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Public Art online

Magnífica página, fuentes bibliográficas de arte público on line

Public Art On line

Y así de modo semi azaroso, nada más que derivando por la web y sus inagotables fuentes, rescato un artículo que creo será muy interesante:

‘Public Art and the Art of the Public — After the Creative City’
Jonathan Vickery , Centre for Cultural Policy Studies, University of Warwick, UK (Commissioned and published by ixia, the public art think tank
21st March 2012)

IXIAlogo

ixia, think tank public art

Y me pregunto, ¿QUÉ ES IXIA, ESE THINK TANK DE ARTE PÚBLICO?

ixia is the public art think tank – it provides guidance on the role of art in the public realm.

Through its activities ixia identifies and challenges restrictive practices which result in limited and missed opportunities for artists working in the public realm.

ixia works with artists, policy makers and implementers within the public and private sectors. It carries out research, supports events and delivers training, and commissions new writing and publications.

Local Code: Real States

Local Code - Real State

Local Code: Real States

Este link no lo proporcionó John Bella, del grupo de arquitectos REBAR, de San Francisco cuyo estudio situado en el Mission, en la 20th street con Shotwell ayer visitamos Jon (TXP) y yo.

Lo que más me gusta del link es el concepto de Gordon Matta Clark de SPACE BETWEEN PLACES, esos lugares de la ciudad que han quedado fuera de los mapas oficiales. Trocitos de mundo sin control ni estatal ni privado. Son lugares que están pero son invisibles.

CONSULTAR ESTE PDF PARA SABER MÁS DE FAKE STATES, (bueno no me deja el sistema y no se porqué), os linkeo al lugar donde encontré el pdf, mejor. SE llama ODD LOTS, y es realmente una suerte de memorial del trabajo original donde a estos artitas:

“Odd Lots: Revisiting Gordon Matta-Clark’s Fake Estates

Cabinet magazine, Queens Museum of Art, and White Columns present

A two-venue exhibition that examines Matta-Clark’s complex and provocative project through his original materials, a series of guided tours, and newly commissioned works.

Artists and tour guides include Francis Alÿs, Jimbo Blachly, Isidro Blasco, Michael Crewdson, Jaime Davidovich, Mark Dion, Maximilian Goldfarb, Valerie Hegarty, Julia Mandle, Helen Mirra, Margaret Mittelbach, Matthew Northridge, Dennis Oppenheim, Sarah Oppenheimer, Dan Price, Lisa Sigal, Katrin Sigurdardottir, Lytle Shaw, Jane South, Jude Tallichet, Nato Thompson, Mierle Laderman Ukeles, and Clara Williams

White Columns: September 9, 2005 – October 15, 2005
(reception is on September 9, 7-9 pm)

Queens Museum of Art: September 11, 2005 – January 22, 2005
(reception is on September 17, 1-6 pm)

“Odd Lots: Revisiting Gordon Matta-Clark’s Fake Estates” examines the legacy of Gordon Matta-Clark (1943-1978) through the history of his important project Fake Estates (1973-4). With 19 participating artists ranging from Matta-Clark’s contemporaries to emerging practitioners, “Odd Lots” seeks to activate the legacy of an “artist’s artist” whose dovetailing interests in architecture, sculpture, and performance have inspired creative producers in a variety of disciplines. “Odd Lots” de-emphasizes the image of Matta-Clark as a chainsaw-wielding urban land artist obsessed with the “object to be destroyed.” Instead, the exhibition underscores aspects of his work that investigate dematerialization, use value, and systems of social organization. The exhibition, with elements at White Columns and Queens Museum of Art, was conceived and curated by Cabinet editors Jeffrey Kastner, Sina Najafi, and Frances Richard.

Spectacle&Participation by Kester

Hay que leer esto

Y luego, cuando deje de pensar en inglés, haré un esfuerzo por contar un versión breve en castellano. Bueno el asunto va de una actividades en el MOCA de L.A.: The Engagement Party series (2008-2012).
Estas fiestas del enganche, bueno de la implicación, o del acercamiento involucrado, no se bien como traducir engagement, se referían a piezas, más o menos participativas de “Artistas del Sur de California Emergentes que trabajen colectivamente o colaborativamente”.

Engagement Party offered Southern California–based artist collectives and collaborators the opportunity to make socially based artworks by interacting with and exploring the museum in unexpected ways.

Kester arranca hablando de la performance colectiva de Marina Abramovic que fue realizada por muchos artistas, bailarines, coreógrafos y actores quienes hicieron exactamente lo que la diva de las divas les ordenó. Este acto multitudinario quería, además de enganchar al personal, sacar fondos y celebrar el 30 aniversario del Museo. Este acto espectacular generó a duras críticas en sectores culturales más, digamos de Downtown. Yvone Rainer no se hizo esperar y alegó que era eticamente injustificable el servilismo al que sometía la Abramovic a sus esbirros. Los esbirros, no obstante estaban encantados.

Kester continua sus diatribas, antes de llegar al meollo de la cuestión analizando el porqué tantos artistas del sur de CAlifornia han optado por lo colaborativo y lo colectivo. El asunto esque aquí, en California, surgió el primer acercamiento al arte desde el feminismo, Judy Chicago  la fResno State University que luego fue CalArts y la Women House. ellas fueron las primeras que de modo dialógico y colaborativo trataron temas de interés común para buscar salidas, o cuanto menos, reconocerse en una lucha común e inventar herramientas de resistencia colectivamente. Luego vino de NY Allan Kaprow, una figura imprescindible en la escuela artística del sur de California cuya trascendencia en los cambios estéticos, al menos en España, está aún por ser descubierta, o comentada. Allan Kaprow entendía toda labor artística desde la relación y desde la colaboración, ya fuera ne un performance o en cualquier otro acto, dar una clase o una conferencia o preparar un proyecto. Más obsesionado con dejar de ser artista que cualquier otro al final logró cambiar, hacia lo comunitario, el artisteo local, y por ende, el internacional.

Bien, una vez que nos da los toques historiográficos precisados se pone manos a la obra en su ni tanto ni tan calvo, una posición de tercera vía que a mi, cada día, me gusta más.

¿Por qué juzgar un hecho estético desde un discurso ético? Tiene algún sentido. Esta es la pregunta clave. Ahora para descubrir la respuesta lean al artículo que saldrá aquí: GRANT KESTER. Spectacle and PArticipation.MOCA+Essay

Between the door and the street

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UN PASO MÁS ALLÁ EN EL NOBLE ARTE DE LA CONVERSACIÓN.

El día 19 de octubre de 2013 en la ciudad de Nueva York Suzanne, que no pierde la energía ha organizado una buena… hablar, hablar, opinar, conversar…

This fall, Creative Time and the Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art at the Brooklyn Museum will present Between the Door and the Street, a major work by the internationally celebrated artist Suzanne Lacy, perhaps the most important socially-engaged artist working today. On October 19, some 300 women and a few men–all selected to represent a cross-section of ages, backgrounds, and perspectives–will gather on the stoops along a residential street in Brooklyn, where they will engage in unscripted conversations about a variety of issues related to gender politics today. Wander among the groups, listen to what they are saying, and form your own opinions!

Between the Door and the Street grew out of a series of deep and wide-ranging conversations between Lacy and a group of activist women, held over the course of five months. Lacy considers this preparatory work to be a key part of the project as a whole, and their ideas, expertise, and principles have informed the project.

This project builds on Lacy’s rich body of work devoted to issues of feminism, including Silver Action, presented at Tate Modern, London, earlier this year; The Tattooed Skeleton, at the Reina Sofia Museum, Madrid, in 2010; and Cleaning Conditions, part of the Do It exhibition at the Manchester Art Gallery, in summer 2013. This is her first public project in New York City.

Making it Together

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TOGETHER, AGAIN
Women’s Collaborative Art + Community

BY CAREY LOVELACE

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Todo esto lo podéis descubrir siguiendo el hilo, de la web de carley lovelace, donde dice:

On view March 2 through August 4, 2008. The Bronx Museum of the Arts.

Making It Together explores an important chapter in recent history when women artists, inspired by the 1970s Feminist Movement, worked collectively in new ways to engage communities and address social  issues.  Guest-curator: Carey Lovelace. > read more: Together, Again, an essay

Mapping the Republic of Letters

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En la facultad de Stanford University están desarrollando una visualización de la correspondencia de los ires y venires de las derivas varias de todos aquellos que compusieron esa cosa que se llamó La República de la Letras. El bueno de Voltaire manejó nada más y nada menos que 15.000 cartas. Y otros tantos muchísimas más. Es un grupo de Humanidades Digitales que llaman a su proyecto MAPPING THE REPUBLIC OF LETTERS.

Y así dicen que hacen:

“Mapping the Republic of Letters” is a collaborative, interdisciplinary, and international project in the digital humanities, centered at Stanford University. Since 2008, we have been creating visualizations to analyze “big data” relating to the world of early-modern scholars. We focus primarily on their correspondence, travel, and social networks. While we make use of quantitative metrics to examine the scope and dimensions of our data, we remain committed to the qualitative methodologies of the humanities. We actively encourage collaborations with other projects.
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Recomiendo encarecidamente a todo aquel interesado por el mundo que nos ha tocado vivir que le eche un vistazo a esta página que da una perspectiva más clara de la gesta y gestación de lo que se llamará, al correr del tiempo, esfera pública y también, como no, de todo el proceso de la ilustración, fundamental para comprender muchas cosas que pasan y que se suele olvidar en los recuentos al uso, al menos en los artísticos… Es fascinante como en su afán de concreción y sentido se cuestionan como hablar de “estados-nación” en un tiempo en el que tal cosa (siglos XVII y XVIII) aun no estaba cuajada tal y como hoy la concebimos. Se me permitirá, ya que estoy para variar cansada y tal para especificar el origen de las imágenes y su sentido real, que pese a eso añada unas tantas por la belleza de las mismas y que cada cual se imagine a estos ilustres caballeros y cultivadas damas en sus contextos particulares hablando de lo que había que hablar que era de todo en general y de nada en particular.
gran tour

la TATE inquietante

Fue el pasado 15 de febrero de 2013, de 10:30 a 19:00h, en Londres claro, en la TATE modern: The politics of the social in contemporary art. Veinte libras cuesta entrar, que son, casi casi, 24 euros.

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not an alternative, ocupy real state

Puede el arte intervenir en las relaciones sociales?; ¿Cuales serán las implicaciones de implicar al arte y a su audiencia en problemas éticos?; ¿Y cómo se relacionan esas prácticas con las instituciones sociales de arte?. Este simposio examina el cambio hacia las cuestiones de la participación y el arte colaborativo y las cuestiones éticas que tales prácticas despiertan.

Aquí el programa, con los chicos de not an alternative, y los de etcetera, y Wochenklausur… the politics of the social TATE MODERN.

Luego si uno se fija en la derecha ve una nueva obra en el turbine hall, una “obra” basada en, o en torno a, “la participación”. Reza así:

Tate Debate: What does taking active part in a work bring to an audience member?

(al principio)

y

(al final)

Tate Debate sponsored by Vodafone

Lo demás lo podéis mirar, preguntar al público cómo fue su “experiencia” en una obra participativa: ¿le moló?, ¿se divirtió?, ¿cambió su vida radicalmente?… ¿cómo fue la cosa?.

La cuestión es que está indagación arranca con una acción/instalación/coreografía… no se bien como llamarla, “Situaciones construidas”, de Tino Sehgal, son, installations that involve nothing more than people carrying out sets of basic instructions and conceits about how to interact with one another and, in some cases, with gallery visitors.

Cuando uno lee el articulito de uno de los participantes queda algo estupefacto, ensayos larguísimos para ser uno mismo. Que cosas. Me recuerda al cuento este de un París sin parisinos, pues todos vivían a las afueras y solo bajaban a la ciudad a hacer su trabajo que era, ese, ser parisinos contratados, osea, simular ser lo que por imperativo legal habían tenido que dejar de ser. Contradictoria situación. Casi como esta instalación.

(por cierto que emplea la palabra SWARM, otra de mis últimas inquietudes)

los brillantes tipos de mantenimiento

Arte y basura

Esto está en contraindicaciones. Tal y como van las cosas es mejor etiquetar el arte con un cartel que ponga, “esto es arte”. Parece nuevo pero hay muchas anécdotas de los servicios de limpieza, lo que realmente saben lo que las cosas valen, que en un acto de profesionalidad tomaron lo que era arte por algo que era cualquier cosa y como tal podía servir de plataforma para limpiar trapos o podía servir para guardar cosas o para ir directa a la basura. Como son los que saben es muy probable que la emoción estética de tal receptáculo, o del bote casual o de la estandarizada basura fuera exactamente eso y no arte, porque digo yo que el arte para serlo algo habrá de provocar, aunque sea ganas de vomitar. Si nada produce nada es.

En el 76 Mierle Laderman Ukeles desarrolló una nueva etapa de su largo proyecto/proceso MAINTENANCE. Este proyecto había surgido mucho tiempo antes cuando, tras dar a luz en la década de los 60, comenzó a cuestionarse sobre las relaciones entre la maternidad, y los cuidados necesarios para ejercerla, y la labor creativa. Mierle se plantearé cómo poder unificar estas fuerzas supuestamente opuestas, y buscará la posibilidad de que estas dos cuestiones, o actividades, adquiriesen el mismo valor. En 1969 escribirá su “MANIFESTO FOR MAINTENANCE ART”, un documento que será la consecución de un recorrido teórico y práctico mucho más largo. Como ella misma asevera el arte no hace más que “encapsular” procesos, en su caso esta “cápsula” se convertirá en manifiesto. Lo que conseguirá con su manifiesto del mantenimiento será poner en cuestión la supuesta “genialidad” del singularizado acto creativo para, en contraposición, equipararla a muchas otras labores, algo menospreciadas, por requerir repetición: las labores de mantenimiento, fundamentales, por otra parte, para que personas, lugares, ciudades y contextos sigan funcionando como tales.

El arte de vanguardia, está preñado de ideas de mantenimiento, actividades de mantenimiento, materiales de mantenimiento … Yo soy una artista. Yo soy una mujer. Yo soy una esposa. Yo soy una madre. (El orden es azaroso). Hago un montón de coladas, limpieza, renovación, apoyo, preservación, etc. También (y no de modo separado) “hago” Arte. Ahora me limitaré a hacer todas estas actividades de mantenimiento cotidiano, y las equipararé, y las exhibiré, como ARTE. (Mierle Laderman Ukeles, “Manifesto for Maintenance Art”, 1969)

Un oxymorón constructivo, como un instante eterno, al unir arte y mantenimiento genera una metáfora que atrapa quizá el sentido total de lo que el arte habría de ser, como el hielo abrasador, el fuego helado, o las baudelarianas placeres horribles y dulzuras horrendas. Obviamente daba en la diana porque ni un solo artista, por muy genial que haya sido, ha hecho una carrera en “solitario”, contra viento y marea, todos se han apoyado en asistentes, madres, amantes, esposas… y demás, la independencia no ha sido más que una floritura retórica y, claro, una fantasía.

Si la misma noción de vanguardia es vista como una función del discurso de la originalidad, la verdadera práctica del arte de vanguardia tiende a revelar que la originalidad es una asunción con la que trabajar, que emerge de un terreno de repetición y recurrencia. (Rosalind E. Krauss, The Originality of the Avant-Grade and Other Modernist Myths. Cambridge, MIT Press, 1986. 157-58)

En el 76, decíamos, Ukeles producirá I Make Art One Hour Every Day, un proyecto/exposición para el Whitney Museum of American Art. Trabajo con 300 empleados, miembros de la plantilla de mantenimiento del edificio completo de Chemical Bank, todos aquello, hombres y mujeres, que hacían posible que le edificio siguiera cumpliendo su función, se mantuviera limpio, reparado, y eficiente. Obvio es que casi nadie quiere ver a estos equipos, más que necesarios, tal vez solo los espacios ocupados o centros sociales en los que esta función se solapa mezcla e híbrida con cualquier otra considerándose igual de importante, o más, que hacer el “creativo”.

Lo primero que hará será entrevistar a estos 300 trabajadores, les preguntó sobre su trabajo y visitó el completo edificio con ellos entrando hasta en las zonas más “estrictamente reservadas”. También conversará con ellos en torno a esta “diferenciación” entre estos dos mundos, el del arte y el del mantenimiento. Distribuirá una serie de cartas en las que invitará a todos a crear con ella una obra de arte del mantenimiento “viva” durante los meses de septiembre y octubre de ese mismo año. Les pidió que designaran una hora de cada una de sus jornadas como ARTE. Al terminar cada uno de sus días cada cual habría de rellenar una ficha en la que identificaría cuando y cómo había hecho su “ARTE” aquel día (limpiando el polvo, fregando el suelo, reparando un ascensor, colocando sillas, regando las plantas…)

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I Make Maintenance Art One Hour Every Day, September 16-October 20, 1976

Durante todo el tiempo que duró el proyecto Ukeles visitará el edificio todos los días. cada día tomará fotografías de la labor de los trabajadores al tiempo que les preguntaba si ese preciso momento en el que ella les fotografiaba era, efectivamente, su hora de “arte”. Estas serán las fotografías que expondrá en el Whitney, Cada día, de los que componen el mes y medio que duró la muestra, el museo se fue llenando poco a poco de polaroids. Las yuxtaposiciones eran comunes, lo que para uno era su hora artística para otro no lo era, y al revés. para uno limpiar los cristales de al fachada sur a las 10:00 am era “arte”, para otro, la misma labor a la misma hora ne la misma fachada sur era vulgar “trabajo”. Con dos preguntas retóricas sencillas es pone en jaque todas las verdades absolutas de los valores culturales y del lenguaje.

Creo que, incluso si los alumnos de la escuela de arte de Londres que piensan que lo que hacen es realmente basura no tendrán porque buscar a un profesor, con tirarlo ellos mismos será necesario. Tal vez las escuelas de arte funcionarían mejor si el equipo de mantenimiento estuviera compuesto, precisamente, por los alumnos. tal y como están las tasas académicas podría ser una solución. Mira, tal vez se lo proponga a mi amigo Wert este que últimamente a los del ministerio parece que les gustan mucho mis ideas.

Y aquí un último link en torno a la circulación social de la basura y su más famoso proyecto, sanitation system.

Mujer y Esfera Pública en la Era de la Revolución Francesa (II)

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El objetivo de Landes es proveernos de una interpretación de la génesis de la esfera pública moderna desde una perspectiva feminista. La revisión se centra en el periodo correspondiente a lo que podríamos llamar “periodo clásico de la esfera pública burguesa”, entre 1750 y 1850. Su intento cosiste en la reconstrucción de la teoría de la esfera pública desde el punto de vista, según ella ventajoso, del feminismo y de las mujeres. Esta reconstrucción implica repensar las relaciones entre la historia y la teoría, entre la teoría y la representación simbólica, entre esta misma representación simbólica y la acción. Los textos teóricos entran en la historia como una suerte de fuerzas que pueden ser contemporáneas a su edición o posteriores. Además suelen servir para modelar la representación simbólica. Las teorías no son más que representaciones. Para dramatizar esta idea podríamos hablar de que nos proveen de ciertos “guiones” de acuerdo a los cuales la acción humana acaba sucediendo, y los hombres actuando. Pueden jugar un rol más o menos variable en la re-codificación, o codificación, de los sistema de representación simbólica precedentes, tal y como podría ejemplificar el modo en el que Rousseau y las imágenes Roussonianas sirvieron para el movimiento revolucionario francés. Todo texto es siempre parte de un contexto y el contexto queda interiorizado en el texto. La teoría pertenece a la historia y la historia a la teoría.

Las representaciones simbólicas organizan las acciones simbólicas. Tal y como Marshall Sahlins propone, son “riesgos” en acción. Una acción nunca puede ser conceptualizada separada del uso que hace de las representaciones. La cuestión no se limita a la mera simbolización (incluyendo la teoría) versus la acción sino que será más bien la conjunción de ambas, simbolización y acción. La representación, la acción y la teoría irán de la mano todo el texto.En 1785 David pintará “El Juramento de los Horacios” como una prefiguración de la problemática esfera pública burguesa y su representación de la mujer. Igualmente la película “La noche de Varennes” muestra la transformación de nuestra comprensión del Antiguo Régimen. Podemos criticar tales representaciones pero no escapar de las mismas. También hay procesos paralelos, y procesos secuenciados. Contemporáneos a la Revolución Francesa, Mary Wollstonecraft y Edmund Burke escribirán sobre la misma sin repercutir en absoluto en su marcha, pero estos procesos paralelos de la Revolución y la reacción británica ante la misma podrían converger, tal y como lo harían el feminismo y la sociedad burguesa. Landes quiere ejemplificar estas posibilidades sin quemarlas en su análisis.

En la primera parte del libro es tratarán las dinámicas de la representación en el Antiguo Régimen. La influencia de las mujeres de las élites en la esfera pública aristocrática, sobretodo su role en el modelado de del discurso público y y del comportamiento público que se yuxtapone al mundo icónico de la corte absolutista. Landes argumenta que los salones urbanos se transformarán en una esfera pública alternativa para la producción cultural dentro dentro del absolutismo tardío. también localizar extremo manierismo de las salonniers como uno de los aspectos dominantes de primitivo sistema de representación de la Francia moderna que valoraba sobre todas las cosas las maneras y el artificio sobre los medios y los objetivos de la representación. Podemos observar como las quejas de los hombres contra el poder social de las mujeres y la evasión de la vida doméstica se unen con las preocupaciones sobre la excesiva estilización del discurso y sobre los efectos “debilitadores” o castradores del poder de la monarquía. Montesquieu servirá como ejemplificación textual de las nuevas visiones de la relación directa que se comenzará a establecer entre la domesticidad de las mujeres y el orden político.

La asociación compleja entre e lenguaje, el genero y la política establecerán el escenario para el capítulo 2 de la emergencia dentro del absolutismo de lo que Habermas llama la clásica esfera pública burguesa de oposición. Expando la visión habermasiana con un cambio en los sistemas de representación que se alejan de lo icónico del “padre-rey” para simbolizar lo político: por ejemplo, un sistema de representación mucho más abstracto basado en la escritura, la ley, el discurso y su proclamación. Considero el impacto de la imprenta en la revolución y en el ethos de los individuos y en la construcción del interior burgués. Me pregunto ne torno las preferencias de género de aquello que habitan la esfera pública burguesa y propongo que las categorías centrales del pensamiento burgués -la razón universal, la ley y la naturaleza – están embebidas en un orden ideológico sancionador de la diferencia de genero y de las esferas públicas vs. privada que sirve como base a la geografía institucional y cultural de la esfera pública. Finalmente me ocupo del role de la mujer en los salones del siglo XVIII y su impacto en la ficción epistolar y su lugar en la prensa de oposición del antiguo Régimen francés. Una breve introducción a la exploración de Rousseau a la activa textualización de la vida -la producción, distribución y circulación de textos- dentro de la esfera pública de oposición del siglo XVIII sigue en el Capítulo 3 donde se discute en extensión la gran aversión que Rousseau profesaba a las mujeres públicas. Oriento mi lectura Roussoniana al profundo cambio desde lo icónico y lo espectacular de la vida pública a la textualización de un nuevo orden simbólico. Landes se preocupa especialmente de las mecánicas por las que Rousseau consigue el soporte, el apoyo, de las mismas mujeres para su proyecto de ensalzamiento de la vida doméstica, esto es, dilucidar esto teniendo en cuenta que Rousseau escribía para las mujeres y no sólo sobre las mujeres. Finalmente, propongo que la figuración de las mujeres que encontramos en los textos de Rousseau son constitutivos de la organización de la vida pública y de la vida doméstica en el mundo post-revolucionario de la propiedad burguesa.

La segunda parte del libro se encargará del destino de las mujeres y el feminismo en la esfera pública burguesa. El capítulo 4 se propone la lucha por la autoría que seguirá ala muerte del rey; me pregunto quien puede ser incluido en “la gente” (“the people”) como autores de la revolución, especialmente una vez que aquellos que habitan los márgenes comienzan a reclamar que los principios de la revolución habrían de ser extendidos a su conclusión lógica. Comenzando con una lectura de la película “La Noche de Varennes” en las que me ocupo de la ambivalente implicación de las mujeres en el cambio dramático en la vida cultural y política que acompañará la caída del patriarcado. Contra el cambio desde el liberalismo al republicanismo dentro de la Revolución, leo el discurso sobre los derechos de las mujeres producido por el Marqués de Condorcet, Olympe de Gouges, Etta Palm d´Aelders, Theodor Gottlieb von Hippel y Mary Wollstonecraft . También repaso el role de las mujeres en la revolución, desde la dramática marcha sobre Versailles hasta su participación en los clubs revolucionarios, en las sociedades, en la prensa, y finalmente la Sociedad de las mujeres Republicanas Revolucionarias – una nueva organización radical de todas las clases sociales de mujeres comprometidas con el programa del Terror que existirá durante los puntos álgidos de la revolución popular de París y cuya supresión originó la prohibición de cualquier, y de toda, actividad política desarrollada por mujeres. Me niego a aceptar que este resultado fue inevitable, más bien me pregunto como fue que las mujeres revolucionarias (como mujeres políticas) se convirtieran en algo “no-natural” durante la revolución. Yo muestro las representaciones que se harán de las mujeres como frívolas, desordenadas, engañosas, y sexualmente peligrosas que saldrán a la superficie durante la revolución, y tengo mucho cuidado de distinguir la división de clases que separaba a las mujeres en este tiempo. En suma, quiero mostrar que la república se construyó contra la mujer, y no simplemente sin ella.

En el capítulo 5 desarrollo una discusión más sistemática de los resultados de la revolución y de los cambios en las representaciones simbólicas de las mujeres producidas en la Revolución, por ejemplo, la Libertad pero también la vida domestica y publica reflejada en el juramento de los Horacios. La retórica visual de David simboliza la oposición entre la familia y el estado, la vida pública y la privada, características de la nueva república. La libertad figura como una representación de hasta que punto las relaciones de género se habrían de someter al orden de la República. Todavía la mujer pública y su sexualidad amenazante de o para la comunidad armoniosa de la república dicotómica. Me pregunto, así, como operó la virtud dentro del lenguaje y las prácticas de la maternidad en la república – y considero la posibilidad de que las mujeres políticas y las feministas compartían un discurso común con sus hermanos republicanos.

En el capítulo 6 contrasto el positivismo filosófico de August Comte con el feminismo socialista de Flora Tristan a la luz del revi

val de la actividad feminista de 1830 y 1840 y las barreras legales de la libertad de las mujeres resultantes del Código Civil Napoleónico en Francia. El género se hará una categoría relevante en la vida cotidiana precisamente tras la Revolución Francesa. De hecho, la domesticidad, la maternidad exaltada y el feminismo serán resultantes interrelacionados de la transformación de la esfera pública aristocrática.

Concluyo el trabajo con ciertas reflexiones en torno a la esfera pública y las mujeres.