, de algún modo allá estábamos todos, y digo estábamos
porque aunque yo sea un agente un tanto extraño y de difícil calificación de algún
modo estoy en el paisaje, sea este el que sea y se dedique al arte, a la cultura, a una
mezcla, o se dedique a la ciudadanía, a la hibridación de lo uno con lo otro o al
hackeo permanente de todo lo anterior. Osea, me da la sensación que esta ciudad está
convulsa, además de por la crisis, porque vivimos el tiempo del prototipo, del
experimento, del ensayo error, de la prueba y la práctica. De la reinvención de todo y
de todos, hasta de nosotros mismos.

El otro día Jordi Claramonte acabó su clase de netartivismo (el módulo que damos
juntos en el máster de Victor Sampedro, CCCD), con una deriva en torno a la
estética. Hablaba de lo efectivo, lo que hay, de lo posible, lo que es de una manera
pero podría ser de otra, y lo necesario, lo que es pero no podría ser de ninguna otra
manera. Lo efectivo, sería lo cultural, el paisaje, que tendrá como contraparte lo
inefectivo. Lo posible sería lo estético, cuya contraparte sería lo imposible. Y lo
necesario, lo que no podría ser de otro modo sería el arte cuya contraparte andaría en
la contingencia.

Parece pues que vivimos un tiempo de posibilidad, porque vivimos en la santificación
del experimento, al más puro estilo primera vanguardia. Los museos viven de
experimentos porque no tenemos repertorios, no hay complejidad, y no hay
autonomía. Nuestra cultura es “disposicional”: “es como un gozoso sempiterno juego
de posibilidad y de experimento… carecemos de una cultura de conflicto”.
Aunque aun esté por asimilar completamente este asunto, si diré que intentar hacer
una visión panorámica de este terreno experimental, que deriva en su obsesión por
diseccionarse, que se junta y se separa, que se mueve acompasado a veces y
desacompasado otras, un terreno en el que, además, subyacen los más comunes
modos de relacionarse a la castiza, con todo lo que de “espumoso” tiene el asunto, me
obliga a decidir que camino recuperar de entre unos tantos.

Esos tantos vienen a ser mis DERIVAS ARTÍSTICAS POSIBLES:
ARTE DISIDENCIA Y CONTRADICCIÓN EN UNA CIUDAD CONVULSA:

POSIBLE DERIVA 1
Colectivos independientes. Jóvenes de muy diversa procedencia, siempre muy bien
preparados, con varios idiomas, capital social amplio, etc. que se juntan, quizá de
modo casi orgánico, quizá no, y que acaba conformando asociaciones que mueven “la
cultura” (sea esto lo que sea). Hacen conciertos, exposiciones, debates, charlas,
convocatorias, escriben artículos, editan revistas, van a inauguraciones… conforman
en suma el tejido cultural madrileño más comedidamente disidente. Abogan por una
cultura libre y participativa. Quieren una ciudadanía activa y suelen circunvalar,
antes o después, la trama de galerías de la ciudad. En fin son muchos, tienen variados
nombres pero de algún modo podría seguírseles la pista dentro de similares, sino
idénticos, contextos. Hago una lista que conformaría el índice de un posible libro para
nuestra editorial Esto no es Berlin, sería un recopilatorio, sin muchas pretensiones.
Diré que en principio hablábamos de llamarlo RIP (Rest in peace), pues son proyectos de corta
duración, unos tardan un año en nacer y morir, otros 3, otros tantos aguantan un
poco más… tienen algo de resplandores, una vez más, en un tiempo convulso:
Aperitivo Cultural, Liquidación Total, Mediodía Chica, No Estudio, Off Limits, ¡JA!,
Calipsofacto Curators, C.A.S.I.T.A., Colectivo Catenaria, Cruce, Daños Colaterales,
Derivart, El Intercambiador, Entresijos, Espacio 8, Epacio F, Espacio Islandia,
Espacio Menosuno, Espacio Trapezio, Fast Gallery, Felipa Manuela, Gato con
Moscas, Gremio, Hablar en Arte, Hambre, La Casa Franca, La Más Bella, La
Pandemonio, Left Hand Rotation, Luzinterruptus, Negocios Raros, NOWWWH,
Paisaje Tranversal, PKMN, Rampa, Se Alquila, Sofá Underground, Taller de
Casquería, Transito, Todo por la Praxis, Zuloark… Y seguro que hay muchos más,
aunque digamos que aquí además de estar los más representativos, son colectivos en
cuyas filas pululan “agentes” a los que llamo “fundamentales”.

POSIBLE DERIVA 2
Durante el arranque de este año hemos asistido al proceso que pretendía terminar en
el Plan Estratégico de Cultura del Ayntamiento de Madrid, PECAM. Durante
muchos días y en muchas sedes, aunque fundamentalmente en el inquietante nuevo
buque municipal, CENTRO_CENTRO, han tenido lugar una suerte de reuniones,
mesas de debate, puestas en común… etc., que pretendían generar las líneas de
actuación para “la cultura” en la ciudad de Madrid durante el 2013, 2014 y 2015.
Corto y pego aquí la retórica institucional para llamar a la participación:
Las Jornadas de reflexión La cultura de Madrid a debate, organizadas en el marco del
proceso de elaboración del Plan Estratégico de Cultura del Ayuntamiento de Madrid
(PECAM), abren un foro para la participación activa y el diálogo, propiciando un ejercicio
colectivo de análisis y reflexión conjunta para estudiar posibles modelos y planteamientos en la
gestión pública de la cultura.

Durante el proceso, que ha sido amplio y ha tocado a muchos sectores, yo me interesé
por una de las mesas. Se llamó: “Mesa de Ciudadanía y Gestión de lo Público”. Esta
mesa se reunió durante las jornadas establecidas por el ayuntamiento, con sus fechas
fijas, lugares y horario pre-establecido, y luego, cuando acabó el marco estrictamente
institucional, se siguió reuniendo, casi siempre en Intermediae. En esta mesa hay
representantes tanto de la academia, como del ayuntamiento, como de centros
ocupados, de otros cedidos, y sobretodo, al margen de algún que otro ciudadano a
secas, hay miembros de los colectivos arquitectónico-artísticos que están operando de
un modo más activo en el terrenos de “lo público”. Estos colectivos, y esta mesa, han
focalizado otro de mis ámbitos de interés. Digamos que, y para no largarme mucho
(esto lo conversamos largo el viernes), aúnan la práctica, la táctica, la acción, con la
estrategia, la conversación, el debate, el diálogo, los textos informes, citas… etc. Son:
PKMN; Paisaje Transversal, Derivart, TXP, Basurama, Zuloark, Taller de casquería,
Arquitecturas Colectivas… También y en otro ámbito,  participan gentes de muy
variados colectivos más cercanos al activismo ciudadano, las gentes de huertos
urbanos, de bici crítica, de pedalibre… La idea de esta mesa es generar un lugar de
aprendizaje en el que técnicos de ayuntamiento de Madrid se acerquen a los
“experimentos” ciudadanos que han conseguido, de modo siempre algo
rocambolesco, una cesión para poder, libremente, hacer “cultura”. El objetivo
(estratégico) es pues generar, juntas, unas nuevas vías para que cualquier hijo de
vecino pueda, en un momento dado, convertir un solar abandonado, un edificio sin
uso o un local vacío en un centro de cultura”. Para ello se ha arrancado a hablar con
casos como “La Plaza de la Cebada”, los de “Monta Marta”, los de “Esto es un
Plaza”, y “La Tabacalera” (aunque debo decir que a la tabacalera no se le hace
mucha caso, porque la tabacalera es del Ministerio y no del ayuntamiento, y digamos,
siempre es “otra cosa”).

POSIBLE DERIVA 3
Agentes culturales independientes, los que si saben lo que hay.
Me planteo muy a menudo que tal vez el modo en el que mi etnografía es más
eficiente es cuando, y precisamente, creo que no estoy “haciendo etnografía”. Mis
amigos, si me paro a pensar creo que “todos”, están implicados en la gestión de “la
cultura” de la ciudad, son agentes activos y digamos dedican casi casi casi las 24 horas
de su tiempo a esto, además se enteran de todos los entresijos, porque no están en
puestos de poder, cuando hablas con gentes en puestos de poder las palabras que
recibes no son tan veraces como habrían de ser. En cambio si estas tomando algo con
una amigo y te empieza  a contar… bueno, en fin, esto de “que quede entre tu y yo” te
desvela mucho más de lo que nombra. Nur que además de ser responsable de “Se
Alquila” ha trabajado en Caixa Forum y ahora es mediadora del MNCARS; Vanesa,
responsable de “El Ranchito”, del Escarabox (la terraza del Matadero Madrid), y
ex miembro de TXP, hoy volcada en InCreasis; Tomaso, Intermediae; Tina Paterson,
mediador y dinamizador  en Medialab Prado; Alejandro Simon, extensión Universitaria de
Bellas Artes; Rafa, agente independiente pero con un pie en las calles (en “la lucha”
como el dice) y otro en muchas propuestas institucionales, “y por que no dejamos de
ser artistas”, “campoadentro”… me interesa porque reflexiona mucho en torno a qué
es el arte y qué es la política, una reflexión, por otra parte que está apareciendo de
modo recurrente en las revistas más especializadas mostrando una clara
“contradicción”, esto es, se habla de arte útil en un número, y se habla de la clara
diferenciación entre ambos (arte y política) en el siguiente (hablo de la revista del
colectivo Democracia, Noles Volens)… Luego estarían los agentes que nada tienen
que ver con la institución, que aunque son pocos, también los hay, en particular me
interesa el colectivo GILA (Toque a Bankia, Lola Flores… etc.)
Esta tercera deriva requeriría una incursión mucho más profunda en un campo en el
que ya me muevo bien.

POSIBLE DERIVA 4
Y mi cuarta posible deriva era la que desde un principio pensaba hacer, aunque no se
yo si, ahora visto lo visto y vivido lo vivido, se quedaría un poquito corta. Esta deriva
pretendía hacer unos retratos. Al modo de “Antología del Humor Negro” de André
Bretón, quería hacer una suerte de “caleidoscopio” de agentes madrileños. Las
entrevistas que llevo hechas han sido orientadas a esta idea. La cuestión sería que
cada retrato se compusiera de un “monologo” del personaje, cada cual hablando de si
mismo, hablando de la ciudad, hablando del tiempo convulso que les toco vivir desde
su experiencia. La metodología, dejarles hablar largo y tendido y una vez transcrito
arrancar una correspondencia vía mail, claro está, en la que “a cuatro manos”,
fuésemos puliendo el texto de cada cual. Sería un poco como las memorias que
Altoaguirre hizo de su abuela Concha Méndez, “Memoria Habladas, Memoria
armadas”. La grabación de Concha Méndez recuperando su propia vida trabajadas
entre ambas y “armadas” para terminar en un Libro. No he descartado aun está idea
que, de algún modo, me permitiría trabajar con muchos personajes que en mis
derivas han aparecido y que siempre tienen un role marginal cuando habrían de tener
mucha más visibilidad.

Este caleidoscopio tendría una introducción de mi puño y letra para cada personaje,
en ella incluiría asuntos más al uso en teoría del arte, derivas historiográficas, marcos
conceptuales… ejemplos pasados, etc…

Ala. Y eso es todo amiguitos.
¿Cómo  lo ven?

Colectivos madrileños, I

Taller “Agrupaciones de artistas en Madrid – Experiencias asociativas”

Fechas: miércoles 18, jueves 19 y viernes 20 de abril de 2012

Horario: 18:00-20:30 h.

Lugar: La Trasera (Facultad de Bellas Artes de la UCM) + talleres y espacios gestionados por artistas

Plazas: 20

Hablar en Arte propone un taller sobre agrupaciones de artistas que desarrollan proyectos culturales mediante el trabajo asociativo. La idea es invitar a seis colectivos, algunos de cuyos miembros estudiaron en la UCM y ahora trabajan activamente en la ciudad de Madrid, para que compartan sus experiencias con los estudiantes de la Facultad de Bellas Artes, a quienes va especialmente dirigida esta actividad.

En esta primera ocasión, a la que desgraciadamente no pude ir, asistieron:

HABLAR EN ARTE

hablarenarte: es una plataforma independiente de proyectos que trabaja en el apoyo a la creación, difusión y promoción de la cultura contemporánea.

Entre sus líneas de acción, hablarenarte:

  • Promueve comisariados de exposiciones y eventos de artes visuales, plásticas y escénicas tanto a nivel nacional como internacional.
  • Conceptualiza y desarrolla programas de actividades educativas, de mediación y acciones de cooperación cultural y social.
  • Difunde la creación contemporánea nacional a través de publicaciones, recursos audiovisuales y redes profesionales internacionales de colaboración.
  • Asesora y formula estudios para entidades públicas y privadas e imparte cursos de formación en el ámbito de la gestión cultural.

no tiene un espacio expositivo propio y desarrolla siempre sus proyectos en colaboración con instituciones públicas y privadas y agentes culturales interesados en acoger y apoyar sus propuestas.

PROYECTO RAMPA

Rampa es un espacio ubicado en el barrio madrileño de Carabanchel. Se trata de un lugar híbrido que funciona como lugar de trabajo personal y como espacio de elaboración e intercambio cultural en el ámbito de la ciudad de Madrid.

Nuestra intención es dar respuesta a la escasez de espacios de exposición, debate y creación cultural no institucionalizados; de esta manera, Rampa propone un lugar donde idear, albergar y co-producir proyectos que, entre otras cosas, cuestionen los propios formatos de la cultura contemporánea.

ESPACIO MENOSUNO

Espacio Menosuno, es una asociación que desarrolla proyectos artísticos y culturales de diferentes naturalezas; exposiciones, talleres, eventos, ciclos…

(de los más veteranos de nuestra ciudad, ubicado en el barrio de Malasaña, creo que ya no está abierto la público por las complicaciones propias del sector cultural, esto es, la ruina ne la manutención de proyectos potentes e independientes)

MEDIODÍA CHICA

La Asociación Cultural Mediodía Chica es un espacio situado en el barrio de La Latina, en Madrid, como centro de producción artístico y cultural independiente, multidisciplinar, participativo, abierto y en contínua transformación, donde se dan lugar tanto como producción de obra artística de sus artistas residentes, como de gestión cultural y de arte, abierta a todo tipo de proyectos y donde cualquier persona puede proponer eventos relacionados con el arte, el diseño, la ilustración, artesanía, cine, música, baile, etc.

Desde hace 5 años Mediodia Chica viene desarrollando su actividad en la que en ese tiempo se ha convertido en un espacio de referencia dentro del circuito de espacios culturales independientes.

INTERCAMBIADOR

Intercambiador ACART is a cultural association based in Madrid. Organizes an international Artist-In-Residence program and exchanges between Spanish and foreign artists. Including open studio presentations, lectures and exhibitions. This bilateral residence program focuses on the active practice of the artists. The association was founded and is coordinated by an artist-collective, with the goal to increase the resources for artistic practice and to establish international relations with other artists and associations. Intercambiador is establishing working channels with foreign cultural initiatives, and at the same time continuing and developing the Intercambiador offers to each guest-artist: a workspace in the shared association atelier; a room in a shared artist-house; a working period of 2 months and 20 days, in and around the studio in Madrid; an artist-talk in the Faculty of Fine Arts in Aranjuez (Part of Universidad Complutense de Madrid); an exhibition in Quinta del Sordo in Madrid.

HAMBRE

HAMBRE es un proyecto de impulso, reflexión y análisis de la situación del arte contemporáneo en sus múltiples facetas, a la vez es una búsqueda de nuevas vías de exposición, de canales inéditos de desarrollo de la obra de arte, de difusión de trabajos artísticos y de participación en el proceso de creación y reflexión en todos sus niveles, uniendo a profesionales del arte con el entorno social y la comunidad donde se generan. Lugares reales donde encontrar un público real.

FAST GALLERY

FAST GALLERY es un proyecto dedicado a la producción de experiencias artísticas compartidas y la investigación de formatos expositivos. Su trabajo parte de la colaboración con creadores y artistas de su entorno y se materializa en acciones efímeras de naturaleza cambiante y periodicidad indefinida.
FAST GALLERY opera como colectivo en los aledaños del circuito del arte, configurando espacios abiertos donde se mezclan diferentes disciplinas y prácticas transversales y en los que adquiere especial relevancia la participación del público.
En un posible esquema que situase las figuras del artista, el comisario, la institución, la galería, como nudos más o menos fijos dentro del tejido cultural, FAST GALLERY actuaría como elemento libre que circula entre todos estos estos puntos, formando nuevos nodos de carácter más volátil por su temporalidad, constituidos mediante el ejercicio de la actividad concreta y singular, sin necesidad de identificarse con entidades y formatos cerrados o creados a partir de patrones repetitivos.



Coordinan
: Hablar en Arte y Vicedecanato de Extensión Universitaria

Financia: Vicedecanato de Extensión Universitaria

Más info: www.bellasartes.ucm.es/agrupaciones-de-artistas

Colectivos madrileños, II

Durante los días 16. 17 y 18 de diciembre de 2012 HABLAR EN ARTE organiza la segunda convocatoria, en la trasera de Bellas Artes, de su Taller AGRUPACIONES DE ARTISTAS EN MADRID – EXPERIENCIAS ASOCIATIVAS.

 

En esta ocasión vienen:

SANDWICH MIXTO
Inusual. Puede. Sabroso, seguro. Cuando todo el mundo habla de “mercados”, nosotros nos plantamos en el “mercao”, esto es, en el mercado de Antón Martín. Entre una frutería y una herboristería, hemos puesto en marcha un espacio para la creatividad Sandwich Mixto: una dirección secreta en la que encontrar fanzines -publicaciones autoeditadas- de artistas españoles y pequeñas sorpresas culinarias: un sandwich de queso de cabra con mermelada de caramelo de violeta, un pedazo de pastel de verduras o una tarta de zanahorias acompañados de un café de Colombia o un vino seleccionado por el sumiller Pedro de Diego. A dos pasos de la filmoteca y el Reina Sofía, un alegato a favor de lo terruño no exento de una cierta nostalgia por las publicaciones en papel, la verdadera creatividad y el Madrid de los mercados tradicionales. A nuestros clientes les citamos aquí y a nuestros amigos, algunos sábados, les invitamos a una bebida si tocan un pequeño concierto, si participan en el concurso de tortillas o si se quedan al cierre, con las luces bajas, como en Chung King Express de Wong Kar Wai, pero con melón con jamón.

Este es su blog.

 

TALLER OMNÍVOROS

TALLER (centro de elaboración y recursos)
Hemos rehabilitado y adaptado un espacio de trabajo de 200 metros cuadrados que definimos como taller de producción creativa de alto rendimiento. Este proyecto es una iniciativa personal que surge del cierre y agrupación de varios talleres y estudios particulares, así como del convencimiento de que los recursos con que nos hemos provisto para nuestro trabajo, pueden ser ofrecidos a otras personas que puedan necesitarlos, buscando un ámbito adecuado para ello.
El taller dispone de una zona polivalente de trabajo pesado, un laboratorio de trabajo dedicado a labores más delicadas, un estudio limpio, una zona polivalente, y una oficina que compartiremos con otros proyectos de gestión asociativa. También dispondrá de un área de almacenamiento.

Y los agentes colaboradores: OMNÍVOROS, LA SILLA PÁNICA, PEZIPAJARO, IN-SONORA, ESPACIO MENOSUNO, AM&CO,y asociación cultural t mayúscula.

 

ESTUDIO BENEFICIENCIA

ARTISTAS VISUALES ASOCIADOS DE MADRID, AVAM

AVAM, Artistas Visuales Asociados de Madrid, es la asociación profesional que representa a los artistas visuales que residen en la Comunidad de Madrid. Su objetivo principal es la dignificación del estatus profesional del artista. AVAM es el interlocutor del colectivo artístico ante las administraciones públicas y privadas, mediadores culturales y sociedad en general, garantizando su representatividad en el sector artístico. AVAM forma parte del Consejo de Cultura de la Comunidad de Madrid.

AVAM, entidad profesional sin ánimo de lucro, surge en Madrid en 2003 como, resultado de la fusión de dos asociaciones pre-existentes: AMAVI, Asociación Madrileña de Artistas Visuales Independientes, creada en 1996, y AAPM, Asociación de Artistas Plásticos de Madrid, creada en 1967.

Con más de 500 artistas asociados que provienen de diversos ámbitos de las artes visuales (arte electrónico, dibujo, escultura, fotografía, grabado, instalaciones, performance, pintura, vídeo…), AVAM trabaja para mejorar las condiciones profesionales de los creadores, a través de su intermediación en casos de abuso frente a la práctica artística, de su capacidad de negociación y gestión de nuevos proyectos, y de la realización de actividades cuyo fin es ofrecer servicios a sus asociados.

 

HOLAPORQUÉ

Hola Por Qué somos Ana Escalera licenciada en Periodismo y en Comunicación Audiovisual, y Eduardo G. Villamañán, licenciado en Bellas Artes, apasionados del diseño y la ilustración.

Este proyecto se puso en marcha, casi sin nosotros saberlo, en 1999, cuando nos encontramos y coincidimos, entre otras cosas, en las ganas de crear. Empezamos a trabajar juntos y en 2002 surgió Hola Por Qué en un pequeño local de Malasaña, en Madrid.

Hola Por Qué se convirtió en una marca de camisetas un tanto peculiar y más tarde decidimos funcionar como taller de estampación para otros diseñadores y empresas. Siempre nos hemos movido entre el mundo de la gráfica y la moda.

 

ESTUDIO BANANA
Como te habrás podido imaginar, nuestra especialidad es generar innovación explorando los límites de la creatividad, y de esta manera ayudamos a que los sueños imposibles de nuestros clientes y socios se conviertan en realidades posibles. Studio Banana es una plataforma de creación multidisciplinar líder en el sector. Nuestro equipo multicultural cuenta con expertos en distintos campos, desde los motion graphics y los audiovisuales, a la arquitectura y el design thinking, pasando por la fotografía, el branding, diseño de producto y gráfico, por mencionar unos cuantos. Síguenos si quieres estar al día de nuestros proyectos y experimentos creativos más recientes.

 

EL ÚLTIMO DÍA DE LOS TRES DÍAS DE LOS QUE CONSTA EL TALLER PROPUESTO POR HABLAR EN ARTE SE HARÁ UN RECORRIDO-VISITA, ASÍ PUES AQUI VAN LAS DIRECCIONES:

 

1. Sandwich Mixto

c/ Santa Isabel 5. Mercado de Antón Martín | 28012 | Madrid

2. Taller Omnívoros

c/ Sierra del Segura, 22 | 28038 | Madrid

3. Estudio Beneficencia

c/ Beneficencia 18 bis, 2º izq. | Madrid

4. Artistas Visuales Asociados de Madrid

Paseo de la Chopera 14 | 28045 | Madrid

5. Hola Por qué

c/ Nicolás Morales, 38, 3º 8 | 28019 | Madrid

6. Studio Banana

c/ del Plátano, 14 | 28029 | Madrid

 

PASO AHORA A LOCALIZAR EL TALLER PRIMERA PARTE QUE FUE EL AÑO PASADO Y CONVOCÓ A MUCHOS E IMPRESCINDIBLES COLECTIVOS.

 

 

 

 

 

 

Radio UNED, ¿En tu casa o en la mía?

lo dicho

¿EN TU CASA O EN LA MÍA?

Monserrat Cañedo, Rodríguez Profesora de Antropología , UNED
Gloria G. Durán, Investigadora del Departamento de Antropología Social y Cultural, UNED
Fernando González de Requena y Redondo, Investigador del Dpto. Antropología , UNED
Isabel González Enríquez, Investigadora del Dpto. Antropología , UNED

Radio UNED, Libido sciendi

ERa viernes, era marzo, y esa noche creo recordar que ni tan siquiera había podido dormir, por eso lo recuerdo muy vivamente.
El día anterior, o el otro, el día 21 de marzo, los investigadores de la UNED, entre los que me incluyo, habías hecho unas muy buenas jornadas para contarle al mundo nuestro proyecto.
Esa heladora mañana de marzo de un viernes cualquiera nos fuimos a grabar un programa de radio a la UNED y grabamos dos: Libido Sciendi y ¿En tu casa o en la mía?, y hubimos de dividirnos pues todos así juntos no cabíamos…
Aqui el primero: LIBIDO SCIENDI
Monserrat Cañedo Rodríguez Profesora de Antropología , UNED
Sandra Fernández García Investigadora del Dpto. de Antropología , UNED
Livia Jiménez Sedano I nvestigadora del Dpto. de Antropología , UNED
Juan Delgado Serrano Investigador del Dpto de Antropología , UNED
Jorge Moreno Andrés Investigador del Dpto. de Antropología, UNED

Sobre investigación artística

editado en
Ext.7-BIG-Mac

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A nadie se le ocurriría definir la especificidad de la investigación artística.
Jesús Carrillo

Amador Fernández Savater habla, en un vídeo de 15Mcc[1], en torno a la incapacidad para definirse a sí mismo y también en torno a la necesidad de abandonar los discursos traídos de casa, los que ya nos sabemos, los que nos hemos aprendido de memoria. Y esta descategorización de las categorías está implosionando en todos los mundos, y como no, en el del arte también. Tal vez necesitamos comenzar a reivindicar lo poco que nos queda, la manipulación de la “incerteza” o de la “incertitud”. Hablar hoy de investigación artística es ahondar en esa incertidumbre en ese no saber por donde ir hacia donde se va, aunque tampoco sepamos a dónde llegaremos.

Hoy hay un prurito de necesidad en torno a la definición de la investigación artística. Hay infinidad de derivas retóricas en torno a esta misma resbaladiza “investigación artística”. Desde el artista como investigador, a la Muntadas, o el VEO[2] de RMS el espacio, hasta la acción Brumaria de la publicación como plataforma de artistas[3] y, como no, las conferencias de la Documenta (13), “Sobre la investigación artística”[4] o el taller de Víctor del Río sobre la misma cuestión[5], por no hablar del libro “Música para Camaleones. El Black Album de la Sostenibilidad Cultural”[6] que dedica un capítulo entero al tema llamándolo, “Ser viajero no viajante”, que versa sobre este mismo tema.

Y cuestionando este prurito en la deriva de Big Mac y nuestra pregunta fundacional, ¿Retórica, realidad o regicidio?, habríamos de preguntarnos si no va llegando el tiempo del relevo, o más bien del desdibujamiento de la metodología de la misma acción investigadora. Si a los poetas los echaron de la República por ser ambiguos, tal vez ahora, ahora que “tenemos que hablar”, habríamos de dejar a estos mismos individuo, a estos seres (que aún se llaman artistas) y que viven demasiado pegados a sus vidas, hablar, y hablar con las derivas que tocase hacerlo. Hablar con sentidos ocultos, hablar con ambigüedad, hablar desde lo poético y desde la génesis, aunque sea intelectual, de modos de vida posibles. Quizá el futuro solo sea concebible desde ahí, desde la más absoluta incertitud. Los artistas no son investigadores, al uso, pero los usos que hasta ahora nos parecían válidos ya no lo son, así que tal vez sean ellos los que ahora más que nunca son los futuros indagadores, o investigadores, de esa incertitud, auténticos científicos disfuncionales. Y la disfunción la única vía posible y el único camino válido.

“Los museos distan mucho de tener un departamento de investigación en arte”, afirmó Jesús Carrillo, quizá porque tanto no saber no cuadra en las organizaciones institucionales. Pero, y esto también lo dice Carrillo, “la investigación, al igual que la educación, puede servir como revulsivo para profundizar en la dimensión pública y política del arte, en tanto que proyecta a artistas y a instituciones indefectiblemente fuera de sí mismos; en un momento en el que todas las patentes tradicionales del arte e encuentran a la intemperie”[7]. Y a lo mejor esa tierra de nadie, como él mismo llama al museo hoy, aspira a convertirse en catalizador de un territorio común en el que se puede “encontrar” lo que uno ni tan siquiera sospechaba que andaba buscando.


[3] http://www.bellasartes.ucm.es/artista-editor-publico

[4] http://d13.documenta.de/#/programs/events-and-education/programs-details/?tx_calevents2_pi1[uid]=256&tx_calevents2_pi1[recurrent]=0&tx_calevents2_pi1[edate]=1351551600&cHash=ed0602ef02cbd7e931a17a3a30ee5eb9

[5] http://www.victordelrio.es/blog_docente/?p=291

[6] http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=f5dYVYHNn2I&noredirect=1

[7] Carrillo, Jesús: “Museo y educación: figuras de transición”. Música para Camaleones. El Black Album de la sostenibilidad cultural. Trànsit Projectes. Madrid 2012