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Beyond the Wall

Philadelphia Mural Arts Restorative Justice Program: Beyond the Wall

Posted April 11, 2014 by jmacphee in Justseeds Member Projects

Yo, esto es jmacphee, del colectivo JUSTSEEDS, cuenta su experiencia en un proyecto colectivo en Filadelfia de arte mural. Lo que hizo Jmacphee fue recolectar materiales para el mural que se estaba haciendo en Filadelfia sobre los encarcelamientos masivos estadounidenses.

Lo que me interesa es que este artista ha intentado “FILTRAR”, lo que surgió, se conversó, y debatió, en unos tantos, muchos, encuentros, asambleas, conversatorios, a un formato PÓSTER, que los artistas muralistas de la ciudad están distribuyendo por todas partes.

También han conseguido hacer que tres de los posters estén presentes en le trasnporte público en el lugar de la publicidad. Esta estrategia, de conexión con los medios masivos fue muy utilizada por os primeros colectivos de artistas activistas, me gusta que ahora se siga empleando, es de los más eficaces medios de activismo artístico, y en el la autoría se disuelve. Gracias Jenny Holzer, quizá tuviste un gran peso en el arranque pero ahora la cosa se diluye en la colectividad. Lo cual es harto necesario.

Luego le piden a la gente que si ven esos posters en el public transport pues que les hagan una foto y los suban a twitter… y esto si que es activismo visual!!… me encanta

Imagen 2

Por cierto que hablando de cárceles debo recuperar la informacion sobre un cine club que lleva una artista mejicana… y de posters hace un hilo narrativo desde gran fury hasta favianna rodriguez… o mejor, desde Heartfield!…. me encanta

Digital Art & Democracy

Digital Art & Democracy

Descubierto por que Jenniffer A. González, fue una de las organizadoras del simposio que acabó ayer en San Francisco sobre Visual Activism.

Jenniffer A. Gonzalez es una profesora de University of California Santa Cruz:

Associate Professor, History of Art and Visual Culture
Contemporary Art, Race and Representation

Y tiene un trabajo extenso e interesante, aunque a mi el artículo que más me ha intreesado y me gustaría conseguir es el de:“Electronic Habitus: Agit-prop in an imaginary world,” in Visual Worlds, John R. Hall, Blake Stimson and Lisa Tamiris Becker, eds., (New York: Routledge, 2003)

Visual Worlds

Visual Worlds

Que indagando indagando me ha llegado en un pdf que se llama, PLacing Art in the Public Realm

Donde está el artículo es en VISUAL WORD, I
Part 1: Cultures Political Culture
1. Uncle Sam Needs a Wife: Citizenship and Denegation
2. Televisual Popular Politics: Diana and Democracy
3. Manufacturing Dissent: Challenges for Activism and Alternative Voices in the Post 9/11 World.
4. Art at the Intersection of Social Fields 5. Heart of Darkness: A Journey into the Dark Matter of the Art World 6. Primetime Art as Seen on Melrose Place

Part 2: Worlds  Social Worlds
7. Electronic Habitus Agit-Prop in an Imaginary World
8. Los Angeles as Visual World: Media, Seeing and the City

9. Photography’s Decline into Modernism: In praise of âBadâ Photographs
10. Between the Net and the Deep Blue Sea (Rethinking the Traffic in Photographs)

Warring Worlds
11. Witness to Surrender
12. Under Siege: Mona Hatoum’s Art of Displacement
13. Mea Culpa: On Residual Culture and the Turn to Ethics Epilogue Visual Worlds, after 9/11

El mundo está “visualmente mediado”, con internet han surgido nuevas herramientas de mediación y también nuevas convenciones. El libro pretende indagar la estructura social de esta nueva visualidad con una serie de ensayos de expertos de muy variados campos: historiadores del arte, de la literatura, del pensamiento crítico, de estudios culturales, del cine y la televisión, intelectuales y sociólogos. Se concibió para intentar dar respuesta a el modo en el que nuestra experiencia y nuestra comprensión de la visión y de las formas visuales están cambiando a partir de los variados factores sociales, económicos y culturales que quedan incorporados en el palabra “globalización”

El libro enlaza con las tensiones que se van estableciendo entre las culturas y los diversos mundos, la vida política, lo cotidiano, la experiencia social y la guerra. la conversación resultante desarrollada entre los diversos capítulos que componen el libro nos provee de una oportunidad única para considerar el cambiante carácter de la experiencia visual.

Documenta X, Catherine David

RECUPERO ESTAS PALABRAS DE CATHERINE DAVID DE LA DOCUMENTA X DE 1997 PORQUE CREO QUE SON MUY ÚTILES PARA COMPRENDER MUCHAS DERIVAS. CUANDO SE QUIEREN HACER COSAS SE PUEDEN HACER MUCHAS COSAS

Introduction by Catherine David in the Short Guide

Finally, in the framework of the »100 Days – 100 Guests« program we have invited artists and cultural figures from the world over -architects, urbanists, economists, philosophers, scientists, writers, filmmakers, stage directors, musicians- to Kassel in order to debate, according to their fields of specialization and their orders of urgency, the great ethical and aesthetic questions of the century’s close: the urban realm, territory, identity, new forms of citizenship, the national social state and its aftermath, racism and the state, the globalization of markets and national policy, universalism and culturalism, poetics and politics. These daily interventions will take place in the auditorium of the documenta Halle, specially configured as a space of information and debate; they will be typed out and transmitted over the Internet, recorded on cassettes made available to the public by Bund Media, and broadcast daily in abridged form by Arte, in collaboration with HR, WDR, SWF, and the Goethe-Institut.

Throughout the »100 Days« there will also be screenings of the seven films produced by documenta, Sony, and several TV channels, and a three-night theatrical marathon presenting the »sketches« proposed by ten directors who have been invited to explore the minimal conditions of a contemporary dramatic situation.

Other artists´ projects circulate in Kassel and far beyond: images posted on the billboard spaces of Deutsche Staedte-Reklame and radio plays produced and broadcast by Hessischer Rundfunk. In conclusion, I would like to thank all the partners who accompanied us with great confidence and generosity during the often difficult work of preparation. And of course, I would like to extend my warmest thanks to all the participants in documenta X, who each in their own way have helped make this project lively, diverse, and exciting for everyone.

Spectacle&Participation by Kester

Hay que leer esto

Y luego, cuando deje de pensar en inglés, haré un esfuerzo por contar un versión breve en castellano. Bueno el asunto va de una actividades en el MOCA de L.A.: The Engagement Party series (2008-2012).
Estas fiestas del enganche, bueno de la implicación, o del acercamiento involucrado, no se bien como traducir engagement, se referían a piezas, más o menos participativas de “Artistas del Sur de California Emergentes que trabajen colectivamente o colaborativamente”.

Engagement Party offered Southern California–based artist collectives and collaborators the opportunity to make socially based artworks by interacting with and exploring the museum in unexpected ways.

Kester arranca hablando de la performance colectiva de Marina Abramovic que fue realizada por muchos artistas, bailarines, coreógrafos y actores quienes hicieron exactamente lo que la diva de las divas les ordenó. Este acto multitudinario quería, además de enganchar al personal, sacar fondos y celebrar el 30 aniversario del Museo. Este acto espectacular generó a duras críticas en sectores culturales más, digamos de Downtown. Yvone Rainer no se hizo esperar y alegó que era eticamente injustificable el servilismo al que sometía la Abramovic a sus esbirros. Los esbirros, no obstante estaban encantados.

Kester continua sus diatribas, antes de llegar al meollo de la cuestión analizando el porqué tantos artistas del sur de CAlifornia han optado por lo colaborativo y lo colectivo. El asunto esque aquí, en California, surgió el primer acercamiento al arte desde el feminismo, Judy Chicago  la fResno State University que luego fue CalArts y la Women House. ellas fueron las primeras que de modo dialógico y colaborativo trataron temas de interés común para buscar salidas, o cuanto menos, reconocerse en una lucha común e inventar herramientas de resistencia colectivamente. Luego vino de NY Allan Kaprow, una figura imprescindible en la escuela artística del sur de California cuya trascendencia en los cambios estéticos, al menos en España, está aún por ser descubierta, o comentada. Allan Kaprow entendía toda labor artística desde la relación y desde la colaboración, ya fuera ne un performance o en cualquier otro acto, dar una clase o una conferencia o preparar un proyecto. Más obsesionado con dejar de ser artista que cualquier otro al final logró cambiar, hacia lo comunitario, el artisteo local, y por ende, el internacional.

Bien, una vez que nos da los toques historiográficos precisados se pone manos a la obra en su ni tanto ni tan calvo, una posición de tercera vía que a mi, cada día, me gusta más.

¿Por qué juzgar un hecho estético desde un discurso ético? Tiene algún sentido. Esta es la pregunta clave. Ahora para descubrir la respuesta lean al artículo que saldrá aquí: GRANT KESTER. Spectacle and PArticipation.MOCA+Essay

Making it Together

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TOGETHER, AGAIN
Women’s Collaborative Art + Community

BY CAREY LOVELACE

MAKING-IT-TOGETHER-ESSAY

Todo esto lo podéis descubrir siguiendo el hilo, de la web de carley lovelace, donde dice:

On view March 2 through August 4, 2008. The Bronx Museum of the Arts.

Making It Together explores an important chapter in recent history when women artists, inspired by the 1970s Feminist Movement, worked collectively in new ways to engage communities and address social  issues.  Guest-curator: Carey Lovelace. > read more: Together, Again, an essay

no nos sale de los huevos

PORTADA

NO NOS SALE DE LOS HUEVOS

Periodistas y banqueros
Partidos y sindicatos
Dicen que esto es una crisis
Cuando es un golpe de Estado

Estamos siendo gobernados
Por cobardes y vendidos
Al capital financiero
En contra de su propio Pueblo

No nos sale de los huevos
y menos de los ovarios

Nos toman por gilipollas
Como su cuerda de esclavos
Que hemos de vender la vida
Al interés de los Mercados

Al pan pan y al vino vino
No estamos para romances
El cántaro que va a la fuente
Lo romperemos en la calle

No nos sale de los huevos
y menos de los ovarios

Discografia ASCASO

Y como los de antes, COLUMNA ASCASO tienen un MANIFIESTO

Ya iba siendo hora de encontrar esto

MANIFIESTO COLUMNISTA
Música comunal para la revolución global.

La Columna Ascaso no es un grupo músical, una formación cerrada con integrantes fijos.

La Columna Ascaso es un grupo de afinidad de músicos colaboradores, constituido bajo el objetivo de producir música comunal para la revolución global.

En este sentido, la Columna Ascaso es una formación horizontal, ajerarquica y coyuntural.

La Columna Ascaso reniega de toda propiedad intelectual y/o derechos de autor al respecto de la música que produce.

La Columna Ascaso produce música comunal.

En este sentido, La Columna Ascaso no compone, necesariamente, canciones.

La Columna Ascaso genera materiales musicales, dispuestos para su libre consumo, distribución y uso en el dominio público.

La Columna Ascaso anima a todos aquellos músicos que compartan estos preceptos a que colaboren con nuestra formación o se movilizen en la creación de otras columnas con las que cooperar e intercambiar servicios, recursos y materiales.

los brillantes tipos de mantenimiento

Arte y basura

Esto está en contraindicaciones. Tal y como van las cosas es mejor etiquetar el arte con un cartel que ponga, “esto es arte”. Parece nuevo pero hay muchas anécdotas de los servicios de limpieza, lo que realmente saben lo que las cosas valen, que en un acto de profesionalidad tomaron lo que era arte por algo que era cualquier cosa y como tal podía servir de plataforma para limpiar trapos o podía servir para guardar cosas o para ir directa a la basura. Como son los que saben es muy probable que la emoción estética de tal receptáculo, o del bote casual o de la estandarizada basura fuera exactamente eso y no arte, porque digo yo que el arte para serlo algo habrá de provocar, aunque sea ganas de vomitar. Si nada produce nada es.

En el 76 Mierle Laderman Ukeles desarrolló una nueva etapa de su largo proyecto/proceso MAINTENANCE. Este proyecto había surgido mucho tiempo antes cuando, tras dar a luz en la década de los 60, comenzó a cuestionarse sobre las relaciones entre la maternidad, y los cuidados necesarios para ejercerla, y la labor creativa. Mierle se plantearé cómo poder unificar estas fuerzas supuestamente opuestas, y buscará la posibilidad de que estas dos cuestiones, o actividades, adquiriesen el mismo valor. En 1969 escribirá su “MANIFESTO FOR MAINTENANCE ART”, un documento que será la consecución de un recorrido teórico y práctico mucho más largo. Como ella misma asevera el arte no hace más que “encapsular” procesos, en su caso esta “cápsula” se convertirá en manifiesto. Lo que conseguirá con su manifiesto del mantenimiento será poner en cuestión la supuesta “genialidad” del singularizado acto creativo para, en contraposición, equipararla a muchas otras labores, algo menospreciadas, por requerir repetición: las labores de mantenimiento, fundamentales, por otra parte, para que personas, lugares, ciudades y contextos sigan funcionando como tales.

El arte de vanguardia, está preñado de ideas de mantenimiento, actividades de mantenimiento, materiales de mantenimiento … Yo soy una artista. Yo soy una mujer. Yo soy una esposa. Yo soy una madre. (El orden es azaroso). Hago un montón de coladas, limpieza, renovación, apoyo, preservación, etc. También (y no de modo separado) “hago” Arte. Ahora me limitaré a hacer todas estas actividades de mantenimiento cotidiano, y las equipararé, y las exhibiré, como ARTE. (Mierle Laderman Ukeles, “Manifesto for Maintenance Art”, 1969)

Un oxymorón constructivo, como un instante eterno, al unir arte y mantenimiento genera una metáfora que atrapa quizá el sentido total de lo que el arte habría de ser, como el hielo abrasador, el fuego helado, o las baudelarianas placeres horribles y dulzuras horrendas. Obviamente daba en la diana porque ni un solo artista, por muy genial que haya sido, ha hecho una carrera en “solitario”, contra viento y marea, todos se han apoyado en asistentes, madres, amantes, esposas… y demás, la independencia no ha sido más que una floritura retórica y, claro, una fantasía.

Si la misma noción de vanguardia es vista como una función del discurso de la originalidad, la verdadera práctica del arte de vanguardia tiende a revelar que la originalidad es una asunción con la que trabajar, que emerge de un terreno de repetición y recurrencia. (Rosalind E. Krauss, The Originality of the Avant-Grade and Other Modernist Myths. Cambridge, MIT Press, 1986. 157-58)

En el 76, decíamos, Ukeles producirá I Make Art One Hour Every Day, un proyecto/exposición para el Whitney Museum of American Art. Trabajo con 300 empleados, miembros de la plantilla de mantenimiento del edificio completo de Chemical Bank, todos aquello, hombres y mujeres, que hacían posible que le edificio siguiera cumpliendo su función, se mantuviera limpio, reparado, y eficiente. Obvio es que casi nadie quiere ver a estos equipos, más que necesarios, tal vez solo los espacios ocupados o centros sociales en los que esta función se solapa mezcla e híbrida con cualquier otra considerándose igual de importante, o más, que hacer el “creativo”.

Lo primero que hará será entrevistar a estos 300 trabajadores, les preguntó sobre su trabajo y visitó el completo edificio con ellos entrando hasta en las zonas más “estrictamente reservadas”. También conversará con ellos en torno a esta “diferenciación” entre estos dos mundos, el del arte y el del mantenimiento. Distribuirá una serie de cartas en las que invitará a todos a crear con ella una obra de arte del mantenimiento “viva” durante los meses de septiembre y octubre de ese mismo año. Les pidió que designaran una hora de cada una de sus jornadas como ARTE. Al terminar cada uno de sus días cada cual habría de rellenar una ficha en la que identificaría cuando y cómo había hecho su “ARTE” aquel día (limpiando el polvo, fregando el suelo, reparando un ascensor, colocando sillas, regando las plantas…)

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I Make Maintenance Art One Hour Every Day, September 16-October 20, 1976

Durante todo el tiempo que duró el proyecto Ukeles visitará el edificio todos los días. cada día tomará fotografías de la labor de los trabajadores al tiempo que les preguntaba si ese preciso momento en el que ella les fotografiaba era, efectivamente, su hora de “arte”. Estas serán las fotografías que expondrá en el Whitney, Cada día, de los que componen el mes y medio que duró la muestra, el museo se fue llenando poco a poco de polaroids. Las yuxtaposiciones eran comunes, lo que para uno era su hora artística para otro no lo era, y al revés. para uno limpiar los cristales de al fachada sur a las 10:00 am era “arte”, para otro, la misma labor a la misma hora ne la misma fachada sur era vulgar “trabajo”. Con dos preguntas retóricas sencillas es pone en jaque todas las verdades absolutas de los valores culturales y del lenguaje.

Creo que, incluso si los alumnos de la escuela de arte de Londres que piensan que lo que hacen es realmente basura no tendrán porque buscar a un profesor, con tirarlo ellos mismos será necesario. Tal vez las escuelas de arte funcionarían mejor si el equipo de mantenimiento estuviera compuesto, precisamente, por los alumnos. tal y como están las tasas académicas podría ser una solución. Mira, tal vez se lo proponga a mi amigo Wert este que últimamente a los del ministerio parece que les gustan mucho mis ideas.

Y aquí un último link en torno a la circulación social de la basura y su más famoso proyecto, sanitation system.

ni alquila, ni participa, ni open

hoy es domingo, es día 7 de octubre. el mundo se derrumba y yo sigo aquí sentada imaginando o arrepintiéndome de no haber hecho lo que habría de haber hecho y obviamente no hice. total que este fin de semana ha sido open studios, del que ya he dado cuenta pero al que he ido más bien poquito, sustituyendo la visita a estudios por los placeres del parque del berro, o de la fuente del berro, o de algo así. ayer me las pasé en la celebración de santa Tais, Tais es santa pero Tais es mi socio y amigo y es un tío, ¿por qué a mi amigo Tais le llamaron Tais que es el nombre de un arrepentida cortesana de Alejandría?. Ni idea. Solo sé que pasamos un día estupendo con los últimos rayos de sol, con pavos reales venidos  a menos y con una chica que no paraba de tricotar para un evento algo surre de las laneras de Madrid quienes, creo, van a forrar la calle Serrano de una suerte de patch work de lanas…

Retomado mi arrepentimiento y para no caer en la decadencia absoluta miraré los links pertinentes para que al menos quede registro de lo que podía haber visto y no vi, y así calibraremos lo próximo o alejado de la realidad que tiene esta otra realidad de la web.

Veamos, me perdí:

OPEN STUDIOS
– PARTICIPAR.DE (por cierto que para esto tuve yo una cita hace tiempo, y me gustaría recuperar esa historia, pasee a una comisaria y a la directora del instituto Goethe por la tabacalera, mas no parece que les gustase… aunque tal y como está el asunto tabacalesco, menos mal que no les gustó)
SE ALQUILA CUERPO

Y de todo estos daré buena cuenta cuando consiga, de primera mano, alguna declaración….

a nudnik

The word in language is half someone elses.
-Mikhail Bakhtin

When the writer becomes the center of his attention, he becomes a nudnik.
And a nudnik who believes he’s profound is even worse than just a plain nudnik.
-Isaac Bashevis Singer

Interview in New York Times magazine 26/11/1978

“Metaphor, democracy, diploma, allegory, melody.”
“Nudnik, yachneh, shloch, klafte, lokshen.” (in Yidish)

Freud and the Nudniks BURGIN: How do you account for the fact that . . . so much of literature is now so introspective?

SINGER: The Freudian theory -this business of analysis and pondering one’s complexes – has made many people very curious about themselves, their inhibitions, and their caprices. The writers of the nineteenth century were also curious about themselves but they knew that the real power of literature is in observing other people. There’s not a single story of Chekhov where he wrote about himself. Although I do write from time to time in the first person, I don’t consider it a healthy habit. I’m against the stream of consciousness because it means always babbling about oneself. The writer who writes about himself all the time must become a bore, just like the man who talks all the time about himself. When the writer becomes the center of his attention, he becomes a nudnik. And a nudnik who believes he’s profound is even worse than just a plain nudnik. – From ”Conversations With Isaac Bashevis Singer.”

Porn Star/Academic Collection

Pornstar/Academic Collection

Stephens gathered the pairs of panties from various well-known porn stars and academics and bronzed them using the ancient lost wax process. She then juxtaposed them together, with the name identifying the original wearers.

Porn stars and academics are both in the forefront of thought and practice around issues such as sexuality, and identity politics. In the academic world the brightest intellectuals are fetishized in a manner that bears certain similarities to the ways in which porn fans adore their stars. Both are sexy, powerful and compelling. Included are the bronzed panties of Vanessa Del Rio, Ron Jeremy, Kate Bornstein, Carla Freccero, Ph.D., and Erica Rand, Ph.D..

This work is homage and a wink to the bravery and chutzpah of porn stars and adventurous academics, be it in the classroom or on the silver screen and who have changed the ways others see the world

http://www.loveartlab.org/slideshow.php?year_id=1&cat_id=41#

Emin tras "Cast Iron Lover"

Esta no es Elsa von FreytagLoringhoven, pero de ella, de Elsa, dijeron ya en 1920 que podría ser “una oriental desnuda haciendo solemnes gestos de indecencia en una danza sexual de su propia religión. Su éxtasis en semejante danza bacante será una de las propiedades de su arte. Esto lo dirá Evelyn Scott un poeta que hablará de un emigrada enorme y olorosa que dará algo de lo que hablar a los neoyorkinos de las primeras décadas del siglo XX. Ágil en la figura, y tan graciosa como un leopardo, como será descrita en 1915 en el New York Times, era un dama de alta alcurnia extremadamente radical en las proclamas de su voraz sexualidad sin género, una señora de látigo, que, decían, azotaba como una verdadera dominatrix al mundo del arte y al de la poesía , un Baronesa refugiada y temible. O un “Barone” como la llamaba William Carlos Williams.

Escribirá el poema desconocido más famoso del mundo, “Cast Iron Lover“, un poema de 9 páginas de una “intensidad explosiva”, como un “volcán inconsciente”, como dirá Maxwell Bodenheim: “Es refrescante ver a alguien enseñando las garras y corriendo todos los velos a base de aullidos, vómitos, y saltando al desnuda”. Ese mismo año, en 1917, y para ilustrar su gran poema realizará su “God”, una tubería retorcida sobre si misma y apuntando al cielo, una pieza aun no asimilada por la crítica y gestada al mismo tiempo que el urinario, pieza esta que la Baronesa cedió amablemente a su amigo Duchamp, que por casualidad andaba tambiéne n Philadelphia, sin preveer ni de lejos la que se iba a armar.

Ella, una rareza que iba regalando piezas a medio elaborar y performaces gratuitos, le gustaba dejar al personal perplejo mientras se quitaba su camisa con solemnidad en el lugar menos pensado y más público. Una consciencia salvaje que no violó las reglas sino que entró en otro estadio de lo real y lo posible donde ya no habría ninguna regla a la altura de las circunstancias. Todo su trabajo fue perfectamente coherente y en conjunto adquiere cierta normalidad que hoy sería llevada a Venecia. Por supuesto que el “mainstream” no se la llevará a Italia sino que la catapultará al olvido, ella fue “demasiado lejos” saliendo con sistematicidad del campo de recreo del juego vanguardista.

De la Emin dicen que es egocéntrica, una obsesa de sexo, que es victimista, una alcohólica, loca por ser “celebrity” y acomodada en su “autopromoción y venta”. La verdad que visto lo visto no veo escándalo por lugar alguno. La autopromoción y venta ha sido básica en toda la historia del arte y mucho más desde que el pintor de la vida moderna se comenzase a perfilar allá por el XIX. Que una dama haga lo propio tan alegremente me parece no solo “no alarmante”, sino también muy loable, la verdad. Ahora ella es un icono de jovencitas por “comercializar sus traumas”. La gestión es muy similar a la que llevo Elsa durante toda su vida, militancia contra todo y contra todos, traumas aireados, vómitos y arengamientos a las masas entumecidas en busca de sus dosis homeopáticas de modernidad. La diferencia, la Emin se forra y se pone ciega a todo lo que pilla, la pobre Baronesa murió asfixiada y sin un clavel; antes podía uno aún escandalizar, hoy el escándalo vende mucho y genera mucha pasta… ¿por qué una artista no puede aprovecharse de ello?, ¿por qué al artista se le exige solemnidad?, ¿no ha llegado un punto de cambiar un término tan estirable como el de “artista”?, ¿no se ha ido la garete hasta la idea de “el arte” uno y único?