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Beyond the Wall

Philadelphia Mural Arts Restorative Justice Program: Beyond the Wall

Posted April 11, 2014 by jmacphee in Justseeds Member Projects

Yo, esto es jmacphee, del colectivo JUSTSEEDS, cuenta su experiencia en un proyecto colectivo en Filadelfia de arte mural. Lo que hizo Jmacphee fue recolectar materiales para el mural que se estaba haciendo en Filadelfia sobre los encarcelamientos masivos estadounidenses.

Lo que me interesa es que este artista ha intentado “FILTRAR”, lo que surgió, se conversó, y debatió, en unos tantos, muchos, encuentros, asambleas, conversatorios, a un formato PÓSTER, que los artistas muralistas de la ciudad están distribuyendo por todas partes.

También han conseguido hacer que tres de los posters estén presentes en le trasnporte público en el lugar de la publicidad. Esta estrategia, de conexión con los medios masivos fue muy utilizada por os primeros colectivos de artistas activistas, me gusta que ahora se siga empleando, es de los más eficaces medios de activismo artístico, y en el la autoría se disuelve. Gracias Jenny Holzer, quizá tuviste un gran peso en el arranque pero ahora la cosa se diluye en la colectividad. Lo cual es harto necesario.

Luego le piden a la gente que si ven esos posters en el public transport pues que les hagan una foto y los suban a twitter… y esto si que es activismo visual!!… me encanta

Imagen 2

Por cierto que hablando de cárceles debo recuperar la informacion sobre un cine club que lleva una artista mejicana… y de posters hace un hilo narrativo desde gran fury hasta favianna rodriguez… o mejor, desde Heartfield!…. me encanta

Motta, Queerocracy & Felipe Baeza

11:30 a.m. – 12:15 p.m.

Keynote: Carlos Motta

Carlos Motta, artist

Cuando Carlos Motta llegó a hablar a lo que aquí llaman KeyNote, alguien nombró, en su presentación las palabras “La Buena Vida”. He estado mirando un poco y he encontrado este artículo de e-flux: CARLOS MOTTA: THE GOOD LIFE.

carlos motta l abuena vida

Durante varios años Carlos Motta se dedicó a rodar muchos vídeos. Preguntó a unas 300 personas que encontraba por la calle sobre su idea de la política estado unidenses en sus respectivos países. Preguntó en Bogota, Buenos Aires, Managua, Mexico City, Santiago y Tegucigalpa. Luego mostró todos los vídeos en Pensilvania. Y Además regaló una serie de póster que había encargado a Ashley Hunt, Naeem Mohaiemen y Oliver Ressler. En los pósters María Mercedes Gómez había escrito un texto contestando a la […] The secret[1] is that culture is a secret in divided societies. That culture is a secret in class societies. There is a culture on the streets and a culture behind closed doors […] The secret is about the battle over who owns the streets; who writes on the streets […] Who publicizes one’s struggles in the streets […] The secret is who uses the street as a forum, like a “Democracy Wall,” because other control the “legitimate” media of public disclosure […] The secret is that there is more than one public … the public forced to exhibit its private life in the street and the public that calls the police to clear the streets […][2]pregunta: ¿Qué es para ti la Democracia?. Además se mostraban muchas fotografías tomadas durante estos años. Y tiene una web, me gusta cuando votas porque estas como ausente (es lo que pone en la fotografía que abre l aweb, y esa la he visto yo muchas veces, sobre todo en el 15M), y esta web te reconduce a LA BUENA VIDA, que es como realmente se llama el asunto. Y además tiene la cortesía de permitirte imprimir el libro, LaBuenaVida.

Pero eso que he indagado no fue ni de lo que habló el viernes día 14 de marzo de 2014 en el simposio de Visual Activism en la ciudad de san Francisco en el Brava Theater de la calle veinticuatro del barrio de la Mission en el programa de SF On the Go…. No. Hablo de otra cosa que voy a contar, linkeando a tutti plein aquí abajo y a toda pastilla: Lo presentaron con la gran pregunta que sobravolaba las participaciones, ¿lo visual es liberador o es lo contrario?, lo contrario sería un magma de sobreabundancia con un efecto anestesiante. Lo contrario lo podríamos ver argumentado de múltiples formas en The Democratic Surround, pero nadie nombró a Fred Turner ni nada por el estilo, sino que Carlos arrancó su presentación que fue larga y fue  a oscuras, así que mis notas se dibujan y se desdibujan pero esto es lo que pude sacar.

Comenzó con un precioso texto de Martha Rosler, The Secret que proviene de Public Disclosure: Secrets from the Street, “The secret is that to know the meaning of a culture you must know the limits of meaning of your own.”

[…] The secret[1] is that culture is a secret in divided societies. That culture is a secret in class societies. There is a culture on the streets and a culture behind closed doors […] The secret is about the battle over who owns the streets; who writes on the streets […] Who publicizes one’s struggles in the streets […] The secret is who uses the street as a forum, like a “Democracy Wall,” because other control the “legitimate” media of public disclosure […] The secret is that there is more than one public … the public forced to exhibit its private life in the street and the public that calls the police to clear the streets […][2]

El secreto es que hay más de un público, público forzado a exhibir su vida privada en las calles y público que llama a la policía para limpiar las calles. Así que el ejercicio del gobierno no reposa en las manos de las gente corriente, de aquellos individuos que pueden no estar en concordancia con lo establecido, con las religiones del lugar, las procedencias, los niveles culturales, las orientaciones sexuales… La realidad es que la gente no está en la toma de decisiones, la gente corriente no tiene poder alguno. Me gusta cuando votas porque estás como ausente, me resuena en la cabeza. Hay una intersección entre la representatividad de según que grupos y el poder. Entonces, lo visual, como esa práctica de, o para, la representación y representatividad, es, o la menos habría de ser, una lucha política. Entonces de lo que Carlos habló, y así lo dijo, es de las políticas de la representación. Refirió el momento crucial, la década de los 70 y el rico lenguaje visual de resistencia, refirió la calle como un foro, y como un muro para la democracia y lo que se veía, lo visual, lo gráfico y también lo escrito, como necesarios para los movimientos de resistencia. Las “counter politics”, son las que le interesan, ¿contra políticas? (es una extraña traducción). La pregunta es, ¿quién sigue excluido?, la pregunta es, ¿cómo se han normalizado el movimiento LGTB?, la cuestión es que el discurso LGTB, las LGTB POlitics, han conseguido que “la clase” entre de nuevo en juego, y que esas políticas estén reformando y reformulando las estructuras de poder una vez más.

En el 2012 Carlos Motta realizó We Who Feel Differently (2011), y a continuación mostró una suerte de coro, una performance colectiva que adelantaba el colectivo, o la plataforma de la que se disponía a hablar.

queerocracy

queerocracy

La plataforma : QUEEROCRACY, los individuos de los que también habló: Camilo Casidy y Felipe Baeza

camilo cassidy

camilo cassidy

robinhoodtax

robinhoodtax

Felipe Baeza: UNDOCUMENTED

Felipe Baeza: UNDOCUMENTED

Public Art online

Magnífica página, fuentes bibliográficas de arte público on line

Public Art On line

Y así de modo semi azaroso, nada más que derivando por la web y sus inagotables fuentes, rescato un artículo que creo será muy interesante:

‘Public Art and the Art of the Public — After the Creative City’
Jonathan Vickery , Centre for Cultural Policy Studies, University of Warwick, UK (Commissioned and published by ixia, the public art think tank
21st March 2012)

IXIAlogo

ixia, think tank public art

Y me pregunto, ¿QUÉ ES IXIA, ESE THINK TANK DE ARTE PÚBLICO?

ixia is the public art think tank – it provides guidance on the role of art in the public realm.

Through its activities ixia identifies and challenges restrictive practices which result in limited and missed opportunities for artists working in the public realm.

ixia works with artists, policy makers and implementers within the public and private sectors. It carries out research, supports events and delivers training, and commissions new writing and publications.

Sister Karen Boccalero

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La hermanita Karen Boccalero diseño y lideró un proyecto artístico del más alto calado, imagino que durante los 26 años que manejo su camioncito taller de serigrafía por todo lo alto y ancho de Los Ángeles hizo un montón de cosas con un montón de gente pero no trascendió más que la estrecho marco del arte chicano local de la décadas de los 70 y los 80, y ya.

Me pregunto cuantos de estos proyectos se han dado por ahí y también me pregunto como es que no había oído hablar de ella antes. Hago aquí abajo un pequeño collage de fragmentos de artículos que de ella hablan en el NY Times, bueno que han hablado sobre ella por que la hermanita franciscana Boccalero paso a mejor vida con 64 años de, dicen, un ataque al corazón, el 26 de junio de 1997.

Era una serigrafia y una artista y una pintora, si en el 97 tenía 64 años nació en el 1933, que no está nada mal. En el 71, con 38 años, y junto a otros tantos artistas chicanos fundó el centro de serigrafia, y también galería, SELP HELP GRAPHICS en la zona este de L.A. El centro, montado en un garaje, daba trabajo a muchos artistas como profesorado, servía de estudio y de lugar de exposición. Artistas chicanos ya reconocidos pasaron por allá: Gronk, Frank Romero, Patssi Valdez y otros tantos.

Puso, dicen, el arte chicano “on the map”, en el mapa vamos: “She was willing to put aside her art and focus on building the organization,” said Tomas Benitez, Boccalero’s assistant at Self-Help. “She recognized that there was a wealth of local talent and cultural richness and that it needed to be nurtured.” Under Boccalero’s direction, Self-Help became a vibrant and popular community center. Its Day of the Dead celebrations became a local tradition. Young people were attracted to its many classes.

La monjita no era así una monjita clásica, como no podía ser de otro modo, tenía careto seco y fumaba sin parar. Se daba  a su comunidad pero con unos modos especiales. Esto me anima a pensar que eso de ser “un clásico” en cualquier profesión es una solemne tontería y quizá no ser clásico es la única vía de supervivencia.

Lo mejor de la sister es que con el tiempo diseño una furgoleta móvil con su taller integrado, y la llamo BARRIO MÓVIL SELF HELP GRAPHICS!!!!….  se recorrió colegios llenos de niños chicanos, calles y plazas, y enseñó a hacer serigrafía y la armo buena… porque la serigrafía es lo que tiene, alma de guerrillera. De hecho es verdad que este arte, poco desarrollado en España, en México es brutal, recuerdo aun los talleres de Oaxaca, y sobretodo la virgen de las llantitas… osea la Guadalupe con una espiritual aureola de ruedas de camión ardiendo, vamos una barricada guerrillera virginal… muy propio de una virgen también muy poco clásica.

Para más información elijan cualquier artículo del NY Times, sobre SISTER KAREN BOCCALERO. (y busquen imágenes son brutales, Barrio Móvil ¿hay algo menos clásico y previsible qu eun barrio que se mueve?, ja!

Y bueno, antes de cerrar este mini post, que ya se alargará en  cuanto los TODO POR LA PRAXIS me respondan a mi idea delirante de ponerle motor a su taller portátil de guerrilla urbana y rondar por las carreteras del Central Valley californiano este invierno, antes digo, voy a linkearles a otros tantos hijos de las congregaciones que hacía cosas de lo más artísticamente interesante. Creo que este año mi clase de net artivismo lo arranco con lo más internauta del mundo, el espíritu, la cita de el 13 de mayo la virgen de María bajo de las nubes a Cova de Iría, y esto del Cura Castillejo,(a quien Miguel Molina va a hacer un homenaje en el 110 aniversario de su nacimiento con una máquina de competición de anuncios de radio que salen al azar ganando el más estridente) y Sister Corita… arrancando claro con mi predilecta, SISTER KAREN BOCCALERO!!!!

Ah, y para ver cierta panorámica:
L.A. Xicano “Mapping Another LA: The Chicano Art Movement”

ala mañana más

me voy a dar mis últimos paseos por esta iluminada ciudad newyorkina….

Local Code: Real States

Local Code - Real State

Local Code: Real States

Este link no lo proporcionó John Bella, del grupo de arquitectos REBAR, de San Francisco cuyo estudio situado en el Mission, en la 20th street con Shotwell ayer visitamos Jon (TXP) y yo.

Lo que más me gusta del link es el concepto de Gordon Matta Clark de SPACE BETWEEN PLACES, esos lugares de la ciudad que han quedado fuera de los mapas oficiales. Trocitos de mundo sin control ni estatal ni privado. Son lugares que están pero son invisibles.

CONSULTAR ESTE PDF PARA SABER MÁS DE FAKE STATES, (bueno no me deja el sistema y no se porqué), os linkeo al lugar donde encontré el pdf, mejor. SE llama ODD LOTS, y es realmente una suerte de memorial del trabajo original donde a estos artitas:

“Odd Lots: Revisiting Gordon Matta-Clark’s Fake Estates

Cabinet magazine, Queens Museum of Art, and White Columns present

A two-venue exhibition that examines Matta-Clark’s complex and provocative project through his original materials, a series of guided tours, and newly commissioned works.

Artists and tour guides include Francis Alÿs, Jimbo Blachly, Isidro Blasco, Michael Crewdson, Jaime Davidovich, Mark Dion, Maximilian Goldfarb, Valerie Hegarty, Julia Mandle, Helen Mirra, Margaret Mittelbach, Matthew Northridge, Dennis Oppenheim, Sarah Oppenheimer, Dan Price, Lisa Sigal, Katrin Sigurdardottir, Lytle Shaw, Jane South, Jude Tallichet, Nato Thompson, Mierle Laderman Ukeles, and Clara Williams

White Columns: September 9, 2005 – October 15, 2005
(reception is on September 9, 7-9 pm)

Queens Museum of Art: September 11, 2005 – January 22, 2005
(reception is on September 17, 1-6 pm)

“Odd Lots: Revisiting Gordon Matta-Clark’s Fake Estates” examines the legacy of Gordon Matta-Clark (1943-1978) through the history of his important project Fake Estates (1973-4). With 19 participating artists ranging from Matta-Clark’s contemporaries to emerging practitioners, “Odd Lots” seeks to activate the legacy of an “artist’s artist” whose dovetailing interests in architecture, sculpture, and performance have inspired creative producers in a variety of disciplines. “Odd Lots” de-emphasizes the image of Matta-Clark as a chainsaw-wielding urban land artist obsessed with the “object to be destroyed.” Instead, the exhibition underscores aspects of his work that investigate dematerialization, use value, and systems of social organization. The exhibition, with elements at White Columns and Queens Museum of Art, was conceived and curated by Cabinet editors Jeffrey Kastner, Sina Najafi, and Frances Richard.

Spectacle&Participation by Kester

Hay que leer esto

Y luego, cuando deje de pensar en inglés, haré un esfuerzo por contar un versión breve en castellano. Bueno el asunto va de una actividades en el MOCA de L.A.: The Engagement Party series (2008-2012).
Estas fiestas del enganche, bueno de la implicación, o del acercamiento involucrado, no se bien como traducir engagement, se referían a piezas, más o menos participativas de “Artistas del Sur de California Emergentes que trabajen colectivamente o colaborativamente”.

Engagement Party offered Southern California–based artist collectives and collaborators the opportunity to make socially based artworks by interacting with and exploring the museum in unexpected ways.

Kester arranca hablando de la performance colectiva de Marina Abramovic que fue realizada por muchos artistas, bailarines, coreógrafos y actores quienes hicieron exactamente lo que la diva de las divas les ordenó. Este acto multitudinario quería, además de enganchar al personal, sacar fondos y celebrar el 30 aniversario del Museo. Este acto espectacular generó a duras críticas en sectores culturales más, digamos de Downtown. Yvone Rainer no se hizo esperar y alegó que era eticamente injustificable el servilismo al que sometía la Abramovic a sus esbirros. Los esbirros, no obstante estaban encantados.

Kester continua sus diatribas, antes de llegar al meollo de la cuestión analizando el porqué tantos artistas del sur de CAlifornia han optado por lo colaborativo y lo colectivo. El asunto esque aquí, en California, surgió el primer acercamiento al arte desde el feminismo, Judy Chicago  la fResno State University que luego fue CalArts y la Women House. ellas fueron las primeras que de modo dialógico y colaborativo trataron temas de interés común para buscar salidas, o cuanto menos, reconocerse en una lucha común e inventar herramientas de resistencia colectivamente. Luego vino de NY Allan Kaprow, una figura imprescindible en la escuela artística del sur de California cuya trascendencia en los cambios estéticos, al menos en España, está aún por ser descubierta, o comentada. Allan Kaprow entendía toda labor artística desde la relación y desde la colaboración, ya fuera ne un performance o en cualquier otro acto, dar una clase o una conferencia o preparar un proyecto. Más obsesionado con dejar de ser artista que cualquier otro al final logró cambiar, hacia lo comunitario, el artisteo local, y por ende, el internacional.

Bien, una vez que nos da los toques historiográficos precisados se pone manos a la obra en su ni tanto ni tan calvo, una posición de tercera vía que a mi, cada día, me gusta más.

¿Por qué juzgar un hecho estético desde un discurso ético? Tiene algún sentido. Esta es la pregunta clave. Ahora para descubrir la respuesta lean al artículo que saldrá aquí: GRANT KESTER. Spectacle and PArticipation.MOCA+Essay

Between the door and the street

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UN PASO MÁS ALLÁ EN EL NOBLE ARTE DE LA CONVERSACIÓN.

El día 19 de octubre de 2013 en la ciudad de Nueva York Suzanne, que no pierde la energía ha organizado una buena… hablar, hablar, opinar, conversar…

This fall, Creative Time and the Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art at the Brooklyn Museum will present Between the Door and the Street, a major work by the internationally celebrated artist Suzanne Lacy, perhaps the most important socially-engaged artist working today. On October 19, some 300 women and a few men–all selected to represent a cross-section of ages, backgrounds, and perspectives–will gather on the stoops along a residential street in Brooklyn, where they will engage in unscripted conversations about a variety of issues related to gender politics today. Wander among the groups, listen to what they are saying, and form your own opinions!

Between the Door and the Street grew out of a series of deep and wide-ranging conversations between Lacy and a group of activist women, held over the course of five months. Lacy considers this preparatory work to be a key part of the project as a whole, and their ideas, expertise, and principles have informed the project.

This project builds on Lacy’s rich body of work devoted to issues of feminism, including Silver Action, presented at Tate Modern, London, earlier this year; The Tattooed Skeleton, at the Reina Sofia Museum, Madrid, in 2010; and Cleaning Conditions, part of the Do It exhibition at the Manchester Art Gallery, in summer 2013. This is her first public project in New York City.

los brillantes tipos de mantenimiento

Arte y basura

Esto está en contraindicaciones. Tal y como van las cosas es mejor etiquetar el arte con un cartel que ponga, “esto es arte”. Parece nuevo pero hay muchas anécdotas de los servicios de limpieza, lo que realmente saben lo que las cosas valen, que en un acto de profesionalidad tomaron lo que era arte por algo que era cualquier cosa y como tal podía servir de plataforma para limpiar trapos o podía servir para guardar cosas o para ir directa a la basura. Como son los que saben es muy probable que la emoción estética de tal receptáculo, o del bote casual o de la estandarizada basura fuera exactamente eso y no arte, porque digo yo que el arte para serlo algo habrá de provocar, aunque sea ganas de vomitar. Si nada produce nada es.

En el 76 Mierle Laderman Ukeles desarrolló una nueva etapa de su largo proyecto/proceso MAINTENANCE. Este proyecto había surgido mucho tiempo antes cuando, tras dar a luz en la década de los 60, comenzó a cuestionarse sobre las relaciones entre la maternidad, y los cuidados necesarios para ejercerla, y la labor creativa. Mierle se plantearé cómo poder unificar estas fuerzas supuestamente opuestas, y buscará la posibilidad de que estas dos cuestiones, o actividades, adquiriesen el mismo valor. En 1969 escribirá su “MANIFESTO FOR MAINTENANCE ART”, un documento que será la consecución de un recorrido teórico y práctico mucho más largo. Como ella misma asevera el arte no hace más que “encapsular” procesos, en su caso esta “cápsula” se convertirá en manifiesto. Lo que conseguirá con su manifiesto del mantenimiento será poner en cuestión la supuesta “genialidad” del singularizado acto creativo para, en contraposición, equipararla a muchas otras labores, algo menospreciadas, por requerir repetición: las labores de mantenimiento, fundamentales, por otra parte, para que personas, lugares, ciudades y contextos sigan funcionando como tales.

El arte de vanguardia, está preñado de ideas de mantenimiento, actividades de mantenimiento, materiales de mantenimiento … Yo soy una artista. Yo soy una mujer. Yo soy una esposa. Yo soy una madre. (El orden es azaroso). Hago un montón de coladas, limpieza, renovación, apoyo, preservación, etc. También (y no de modo separado) “hago” Arte. Ahora me limitaré a hacer todas estas actividades de mantenimiento cotidiano, y las equipararé, y las exhibiré, como ARTE. (Mierle Laderman Ukeles, “Manifesto for Maintenance Art”, 1969)

Un oxymorón constructivo, como un instante eterno, al unir arte y mantenimiento genera una metáfora que atrapa quizá el sentido total de lo que el arte habría de ser, como el hielo abrasador, el fuego helado, o las baudelarianas placeres horribles y dulzuras horrendas. Obviamente daba en la diana porque ni un solo artista, por muy genial que haya sido, ha hecho una carrera en “solitario”, contra viento y marea, todos se han apoyado en asistentes, madres, amantes, esposas… y demás, la independencia no ha sido más que una floritura retórica y, claro, una fantasía.

Si la misma noción de vanguardia es vista como una función del discurso de la originalidad, la verdadera práctica del arte de vanguardia tiende a revelar que la originalidad es una asunción con la que trabajar, que emerge de un terreno de repetición y recurrencia. (Rosalind E. Krauss, The Originality of the Avant-Grade and Other Modernist Myths. Cambridge, MIT Press, 1986. 157-58)

En el 76, decíamos, Ukeles producirá I Make Art One Hour Every Day, un proyecto/exposición para el Whitney Museum of American Art. Trabajo con 300 empleados, miembros de la plantilla de mantenimiento del edificio completo de Chemical Bank, todos aquello, hombres y mujeres, que hacían posible que le edificio siguiera cumpliendo su función, se mantuviera limpio, reparado, y eficiente. Obvio es que casi nadie quiere ver a estos equipos, más que necesarios, tal vez solo los espacios ocupados o centros sociales en los que esta función se solapa mezcla e híbrida con cualquier otra considerándose igual de importante, o más, que hacer el “creativo”.

Lo primero que hará será entrevistar a estos 300 trabajadores, les preguntó sobre su trabajo y visitó el completo edificio con ellos entrando hasta en las zonas más “estrictamente reservadas”. También conversará con ellos en torno a esta “diferenciación” entre estos dos mundos, el del arte y el del mantenimiento. Distribuirá una serie de cartas en las que invitará a todos a crear con ella una obra de arte del mantenimiento “viva” durante los meses de septiembre y octubre de ese mismo año. Les pidió que designaran una hora de cada una de sus jornadas como ARTE. Al terminar cada uno de sus días cada cual habría de rellenar una ficha en la que identificaría cuando y cómo había hecho su “ARTE” aquel día (limpiando el polvo, fregando el suelo, reparando un ascensor, colocando sillas, regando las plantas…)

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I Make Maintenance Art One Hour Every Day, September 16-October 20, 1976

Durante todo el tiempo que duró el proyecto Ukeles visitará el edificio todos los días. cada día tomará fotografías de la labor de los trabajadores al tiempo que les preguntaba si ese preciso momento en el que ella les fotografiaba era, efectivamente, su hora de “arte”. Estas serán las fotografías que expondrá en el Whitney, Cada día, de los que componen el mes y medio que duró la muestra, el museo se fue llenando poco a poco de polaroids. Las yuxtaposiciones eran comunes, lo que para uno era su hora artística para otro no lo era, y al revés. para uno limpiar los cristales de al fachada sur a las 10:00 am era “arte”, para otro, la misma labor a la misma hora ne la misma fachada sur era vulgar “trabajo”. Con dos preguntas retóricas sencillas es pone en jaque todas las verdades absolutas de los valores culturales y del lenguaje.

Creo que, incluso si los alumnos de la escuela de arte de Londres que piensan que lo que hacen es realmente basura no tendrán porque buscar a un profesor, con tirarlo ellos mismos será necesario. Tal vez las escuelas de arte funcionarían mejor si el equipo de mantenimiento estuviera compuesto, precisamente, por los alumnos. tal y como están las tasas académicas podría ser una solución. Mira, tal vez se lo proponga a mi amigo Wert este que últimamente a los del ministerio parece que les gustan mucho mis ideas.

Y aquí un último link en torno a la circulación social de la basura y su más famoso proyecto, sanitation system.

Sinergias Petazeta

Beuys - 'Das Schweigen von Marcel Duchamp wird überbewertet'

¿Y SI EL SILENCIO DE DUCHAMP NO HA SIDO SOBREVALORADO SINO MALINTERPRETADO?

Desde los años sesenta hemos asistido a miles de formas de participación en el arte; ha habido enloquecidos bailes de catarsis colectiva; ha habido garage sales; hemos podido asistir a orgías homoeróticas; hincharnos a cervezas gratis; nos han invitado a comer por la cara, hemos podido irnos a correr por prados infinitos, nos han puesto a discutir de filosofía sin tener zorra idea de filosofía, nos han enseñado a plantar cactus, hemos podido asistir a debates dadaístas… Desde los años sesenta algunos artistas, que parecían querer dejar de serlo, están empeñados en hacer participar a eso que se ha venido en llamar “público”…

Esto, como todo, tiene una larga tradición: los surrealistas invitaron a los parisinos, allá por el 21, a asistir a un entierro con su característico humor negro; sus padres los dadaístas recitarán sus facturas de la luz como acto de comunicación básico; los soviéticos simularan la toma del palacio de invierno con más de 8000 “participantes”, Bertolt Bretch esperará intervenciones espontáneas; la Baronesa dandy empleará en sus poemas todo sonido cotidiano y los situacionistas se las pasarán tomando pastís por acá y por allá, por los márgenes de la ciudad, integrando sus piezas en sus vidas o lo que es más claro, haciendo de sus propias vidas una pieza de arte, pieza está en la que el “público” estará, lo quisiera o no, integrado….

Hacer de tu vida tu obra, equiparar el arte a la vida, tampoco es nuevo… se remonta a aquel tiempo en el que tiempo era una cosa bien diversa de lo que es ahora. Para Aristóteles la vida de una persona estaba dividida entre el trabajo, el descanso y el ocio. El trabajo y el descanso completarían el ámbito de la necesidad, el ocio saldría de esta necesidad. El ocio será el “pararse”, el contemplar y el dedicarse al cultivo del espíritu, y será, por otra parte, la dedicación básica encargada de marcar la diferencia entre el “vivir” y el “vivir bien” o entre el “vivir” y el “saber vivir”. Precisamente aquellos que se “doctoraron en este arte del saber vivir” abrirán la brecha a una larga tradición de “tecnócratas del yo”, esto es, de maestros en el arte del “cultivo de sí”.

Como no, los artistas, que siempre han sido un poco pillos, decidirán diplomarse en esta táctica de resistencia precisamente cuando el naciente mercado del arte les exigirá hacerse útiles, productivos y encontrar un lugar en una nueva estructura social capitalista. Agobiados ante tal ordinario y soez futuro decidirán separarse de la masa que les rodeaba y dedicar su vida a la ociosidad más plena, esto es, a hacer algo que no cumpliera ni uno sólo de los requerimientos que el buen burgués les exigía. Decidirán, al cabo, adscribirse a la “clase ociosa” y hacerse auténticos “aristócratas de intemperie” y “aristócratas del espíritu”.

Estos “consumados ociosos” han sido leídos, para la tranquilidad de todos, como individuos diversos al común de los mortales. Unos tipos curiosamente excepcionales, algo molestos, pero inofensivos. De hecho, y hasta ahora, hemos leído al artista como un ser “rarito”, que se mueve a contracorriente, que es excepcional, que manipula un lenguaje que nadie entiende y que tiene una visión de un cierto “más allá” siempre mejor que el “más acá”. Un artista a la romántica, bien si decidiera ser bohemio, un poco guarrete y dejado, o dandyficarse, y ser elegantemente descortés, fue aquel inflamado de “individualismo” capaz de resistir la corriente general por cabezonería o decisión, capaz de llevar una vida de “perfecto ocioso” en el que tan sólo la génesis de “sí” y de toda suerte de “inútiles” obras de arte justificarían una vida que nadie tacharía de “holgazana” sino de “sacrificada a la elevada causa del arte”…. En tal caso, y si creyésemos todo lo que leemos, creeríamos, que los artistas son una pandillas de egos hipertrofiados que poco o nada han hecho, o han querido hacer, por cambiar panorama social alguno… o, como diría Albert Camus, que son rebeldes metafísicos, amenazando con una revolución que jamás acometerán….

Bien, si nos creemos todo esto, todo va bien, siempre y cuando seamos concientes que los discursos no son más que constructos de lo que el mainstream nos ha querido vender… claro que viene mejor desactivar a los artistas, mira que si se difunde su modo de vivir, mira que si a la gente le da por aprender, por alimentar el espíritu, por llevar una vida contemplativa… mira que si le da por pararse, por escuchar, por hablar para entenderse, por desarrollar rarezas, por liberar a todos los objetos de su condena mercantil…, mira que si le da al mundo por dejar de comprar, por cuestionar todos y cada uno de los valores que se dan por inamovibles, mira que si se pone todo el mundo a platicar, mira que si le da a la gente por hacer uso público de su razón, por hablar, por expresar su opinión… mira que si todo el mundo empieza a reclamar un hueco para su voz y un lugar desde el que alzarla…. Mira que si todo el mundo, lo que llamamos el “general public”, va y le da por ser “OCIOSO”, en el sentido griego del término….

Al cabo lo que nos valdría preguntarnos es por qué este “arte de saber vivir”, que ahora si quiere ser compartido, no lo ha querido ser siempre. Lo que nos quedaría preguntarnos es por qué ahora se permite a los artistas, se nos permite vamos, ponernos a hacer participar a todo quisqui, y poner a todo el mundo a conversar, y preguntar a todo el mundo, y montar comilonas y orgías, y saraos de todo pelaje… y por qué hay como un prurito de simular una feliz colaboración con la audiencia, una creatividad colectiva y un proceso siempre interesante ….. Quizá ha llegado el momento de mosquearse un poco….

Nosotros que somos peta zeta hemos querido trabajar desde una primera conversación hecha de escuchas, desde una búsqueda de pasiones alegres, desde una localización de un “común” que desde su base tiene que ser “buen rollista”….

Lo que nos mosquea, aunque hayamos trabajado dando mucho peso y mucha trascendencia a nuestro posicionamiento, es por qué a nosotros los artistas,, que siempre hemos sido un poquito parecidos, ahora va y se nos deja jugar a esto de la propagación de nuevos modos de vida, de nuevas vías de relación, de nuevas soluciones a esta cosa extraña que es estar en este extraño mundo….

Lo que nos inquieta es que aun seamos capaces de escribir en torno a un arte, el de pararse, y a un modo de vida, que es escuchar, que a todas luces no somos capaces de llevar a término con coherencia, que a nadie va a permear y que, la verdad, pocos cambios va a provocar….

Sólo nos queda, sin embargo, desde ese mismo “mosqueo”, y desde esa misma inquietud, intentar re-leer la historia del arte como nos parezca bien, reírnos un poquito de nosotros mismos y esperar que, al cabo, aunque no vayamos a variar el ritmo absoluto de los acontecimientos, al menos enriquezcamos un poquito la vida de nuestro “querido público” y descubramos algún que otro modo de relacionarnos.

sinergia.

(Del gr. συνεργία, cooperación).

1. f. Acción de dos o más causas cuyo efecto es superior a la suma de los efectos individuales.

Rocio de la Villa, arte y feminismos, el activismo y lo público

http://www.estudiosonline.net/texts/lavilla.htm
altamente recomendable
http://rociodelavilla.blogspot.com/

(…)

Subversión a través de la mirada sexuada, pero también a través de las técnicas productivas-colaborativas, en mi opinión, el feminismo expandido sigue desempeñando con opciones plurales el papel de contrapoder fáctico que el arte aún hoy puede ofrecer como espacio residual de reflexión, organización y acción frente a la política del aislamiento de los individuos. Incluso rentabilizando paradójicamente las funciones asignadas por la dominación patriarcal: como sujeto tradicional de las “tácticas” ocultas y cotidianas de la necesidad y también de los placeres característicos de los sometidos, como signo o instrumento utilizado en el intercambio de los valores simbólicos, como sujetos expulsados del ágora. Esa nostalgia por el retorno debería contribuir, como proponía Foucault, no sólo “simplemente a defendernos, sino también a afirmarnos, no sólo como identidad, sino también en tanto fuerza creadora: (…) Debemos crear placeres nuevos” (Entrevista,1982). Las transformaciones del arte en el presente han de engrosar ese elenco.
*Conferencia impartida en El Escorial, Madrid, 31 de julio de 2001.

AA/A, Anyplace, Anywhere Academy

A/AA Ohio
Dentro de cada una de las manifestaciones del Seminario Excedentario Anywhere/Anyplace Academy, A/AA, se construye como una suerte de “cubo” (hub) en el que varia gente se puede reunir y pensar las infinitas posibilidades inherentes para re-plantear el conocimiento.

AAA existe graciis a las destrezas compartidas, el sepa-usted-como, y la colaboración de todas las personas que han querido ayudar en su construcción y diseño. Dependiendo de la localización en la que se ha construido el cubo-colegio AAA ha adquirido diferentes y diversas formas al ser levantado con los materiales de exceso, los olvidados que hemos encontrado por el área donde ha tenido lugar el Seminario Excedentario. Así cada cabaña lleva en sí las marcas visuales de cada área, su economía, y las destrezas de sus residentes y sus intereses. El cubo-colegio AAA de Columbus, Ohio estará, predominantemente construido a través de la reutilización de un contenedor de barco en desuso, mientras que el de Portland, Oregon, podría, por ejemplo, asemejarse a un colegio-habitación simple, al tener sus principales materiales de construcción sacados de un granero derribado construido con maderas ya viejas. No importa la estructura, o los materiales con los que se construya, todas las manifestaciones de AAA promueven un pensamiento activo, la improvisación, la acción colaborativa, creando un centro anárquico de pensamiento generativo. AAA promueve la noción de que el aprendizaje y le conocimiento existen alrededor nuestro, como un bien excedentario que anda buscando quien lo vuelva a encajar, a tomar y a reutilizar y no lo deje como si fuera una basura, inútil, una mercancía olvidada, preparada para se lanzada al vertedero más cercano.

http://www.flickr.com/photos/9078748@N06/3922914803/in/set-72157622381372010/

Kant and the enlightment

Kant envisions a public forum where powerless subjects would have the right to enter into critical debate about political matters, and to do so in such ways as to make the absolutist state accountable to its enlightment public. In this schema, enlightment does much more than encourage individuals to think for themselves. The process of enlightment aspires to negociate political agency, to grant a public of politically powerless enlightment intellectuals influence in the process of goverment. Enlightment is not just about racional-critical debate. It also aspires to some model of political action. As Kant defines it, enlightment always attempts to politize itself.

Jobathan M. Hess
Enlightment, Public Culture and the Invention of Aesthetic Autonomy

Brown Berets

Los Brown Berets son un grupo de activistas de mejicano-americano surgido con el movimiento chicano de finales de los 60 y los 70 y activos todavía. Siguen la estética de las Black Panthers, sus contemporáneos, pero también se inspirarán en el Movimiento Indio Americano, en los Young Lords, los movimientos contra la guerra, Cesar Chavez, los Farm Workers Movement, Rodolfo “Corky” Gonzales, Reyes Tijerina, y otros movimientos revolucionarios. se les supone parte del tercer Movimiento de Liberación. Enfocan su trabajo hacia la organización de comunidades contra la violencia policial y están a favor de la igualdad de oportunidades en la educación. Al ser un movimiento descentralizado muchos grupos han estado muy activos tras la Proposición de California 187, conservando la acción paramilitar y los uniformes de los primeros 70. Sirven coo un símbolo vivo de la “Raza” y suelen actura en desfiles públicos y en manifestaciones.

http://nationalbrownberets.com/photos

Mission District Murals

The Murals are a common language,

a language of social justice that everyone can understand

Rosa Arrieta

Ayer comencé mi investigación en torno a las “Mujeres Muralistas”, un colectivo de artistas activo en los años 70. para comenzar fui a Precita Eyes, el centro de murales de la Mission. Además tenía una cita con Rosa Arrieta, ex-editora del Tecolote, un periódico de cultura latina, non-profit, para el que solía traducir artículos. casualidades de la vida, Rosa, a quien conozco hace ya más de dos años, es íntima amiga de Patricia Rodriguez, fundadora de Mujeres Muralista y actualmente gestora del Latino Center for the Arts. Además compré el libro que han publicado los de Precita, con Susan Stalk Cervantes a la cabeza, con un recorrido histórico, y visual, por los murales de la Mission…. Fascinante libro, historia, mujeres… ahora soy voluntaria en Precita y además de investigar de primera mano, lo que es un auténtico lujo, podré pintar bolsas para el día de los muertos o para lo que quiera, ya enseñare alguna.

Y aquí va una joya que aparece en el libro, Street Art San Francisco; Mission Muralismo.

Una vez más mi nuevo héroe Guillermo Gómez-Peña

TELON DE FONDO PARA UNA NUEVA BOHEMIA

Misterio:

¿Cómo es que en la Misión hay más sol y hace más calor que en el resto de la ciudad?

¿Es un asunto Latino?

¿Tenemos más sexo en esta parte de la ciudad? ¿o qué?

¿Por qué viene todo el mundo aquí?

¿Nos seduce la promesa de la bohemia en un país de imaginación restringida?

¿En una era de limitación de las libertades?

¿Somos parte de la actual ola de exiliados internacionales que escapan de revoluciones fallidas y de guerras civiles?

¿O de la ola de inadaptados sexual y artísticamente que escapan de la ortodoxia de sus lugares de origen?

¿Por qué yo sigo aquí? Me pregunto a mi mismo todo el tiempo.

La Misión ha sido el escenario y el laboratorio de mi arte, de mi amor, de mis amistades, y de mis escapadas hacia territorios prohibidos tanto en la calle como en mi propia psique.

Este poema y este tour es un homenaje a la capucha que ha albergado mi locura.

Guillermo Gómez-Peña