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Beyond the Wall

Philadelphia Mural Arts Restorative Justice Program: Beyond the Wall

Posted April 11, 2014 by jmacphee in Justseeds Member Projects

Yo, esto es jmacphee, del colectivo JUSTSEEDS, cuenta su experiencia en un proyecto colectivo en Filadelfia de arte mural. Lo que hizo Jmacphee fue recolectar materiales para el mural que se estaba haciendo en Filadelfia sobre los encarcelamientos masivos estadounidenses.

Lo que me interesa es que este artista ha intentado “FILTRAR”, lo que surgió, se conversó, y debatió, en unos tantos, muchos, encuentros, asambleas, conversatorios, a un formato PÓSTER, que los artistas muralistas de la ciudad están distribuyendo por todas partes.

También han conseguido hacer que tres de los posters estén presentes en le trasnporte público en el lugar de la publicidad. Esta estrategia, de conexión con los medios masivos fue muy utilizada por os primeros colectivos de artistas activistas, me gusta que ahora se siga empleando, es de los más eficaces medios de activismo artístico, y en el la autoría se disuelve. Gracias Jenny Holzer, quizá tuviste un gran peso en el arranque pero ahora la cosa se diluye en la colectividad. Lo cual es harto necesario.

Luego le piden a la gente que si ven esos posters en el public transport pues que les hagan una foto y los suban a twitter… y esto si que es activismo visual!!… me encanta

Imagen 2

Por cierto que hablando de cárceles debo recuperar la informacion sobre un cine club que lleva una artista mejicana… y de posters hace un hilo narrativo desde gran fury hasta favianna rodriguez… o mejor, desde Heartfield!…. me encanta

Motta, Queerocracy & Felipe Baeza

11:30 a.m. – 12:15 p.m.

Keynote: Carlos Motta

Carlos Motta, artist

Cuando Carlos Motta llegó a hablar a lo que aquí llaman KeyNote, alguien nombró, en su presentación las palabras “La Buena Vida”. He estado mirando un poco y he encontrado este artículo de e-flux: CARLOS MOTTA: THE GOOD LIFE.

carlos motta l abuena vida

Durante varios años Carlos Motta se dedicó a rodar muchos vídeos. Preguntó a unas 300 personas que encontraba por la calle sobre su idea de la política estado unidenses en sus respectivos países. Preguntó en Bogota, Buenos Aires, Managua, Mexico City, Santiago y Tegucigalpa. Luego mostró todos los vídeos en Pensilvania. Y Además regaló una serie de póster que había encargado a Ashley Hunt, Naeem Mohaiemen y Oliver Ressler. En los pósters María Mercedes Gómez había escrito un texto contestando a la […] The secret[1] is that culture is a secret in divided societies. That culture is a secret in class societies. There is a culture on the streets and a culture behind closed doors […] The secret is about the battle over who owns the streets; who writes on the streets […] Who publicizes one’s struggles in the streets […] The secret is who uses the street as a forum, like a “Democracy Wall,” because other control the “legitimate” media of public disclosure […] The secret is that there is more than one public … the public forced to exhibit its private life in the street and the public that calls the police to clear the streets […][2]pregunta: ¿Qué es para ti la Democracia?. Además se mostraban muchas fotografías tomadas durante estos años. Y tiene una web, me gusta cuando votas porque estas como ausente (es lo que pone en la fotografía que abre l aweb, y esa la he visto yo muchas veces, sobre todo en el 15M), y esta web te reconduce a LA BUENA VIDA, que es como realmente se llama el asunto. Y además tiene la cortesía de permitirte imprimir el libro, LaBuenaVida.

Pero eso que he indagado no fue ni de lo que habló el viernes día 14 de marzo de 2014 en el simposio de Visual Activism en la ciudad de san Francisco en el Brava Theater de la calle veinticuatro del barrio de la Mission en el programa de SF On the Go…. No. Hablo de otra cosa que voy a contar, linkeando a tutti plein aquí abajo y a toda pastilla: Lo presentaron con la gran pregunta que sobravolaba las participaciones, ¿lo visual es liberador o es lo contrario?, lo contrario sería un magma de sobreabundancia con un efecto anestesiante. Lo contrario lo podríamos ver argumentado de múltiples formas en The Democratic Surround, pero nadie nombró a Fred Turner ni nada por el estilo, sino que Carlos arrancó su presentación que fue larga y fue  a oscuras, así que mis notas se dibujan y se desdibujan pero esto es lo que pude sacar.

Comenzó con un precioso texto de Martha Rosler, The Secret que proviene de Public Disclosure: Secrets from the Street, “The secret is that to know the meaning of a culture you must know the limits of meaning of your own.”

[…] The secret[1] is that culture is a secret in divided societies. That culture is a secret in class societies. There is a culture on the streets and a culture behind closed doors […] The secret is about the battle over who owns the streets; who writes on the streets […] Who publicizes one’s struggles in the streets […] The secret is who uses the street as a forum, like a “Democracy Wall,” because other control the “legitimate” media of public disclosure […] The secret is that there is more than one public … the public forced to exhibit its private life in the street and the public that calls the police to clear the streets […][2]

El secreto es que hay más de un público, público forzado a exhibir su vida privada en las calles y público que llama a la policía para limpiar las calles. Así que el ejercicio del gobierno no reposa en las manos de las gente corriente, de aquellos individuos que pueden no estar en concordancia con lo establecido, con las religiones del lugar, las procedencias, los niveles culturales, las orientaciones sexuales… La realidad es que la gente no está en la toma de decisiones, la gente corriente no tiene poder alguno. Me gusta cuando votas porque estás como ausente, me resuena en la cabeza. Hay una intersección entre la representatividad de según que grupos y el poder. Entonces, lo visual, como esa práctica de, o para, la representación y representatividad, es, o la menos habría de ser, una lucha política. Entonces de lo que Carlos habló, y así lo dijo, es de las políticas de la representación. Refirió el momento crucial, la década de los 70 y el rico lenguaje visual de resistencia, refirió la calle como un foro, y como un muro para la democracia y lo que se veía, lo visual, lo gráfico y también lo escrito, como necesarios para los movimientos de resistencia. Las “counter politics”, son las que le interesan, ¿contra políticas? (es una extraña traducción). La pregunta es, ¿quién sigue excluido?, la pregunta es, ¿cómo se han normalizado el movimiento LGTB?, la cuestión es que el discurso LGTB, las LGTB POlitics, han conseguido que “la clase” entre de nuevo en juego, y que esas políticas estén reformando y reformulando las estructuras de poder una vez más.

En el 2012 Carlos Motta realizó We Who Feel Differently (2011), y a continuación mostró una suerte de coro, una performance colectiva que adelantaba el colectivo, o la plataforma de la que se disponía a hablar.

queerocracy

queerocracy

La plataforma : QUEEROCRACY, los individuos de los que también habló: Camilo Casidy y Felipe Baeza

camilo cassidy

camilo cassidy

robinhoodtax

robinhoodtax

Felipe Baeza: UNDOCUMENTED

Felipe Baeza: UNDOCUMENTED

Public Art online

Magnífica página, fuentes bibliográficas de arte público on line

Public Art On line

Y así de modo semi azaroso, nada más que derivando por la web y sus inagotables fuentes, rescato un artículo que creo será muy interesante:

‘Public Art and the Art of the Public — After the Creative City’
Jonathan Vickery , Centre for Cultural Policy Studies, University of Warwick, UK (Commissioned and published by ixia, the public art think tank
21st March 2012)

IXIAlogo

ixia, think tank public art

Y me pregunto, ¿QUÉ ES IXIA, ESE THINK TANK DE ARTE PÚBLICO?

ixia is the public art think tank – it provides guidance on the role of art in the public realm.

Through its activities ixia identifies and challenges restrictive practices which result in limited and missed opportunities for artists working in the public realm.

ixia works with artists, policy makers and implementers within the public and private sectors. It carries out research, supports events and delivers training, and commissions new writing and publications.

Ana Botella Crew

¿quienes son?

¿de dónde han salido?

son maravillosos

esto reza el pequeño texto que ha hecho las descubra al serme enviado por Diana Maffia aquí en Buenos Aires… ¿alguien sabe algo?

quiero conocerlos

Madrid se llena de bolsas de basura con la cara de Ana Botella

Después de un tiempo de silencio que para muchos de sus seguidores se nos ha hecho eterno, el colectivo de artistas urbanos ‘Ana Botella Crew’ regresa por todo lo alto, y lo hace del único modo que sabe: brindando por y para la ‘Botella’, su fuente única de inspiración, su musa única e indivisible.

ana botella crew

éste es su flicker

Ralston Farina, Tiempo y basta

I REMEMBER RALSTON: THE ART OF RALSTON FARINA

Click to enlarge

Ralston Farina in front of the shopwindow display for his performance Look Puzzle Phase 3, 1973, 126 Prince Street, New York, March 23, 1973. Photo: Fred W. McDarrah/Getty Images. Dennis Hermanson/ Ralston Farina Archives.

He called his work “Zeitkunst” (Time Art), directing it not to the audience’s  perception but to their memory of what was perceived.
—David Polonoff, “The Nether World’s a Stage,” East Village Eye

All I remember was he performed in the dark with a suitcase on his lap.
Opened it, shut it, and the next thing I knew the lights were back on.
—Michael Smith, e-mail to the author

Hay un super artículo en el ART FORUM,

I REMEMBER RALSTON, que junto con el de Holland Cotter que ya he linkeado en otro post, completan el perfil del artista que fue fiel a sus credos artísticos, que no dejo retratar ni una sola de sus obras, que solo veía tiempo en sus performativas creaciones y que, claro está, no lo recuerda ni su padre.

En fin

gajes de la tozudez o del ir hasta el final cueste lo que cueste

me gusta FARINA, lo descubri ayer aqui, http://www.shopwhitney.org/riofreisobth.html

empieza el artículo asi: I REMEMBER RALSTON FARINA. Or rather, I remember being aware of the name Ralston Farina back in the mid-1970s, in the context of work that was not yet called performance but was something newer and funkier than Happenings.

y acaba así:

….

Rejecting documentation, the artist formerly known as Steven Robert Snyder would seem to have taken to heart Korzybski’s famous dictum “The map is not the territory”—but what is the territory in the case of Ralston Farina, if not a map pieced together from dispersed, shredded, half-forgotten memories?

Sister Karen Boccalero

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La hermanita Karen Boccalero diseño y lideró un proyecto artístico del más alto calado, imagino que durante los 26 años que manejo su camioncito taller de serigrafía por todo lo alto y ancho de Los Ángeles hizo un montón de cosas con un montón de gente pero no trascendió más que la estrecho marco del arte chicano local de la décadas de los 70 y los 80, y ya.

Me pregunto cuantos de estos proyectos se han dado por ahí y también me pregunto como es que no había oído hablar de ella antes. Hago aquí abajo un pequeño collage de fragmentos de artículos que de ella hablan en el NY Times, bueno que han hablado sobre ella por que la hermanita franciscana Boccalero paso a mejor vida con 64 años de, dicen, un ataque al corazón, el 26 de junio de 1997.

Era una serigrafia y una artista y una pintora, si en el 97 tenía 64 años nació en el 1933, que no está nada mal. En el 71, con 38 años, y junto a otros tantos artistas chicanos fundó el centro de serigrafia, y también galería, SELP HELP GRAPHICS en la zona este de L.A. El centro, montado en un garaje, daba trabajo a muchos artistas como profesorado, servía de estudio y de lugar de exposición. Artistas chicanos ya reconocidos pasaron por allá: Gronk, Frank Romero, Patssi Valdez y otros tantos.

Puso, dicen, el arte chicano “on the map”, en el mapa vamos: “She was willing to put aside her art and focus on building the organization,” said Tomas Benitez, Boccalero’s assistant at Self-Help. “She recognized that there was a wealth of local talent and cultural richness and that it needed to be nurtured.” Under Boccalero’s direction, Self-Help became a vibrant and popular community center. Its Day of the Dead celebrations became a local tradition. Young people were attracted to its many classes.

La monjita no era así una monjita clásica, como no podía ser de otro modo, tenía careto seco y fumaba sin parar. Se daba  a su comunidad pero con unos modos especiales. Esto me anima a pensar que eso de ser “un clásico” en cualquier profesión es una solemne tontería y quizá no ser clásico es la única vía de supervivencia.

Lo mejor de la sister es que con el tiempo diseño una furgoleta móvil con su taller integrado, y la llamo BARRIO MÓVIL SELF HELP GRAPHICS!!!!….  se recorrió colegios llenos de niños chicanos, calles y plazas, y enseñó a hacer serigrafía y la armo buena… porque la serigrafía es lo que tiene, alma de guerrillera. De hecho es verdad que este arte, poco desarrollado en España, en México es brutal, recuerdo aun los talleres de Oaxaca, y sobretodo la virgen de las llantitas… osea la Guadalupe con una espiritual aureola de ruedas de camión ardiendo, vamos una barricada guerrillera virginal… muy propio de una virgen también muy poco clásica.

Para más información elijan cualquier artículo del NY Times, sobre SISTER KAREN BOCCALERO. (y busquen imágenes son brutales, Barrio Móvil ¿hay algo menos clásico y previsible qu eun barrio que se mueve?, ja!

Y bueno, antes de cerrar este mini post, que ya se alargará en  cuanto los TODO POR LA PRAXIS me respondan a mi idea delirante de ponerle motor a su taller portátil de guerrilla urbana y rondar por las carreteras del Central Valley californiano este invierno, antes digo, voy a linkearles a otros tantos hijos de las congregaciones que hacía cosas de lo más artísticamente interesante. Creo que este año mi clase de net artivismo lo arranco con lo más internauta del mundo, el espíritu, la cita de el 13 de mayo la virgen de María bajo de las nubes a Cova de Iría, y esto del Cura Castillejo,(a quien Miguel Molina va a hacer un homenaje en el 110 aniversario de su nacimiento con una máquina de competición de anuncios de radio que salen al azar ganando el más estridente) y Sister Corita… arrancando claro con mi predilecta, SISTER KAREN BOCCALERO!!!!

Ah, y para ver cierta panorámica:
L.A. Xicano “Mapping Another LA: The Chicano Art Movement”

ala mañana más

me voy a dar mis últimos paseos por esta iluminada ciudad newyorkina….

Local Code: Real States

Local Code - Real State

Local Code: Real States

Este link no lo proporcionó John Bella, del grupo de arquitectos REBAR, de San Francisco cuyo estudio situado en el Mission, en la 20th street con Shotwell ayer visitamos Jon (TXP) y yo.

Lo que más me gusta del link es el concepto de Gordon Matta Clark de SPACE BETWEEN PLACES, esos lugares de la ciudad que han quedado fuera de los mapas oficiales. Trocitos de mundo sin control ni estatal ni privado. Son lugares que están pero son invisibles.

CONSULTAR ESTE PDF PARA SABER MÁS DE FAKE STATES, (bueno no me deja el sistema y no se porqué), os linkeo al lugar donde encontré el pdf, mejor. SE llama ODD LOTS, y es realmente una suerte de memorial del trabajo original donde a estos artitas:

“Odd Lots: Revisiting Gordon Matta-Clark’s Fake Estates

Cabinet magazine, Queens Museum of Art, and White Columns present

A two-venue exhibition that examines Matta-Clark’s complex and provocative project through his original materials, a series of guided tours, and newly commissioned works.

Artists and tour guides include Francis Alÿs, Jimbo Blachly, Isidro Blasco, Michael Crewdson, Jaime Davidovich, Mark Dion, Maximilian Goldfarb, Valerie Hegarty, Julia Mandle, Helen Mirra, Margaret Mittelbach, Matthew Northridge, Dennis Oppenheim, Sarah Oppenheimer, Dan Price, Lisa Sigal, Katrin Sigurdardottir, Lytle Shaw, Jane South, Jude Tallichet, Nato Thompson, Mierle Laderman Ukeles, and Clara Williams

White Columns: September 9, 2005 – October 15, 2005
(reception is on September 9, 7-9 pm)

Queens Museum of Art: September 11, 2005 – January 22, 2005
(reception is on September 17, 1-6 pm)

“Odd Lots: Revisiting Gordon Matta-Clark’s Fake Estates” examines the legacy of Gordon Matta-Clark (1943-1978) through the history of his important project Fake Estates (1973-4). With 19 participating artists ranging from Matta-Clark’s contemporaries to emerging practitioners, “Odd Lots” seeks to activate the legacy of an “artist’s artist” whose dovetailing interests in architecture, sculpture, and performance have inspired creative producers in a variety of disciplines. “Odd Lots” de-emphasizes the image of Matta-Clark as a chainsaw-wielding urban land artist obsessed with the “object to be destroyed.” Instead, the exhibition underscores aspects of his work that investigate dematerialization, use value, and systems of social organization. The exhibition, with elements at White Columns and Queens Museum of Art, was conceived and curated by Cabinet editors Jeffrey Kastner, Sina Najafi, and Frances Richard.

Spectacle&Participation by Kester

Hay que leer esto

Y luego, cuando deje de pensar en inglés, haré un esfuerzo por contar un versión breve en castellano. Bueno el asunto va de una actividades en el MOCA de L.A.: The Engagement Party series (2008-2012).
Estas fiestas del enganche, bueno de la implicación, o del acercamiento involucrado, no se bien como traducir engagement, se referían a piezas, más o menos participativas de “Artistas del Sur de California Emergentes que trabajen colectivamente o colaborativamente”.

Engagement Party offered Southern California–based artist collectives and collaborators the opportunity to make socially based artworks by interacting with and exploring the museum in unexpected ways.

Kester arranca hablando de la performance colectiva de Marina Abramovic que fue realizada por muchos artistas, bailarines, coreógrafos y actores quienes hicieron exactamente lo que la diva de las divas les ordenó. Este acto multitudinario quería, además de enganchar al personal, sacar fondos y celebrar el 30 aniversario del Museo. Este acto espectacular generó a duras críticas en sectores culturales más, digamos de Downtown. Yvone Rainer no se hizo esperar y alegó que era eticamente injustificable el servilismo al que sometía la Abramovic a sus esbirros. Los esbirros, no obstante estaban encantados.

Kester continua sus diatribas, antes de llegar al meollo de la cuestión analizando el porqué tantos artistas del sur de CAlifornia han optado por lo colaborativo y lo colectivo. El asunto esque aquí, en California, surgió el primer acercamiento al arte desde el feminismo, Judy Chicago  la fResno State University que luego fue CalArts y la Women House. ellas fueron las primeras que de modo dialógico y colaborativo trataron temas de interés común para buscar salidas, o cuanto menos, reconocerse en una lucha común e inventar herramientas de resistencia colectivamente. Luego vino de NY Allan Kaprow, una figura imprescindible en la escuela artística del sur de California cuya trascendencia en los cambios estéticos, al menos en España, está aún por ser descubierta, o comentada. Allan Kaprow entendía toda labor artística desde la relación y desde la colaboración, ya fuera ne un performance o en cualquier otro acto, dar una clase o una conferencia o preparar un proyecto. Más obsesionado con dejar de ser artista que cualquier otro al final logró cambiar, hacia lo comunitario, el artisteo local, y por ende, el internacional.

Bien, una vez que nos da los toques historiográficos precisados se pone manos a la obra en su ni tanto ni tan calvo, una posición de tercera vía que a mi, cada día, me gusta más.

¿Por qué juzgar un hecho estético desde un discurso ético? Tiene algún sentido. Esta es la pregunta clave. Ahora para descubrir la respuesta lean al artículo que saldrá aquí: GRANT KESTER. Spectacle and PArticipation.MOCA+Essay

Between the door and the street

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UN PASO MÁS ALLÁ EN EL NOBLE ARTE DE LA CONVERSACIÓN.

El día 19 de octubre de 2013 en la ciudad de Nueva York Suzanne, que no pierde la energía ha organizado una buena… hablar, hablar, opinar, conversar…

This fall, Creative Time and the Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art at the Brooklyn Museum will present Between the Door and the Street, a major work by the internationally celebrated artist Suzanne Lacy, perhaps the most important socially-engaged artist working today. On October 19, some 300 women and a few men–all selected to represent a cross-section of ages, backgrounds, and perspectives–will gather on the stoops along a residential street in Brooklyn, where they will engage in unscripted conversations about a variety of issues related to gender politics today. Wander among the groups, listen to what they are saying, and form your own opinions!

Between the Door and the Street grew out of a series of deep and wide-ranging conversations between Lacy and a group of activist women, held over the course of five months. Lacy considers this preparatory work to be a key part of the project as a whole, and their ideas, expertise, and principles have informed the project.

This project builds on Lacy’s rich body of work devoted to issues of feminism, including Silver Action, presented at Tate Modern, London, earlier this year; The Tattooed Skeleton, at the Reina Sofia Museum, Madrid, in 2010; and Cleaning Conditions, part of the Do It exhibition at the Manchester Art Gallery, in summer 2013. This is her first public project in New York City.

Making it Together

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TOGETHER, AGAIN
Women’s Collaborative Art + Community

BY CAREY LOVELACE

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Todo esto lo podéis descubrir siguiendo el hilo, de la web de carley lovelace, donde dice:

On view March 2 through August 4, 2008. The Bronx Museum of the Arts.

Making It Together explores an important chapter in recent history when women artists, inspired by the 1970s Feminist Movement, worked collectively in new ways to engage communities and address social  issues.  Guest-curator: Carey Lovelace. > read more: Together, Again, an essay

Feminismo Online

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The Future of Online Feminism

Así se llama la conferencia que impartirán el próximo 8 de abril del 2013 en el Barnard Center for the Arts de San Francisco, Courtney Martin y Vanessa Valenti. Se enmarca dentro de los INFORMES PARA UN NUEVO FEMINISMO, o más exacto, New Feminist Solutions, un archivo de diversas perspectivas que exponen, a base de informes, inspiraciones varias y caminos posibles para un activismo y una acción política feminista. Cada uno de estos informes se ha elaborado en colaboración con individuos y con organizaciones que pretenden aunar las luchas raciales, las económicas, las sociales y la justicia global con las luchas feministas. Cada reportaje surge a partir de conversaciones y de ideas surgidas de las conferencias llevadas a término en el Barnard College, y se publican en conjunción con links y con información adicional de cada uno de los eventos. Las copias de los informes son gratuitas. Cada una de las netradas que presenta la página permite la descarga tan solo clickeando. Si uno quiere una copia impresa no tiene más que escribir a bcrw@barnard.edu.

(consultar la web para ver los siete volúmenes que hay ahora en activo)

Habremos de estar atentos a la subida en web del próximo generativo evento, EL FUTURO DEL FEMINISMO ONLINE, en el que Courtney Martin y Vanessa Valenti presentaran los detalles de la investigación en torno a la red de ACTIVISMO FEMINISTA. Inspirados en el activismo feminista online se fijarán en diversos grupos de activistas, educadores, y escritores para investigar el potencial de las oportunidades para la sostenibilidad en el mundo digital. Trabajan con BCRW, Barnard Center for Research on Women, e insisten que el activismo on line es esencial para la continuación de un movimiento de base feminista y ofrece una variedad de opciones que ayudarán al ecosistema crítico a prosperar.

Y para terminar un regalete de una mujer vaca, y ala, a pensar. mujer vaca

los brillantes tipos de mantenimiento

Arte y basura

Esto está en contraindicaciones. Tal y como van las cosas es mejor etiquetar el arte con un cartel que ponga, “esto es arte”. Parece nuevo pero hay muchas anécdotas de los servicios de limpieza, lo que realmente saben lo que las cosas valen, que en un acto de profesionalidad tomaron lo que era arte por algo que era cualquier cosa y como tal podía servir de plataforma para limpiar trapos o podía servir para guardar cosas o para ir directa a la basura. Como son los que saben es muy probable que la emoción estética de tal receptáculo, o del bote casual o de la estandarizada basura fuera exactamente eso y no arte, porque digo yo que el arte para serlo algo habrá de provocar, aunque sea ganas de vomitar. Si nada produce nada es.

En el 76 Mierle Laderman Ukeles desarrolló una nueva etapa de su largo proyecto/proceso MAINTENANCE. Este proyecto había surgido mucho tiempo antes cuando, tras dar a luz en la década de los 60, comenzó a cuestionarse sobre las relaciones entre la maternidad, y los cuidados necesarios para ejercerla, y la labor creativa. Mierle se plantearé cómo poder unificar estas fuerzas supuestamente opuestas, y buscará la posibilidad de que estas dos cuestiones, o actividades, adquiriesen el mismo valor. En 1969 escribirá su “MANIFESTO FOR MAINTENANCE ART”, un documento que será la consecución de un recorrido teórico y práctico mucho más largo. Como ella misma asevera el arte no hace más que “encapsular” procesos, en su caso esta “cápsula” se convertirá en manifiesto. Lo que conseguirá con su manifiesto del mantenimiento será poner en cuestión la supuesta “genialidad” del singularizado acto creativo para, en contraposición, equipararla a muchas otras labores, algo menospreciadas, por requerir repetición: las labores de mantenimiento, fundamentales, por otra parte, para que personas, lugares, ciudades y contextos sigan funcionando como tales.

El arte de vanguardia, está preñado de ideas de mantenimiento, actividades de mantenimiento, materiales de mantenimiento … Yo soy una artista. Yo soy una mujer. Yo soy una esposa. Yo soy una madre. (El orden es azaroso). Hago un montón de coladas, limpieza, renovación, apoyo, preservación, etc. También (y no de modo separado) “hago” Arte. Ahora me limitaré a hacer todas estas actividades de mantenimiento cotidiano, y las equipararé, y las exhibiré, como ARTE. (Mierle Laderman Ukeles, “Manifesto for Maintenance Art”, 1969)

Un oxymorón constructivo, como un instante eterno, al unir arte y mantenimiento genera una metáfora que atrapa quizá el sentido total de lo que el arte habría de ser, como el hielo abrasador, el fuego helado, o las baudelarianas placeres horribles y dulzuras horrendas. Obviamente daba en la diana porque ni un solo artista, por muy genial que haya sido, ha hecho una carrera en “solitario”, contra viento y marea, todos se han apoyado en asistentes, madres, amantes, esposas… y demás, la independencia no ha sido más que una floritura retórica y, claro, una fantasía.

Si la misma noción de vanguardia es vista como una función del discurso de la originalidad, la verdadera práctica del arte de vanguardia tiende a revelar que la originalidad es una asunción con la que trabajar, que emerge de un terreno de repetición y recurrencia. (Rosalind E. Krauss, The Originality of the Avant-Grade and Other Modernist Myths. Cambridge, MIT Press, 1986. 157-58)

En el 76, decíamos, Ukeles producirá I Make Art One Hour Every Day, un proyecto/exposición para el Whitney Museum of American Art. Trabajo con 300 empleados, miembros de la plantilla de mantenimiento del edificio completo de Chemical Bank, todos aquello, hombres y mujeres, que hacían posible que le edificio siguiera cumpliendo su función, se mantuviera limpio, reparado, y eficiente. Obvio es que casi nadie quiere ver a estos equipos, más que necesarios, tal vez solo los espacios ocupados o centros sociales en los que esta función se solapa mezcla e híbrida con cualquier otra considerándose igual de importante, o más, que hacer el “creativo”.

Lo primero que hará será entrevistar a estos 300 trabajadores, les preguntó sobre su trabajo y visitó el completo edificio con ellos entrando hasta en las zonas más “estrictamente reservadas”. También conversará con ellos en torno a esta “diferenciación” entre estos dos mundos, el del arte y el del mantenimiento. Distribuirá una serie de cartas en las que invitará a todos a crear con ella una obra de arte del mantenimiento “viva” durante los meses de septiembre y octubre de ese mismo año. Les pidió que designaran una hora de cada una de sus jornadas como ARTE. Al terminar cada uno de sus días cada cual habría de rellenar una ficha en la que identificaría cuando y cómo había hecho su “ARTE” aquel día (limpiando el polvo, fregando el suelo, reparando un ascensor, colocando sillas, regando las plantas…)

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I Make Maintenance Art One Hour Every Day, September 16-October 20, 1976

Durante todo el tiempo que duró el proyecto Ukeles visitará el edificio todos los días. cada día tomará fotografías de la labor de los trabajadores al tiempo que les preguntaba si ese preciso momento en el que ella les fotografiaba era, efectivamente, su hora de “arte”. Estas serán las fotografías que expondrá en el Whitney, Cada día, de los que componen el mes y medio que duró la muestra, el museo se fue llenando poco a poco de polaroids. Las yuxtaposiciones eran comunes, lo que para uno era su hora artística para otro no lo era, y al revés. para uno limpiar los cristales de al fachada sur a las 10:00 am era “arte”, para otro, la misma labor a la misma hora ne la misma fachada sur era vulgar “trabajo”. Con dos preguntas retóricas sencillas es pone en jaque todas las verdades absolutas de los valores culturales y del lenguaje.

Creo que, incluso si los alumnos de la escuela de arte de Londres que piensan que lo que hacen es realmente basura no tendrán porque buscar a un profesor, con tirarlo ellos mismos será necesario. Tal vez las escuelas de arte funcionarían mejor si el equipo de mantenimiento estuviera compuesto, precisamente, por los alumnos. tal y como están las tasas académicas podría ser una solución. Mira, tal vez se lo proponga a mi amigo Wert este que últimamente a los del ministerio parece que les gustan mucho mis ideas.

Y aquí un último link en torno a la circulación social de la basura y su más famoso proyecto, sanitation system.

ni alquila, ni participa, ni open

hoy es domingo, es día 7 de octubre. el mundo se derrumba y yo sigo aquí sentada imaginando o arrepintiéndome de no haber hecho lo que habría de haber hecho y obviamente no hice. total que este fin de semana ha sido open studios, del que ya he dado cuenta pero al que he ido más bien poquito, sustituyendo la visita a estudios por los placeres del parque del berro, o de la fuente del berro, o de algo así. ayer me las pasé en la celebración de santa Tais, Tais es santa pero Tais es mi socio y amigo y es un tío, ¿por qué a mi amigo Tais le llamaron Tais que es el nombre de un arrepentida cortesana de Alejandría?. Ni idea. Solo sé que pasamos un día estupendo con los últimos rayos de sol, con pavos reales venidos  a menos y con una chica que no paraba de tricotar para un evento algo surre de las laneras de Madrid quienes, creo, van a forrar la calle Serrano de una suerte de patch work de lanas…

Retomado mi arrepentimiento y para no caer en la decadencia absoluta miraré los links pertinentes para que al menos quede registro de lo que podía haber visto y no vi, y así calibraremos lo próximo o alejado de la realidad que tiene esta otra realidad de la web.

Veamos, me perdí:

OPEN STUDIOS
– PARTICIPAR.DE (por cierto que para esto tuve yo una cita hace tiempo, y me gustaría recuperar esa historia, pasee a una comisaria y a la directora del instituto Goethe por la tabacalera, mas no parece que les gustase… aunque tal y como está el asunto tabacalesco, menos mal que no les gustó)
SE ALQUILA CUERPO

Y de todo estos daré buena cuenta cuando consiga, de primera mano, alguna declaración….